cinema poeira

Zé do Caixão no Topa Tudo por Dinheiro

2011-12-18T13:00:00.000-08:00

Participação de José Mojica Marins interpretando seu popular personagem no programa Sílvio Santos. Ao que tudo indica o título "Topa tudo por dinheiro" não poderia ser mais adequado...

De volta... de novo! - Deranged (1974) censurado!!!

2011-11-04T05:22:00.000-07:00

Infelizmente não tenho conseguido me dedicar ao blog do modo que gostaria. Está difícil conciliar com minhas atividades profissionais, especialmente as pesquisas que venho fazendo para meu trabalho de pós doutorado. De qualquer forma, tentarei novamente retomar as postagens de modo mais econômico e descompromissado.
Começando com um protesto contra os canais de assinatura que insistem em passar filmes cortados, algumas vezes de modo que encaixem na grade de programação, outras vezes por CENSURA. Por favor! Se é para censurar, não passem!
O motivo deste protesto foi a mutilação pelo canal MGM HD do ótimo Deranged, uma versão exploitation da carreira do notório Ed Gein, necrófilo norte-americano que originou personagens como Norman Bates de Psicose (Psycho, 1960) e o Buffalo Bill de O Silêncio dos Inocentes (The Silence of the Lambs, 1991); além de ter inspirado outras produções das quais destaco O Massacre da Serra Elétrica (The Texas Chainsaw Massacre, 1974). O tarado também foi representado por atores como Steve Railsback (Ed Gein, o Serial Killer/In the Light of the Moon, 2000) e Kane Hodder (Ed Gein: The Butcher of Plainfield, 2007).
Rodado em 1974 por Alan Ormsby e tendo Roberts Blossom como o protagonista Ezra Cobb (que faz a vez de Gein), é uma divertida imersão na mente de um assassino, que perde o sentido ao ter a parte final mutilada. Para quem não viu e quer conhecer essa pequena obra prima, ou assistiu e ficou boiando na versão cortada da MGM, segue abaixo na íntegra a cena censurada:

2011-07-14T15:09:00.001-07:00

Retomando aos poucos as atividades do blog, paralisadas desde o final de maio, pensei em fazer alguns comentários sobre uma série de TV que tem atraído minha atenção. Não que Ghost Hunters (atração do canal SyFy) seja algo inusitado em termos de idéia, ou mesmo um diferencial em termos narrativos. Mas por se vincular de tal modo ao nosso imaginário sobre o que esperamos encontrar (ou esperamos que nossos entes queridos encontrem) do outro lado da mítica fronteira que separa os vivos dos mortos. Ainda que não esteja sozinho na linha de programas de teor documental-sobrenatural (como Assombrações, Portas para o Além, etc.), deixa de lado a forma clássica de narrador em voz over e reencenações tão recorrente para investir no formato reality show em voga. O jogo é construído de forma participativa, com a equipe se inserindo na trama ao protagonizar as investigações da semana, compartilhando com o espectador através de uma atuação convincente a experiência – vendida como factual – deixando pequenos ganchos de suspense que vão ser revelados no bloco final. Sem ser o primeiro nessa senda, Ghost Hunters se esmera como mockumentary, atingindo não apenas o crédulo, que se empolga com a parafernália tecnológica dos caça-fantasmas (espectrômetros, câmeras infravermelhas, etc.), mas também o aficionado por filmes de horror, que vão notar semelhança com as tramas não só de produções clássicas do gênero como Desafio do Além /(The Haunting, 1963) e A Casa da Noite Eterna / The Legend of Hell House, 1973), mas de títulos mais recentes como A Bruxa de Blair (The Blair Witch Project / 1999). Devemos levar em conta que, se em alguns episódios eles sensatamente revelam não encontrar nada sobrenatural dando uma explicação banal para o fenômeno, na grande maioria colhem evidências que seriam incontestáveis sinais (alguns realmente difíceis de engolir) de que algo permanece após a morte. Sem os quais o programa dificilmente continuaria no ar após sete temporadas e um spin-off (Ghost Hunters International, que percorre o mundo atrás de fantasmas e já esteve no Brasil).Ghost Hunters surgiu em 2004, herdeiro de um programa predecessor produzido pelo Discovery Channel (Ghosthunters), para levar ao ar as investigações paranormais da TAPS (The Atlantic Paranormal Society) fundada pela dupla Jason Hawes e Grant Wilson, encanadores da Roto Rooter que se deram bem em seu empreendimento “paralelo”. Picaretagem ou não (há quem acredite), o fato é que dificilmente nos entediamos com as aventuras do grupo, mesmo não tendo uma nerd tão charmosa como a Velma do Scooby Doo. Ainda que a repetição da fórmula já dê sinais de desgaste, algumas vezes me surpreendo com a escolha dos temas. Destaco a ousada abordagem de um tema ainda pouco palatável: os assassinatos da atriz Sharon Tate e convidados pela “família” Manson em 1969. No programa que foi ao ar originalmente em julho de 2007, na terceira temporada (Os Assassinatos na Mansão / Manson Murders) Hawes e Wilson são chamados pelo proprietário de uma casa vizinha ao terreno onde se deu o massacre, crente de que está sendo assombrado pelas vítimas dos crimes. Atmosférico, tem seu clímax quando um dos espíritos afirma ser Jay Seybring, cabeleireiro de celebridades amigo da jovem esposa de Roman Polanski.

Confira o episódio abaixo e até breve, lembrando que as postagens regulares retornam somente em AGOSTO!

Link para o site do TAPS:

http://www.the-atlantic-paranormal-society.com/

Em recesso! - Volto logo!

2011-06-07T16:45:00.000-07:00

Aos amigos do blog e seguidores: o Cinema Poeira não acabou! Apenas estou por demais atarefado e sem possibilidades de postar. Em breve (breve mesmo!)retorno às atividades. Continuem acompanhando!!!!!

Extrema Unção (2010), de Felipe M. Guerra.

2011-04-29T13:21:00.000-07:00

Do cabedal de entidades e criaturas sobrenaturais que atormentam os indivíduos e constituem matéria prima para o cinema de horror, sem dúvida fantasmas e demônios são os que mais assustam. Mais do que vampiros, lobisomens e monstros que a imaginação e criatividade humanas adaptam ao nosso mundinho ordinário para efeito de entretenimento. Talvez porque fantasmas e demônios são mais complexos, pois se existem (e religiões e crenças nos fazem acreditar nisso), estão ao nosso redor impalpáveis e podem interferir em nossas vidas sem que saibamos. Dando vagas pistas de suas presenças num pesadelo, na forma vaga de um vulto que pescamos com o canto dos olhos, uma sombra mais escura que passa de relance nas trevas noturnas ou um sussurro que chega aos nossos ouvidos. E que podem tomar dimensões assustadoras e ter conseqüências nefastas quando interagem diretamente conosco.
Além disso, mexem com temores ancestrais: o medo da morte e do que está por trás do véu pelo qual invariavelmente todos nós iremos passar. Portanto, não é de estranhar serem as produções que mexem nesse vespeiro as mais terríveis e por isso de maior dificuldade de realização. Afinal, um filme de horror causar aquela sensação de pavor indizível sobre a qual discorreu Lovecraft, vamos concordar, é raro. Por mais eficientes que sejam, a maioria dos filmes de horror falha nesse quesito. O que, para falar a verdade, não seria um grande problema, se muitas dessas produções não se levassem a sério demais.
Armadilha na qual o despretensioso Extrema Unção (2010) que passou recentemente na terceira edição da mostra Cinema de Bordas, no Itaú Cultural (SP), não cai. Realizado por Felipe Guerra, nas trincheiras da produção independente desde meados da década de 1990, consegue dosar com precisão os elementos fundamentais do filme de assombração – inclusive a tensão a eles inerente – com o humor negro característico de sua obra, calcado em certo exagero e elegia ao grotesco que é parte constante de um segmento importante do cinema e dos quadrinhos de horror. Nesse sentido, lembra aqueles filmes em episódios da Amicus, ou as histórias da E. C. que hes serviram de base (Tales from the Crypt, Vault of Horror, etc.), tanto em sua curta duração quanto na pegadinha final.
A nova empreitada do diretor de Patrícia Gennice (1998), Entrei em pânico ao saber o que vocês fizeram na sexta-feira 13 do verão passado (2001) e Canibais e Solidão (2007) é em essência a recorrente história de casa mal assombrada, onde alguém morre com uma dívida e não segue me frente, importunando quem se aventurar em seu local de penitência. Mas se já vimos essa história várias vezes no cinema e na televisão – o assunto assombração é a grande vedete do horror oriental dos últimos anos, assim como em programas como Assombrações (A Haunting) e Ghost Hunters nos canais Discovery e SyFy respectivamente – Felipe M. Guerra dá um tratamento bastante pessoal ao tema. Começando pelo elenco, o diretor (cagão confesso quando criança, segundo depoimento no documentário Sangue Marginal) tem como protagonistas sua avó (Oldina do Monte) como uma velha senhora que morre sem receber a extrema unção, e seu irmão (Rodrigo M. Guerra) como o azarado que aluga a casa onde o espírito está aprisionado. Essa aproximação, que dá um colorido pessoal e regional à produção rodada em Carlos Barbosa (RS), é reforçada pelo cenário, a casa de D. Oldina ornamentada com os soturnos pertences da personagem extremamente religiosa e solitária: imagens de santos, velas, crucifixos, folhinhas e antiguidades que remontam ao seu passado. Solidão que se perpetua após a morte, lembrando a famosa introdução de Shirley Jackson em A Assombração da Casa da Colina de que “o que andasse por lá, andava sozinho”.
Extrema Unção, rodado em mini-DV ao custo de R$ 40,00 relata os três dias que o desafortunado inquilino passa na casa, com os eventos sobrenaturais acontecendo progressivamente, do mesmo modo que vai mudando o estado de espírito do rapaz: da incredulidade ao horror. No que o diretor é feliz, demonstrando nos detalhes sua afinidade com o gênero e seus cânones, resultado provável de uma bagagem formada por horas passadas na frente da televisão e das salas de projeção. Além disso, fica evidente o seu amadurecimento no domínio do meio e das técnicas. Seja nos enquadramentos e composição de cenas, na iluminação que aproveita bem os contrastes e reforça a profundidade de campo dando a sensação de que existe algo sinistro à espreita, escolha da trilha, efeitos sonoros e edição.
Assista Extrema Unção agora:

Cinema de Bordas - Terceira Edição

2011-04-20T06:22:00.000-07:00

O Itaú Cultural apresenta a terceira edição da mostra Cinema de Bordas, que reúne filmes produzidos de forma independente, com baixo orçamento e alguns de estética "trash". São trabalhos que se concentram em narrativas de ficção e fazem proveito de histórias e imagens de outros produtos culturais, como filmes antigos, HQs e seriados. Também é característica dessas produções a adaptação do conteúdo segundo o modo de vida e o imaginário popular das comunidades envolvidas no processo criativo.
Com curadoria de Bernadette Lyra, Gelson Santana e Laura Cánepa, a seleção de filmes foi pautada em três momentos em que a produção foi descentralizada, permitindo a realização dessas obras: nos 1970, com o advento das câmeras VHS; durante os anos 1980, na época de ouro dos fanzines; e atualmente, com a popularização da internet, que permite maior contato entre os produtores e destes com o público interessado.
As exibições, que acontecem de 19 a 24 de abril, são seguidas de bate-papos com alguns realizadores.

Programação em:

http://www.itaucultural.org.br/index.cfm?cd_pagina=2841&cd_materia=1540

Assista agora:

Paixão dos Mortos - Coffin Souza:

A Noite dos Chupacabras - Rodrigo Aragão (trailler):

A Estranha - Joel Caetano (teaser):

Roquí, o Boxeador da Amazônia - Renato Dib (tailler):

O Feiticeiro (Necromancy/The Witching, 1972)

2011-03-28T18:51:00.000-07:00

No início dos anos 1970 vários produtores e diretores pegaram carona no sucesso de O Bebê de Rosemary (Rosemary’s Baby / 1968) se aproveitando do momento histórico em que bruxas e demônios estavam na ordem do dia sob os auspícios da tão propalada Era de Aquário.

Podemos afirmar que Satã estava na ordem do dia naqueles idos, tanto como arauto de uma nova ordem onde o homem se libertaria dos grilhões do conservadorismo e da caretice, quanto como deflagrador de atos de violência. A resposta do status quo não tardaria com O Exorcista (The Exorcist/1973). Filme que por sua vez iniciaria uma nova onda, com um caráter cristão mais exacerbado.

Antes de Linda Blair ensinar nas telas um uso pouco ortodoxo para o crucifixo, o diretor Bert I. Gordon, que tem no currículo desde clássicos da ficção científica barata dos anos 1950 como The Amazing Colossal Man (1957) e pérolas da fantasia como A Espada Mágica (The Magic Sword/ 1962), resolveu dar sua contribuição para o horror e faturar uma graninha com a onda do momento. O resultado: Necromancy (1972), uma narrativa de horror gótico que, apesar de ser centrada em elementos claramente inspirados no filme de Polanski, possui interessante premissa.

Conta a história da jovem Lori (Pamela Franklin, de Todas as Noites às Nove / Our Mother’s House /1967 e A Casa da Noite Eterna / The Legend of Hell House / 1973) que após aborto, muda-se para a sinistra cidade de Lilith. Lá conhece o empregador de seu marido Frank (Michael Ontkean), o enigmático Sr. Cato (o grande Orson Welles, 1915 - 1985), um satanista convicto que é dono da cidade e seus habitantes. Aos poucos, Lori vai conhecendo as peculiaridades locais: não existem crianças, os moradores estão proibidos de procriar e a religião oficial é a bruxaria. Logo Frank se alia aos feiticeiros, ficando Lori sozinha em meio às adversidades da comunidade, à qual não se integra.

Acaba descobrindo que não está ali por acaso, mas foi atraída através das forças sobrenaturais desencadeadas por Cato, para com seus poderes sobrenaturais latentes –sobretudo a necromancia que dá título ao filme - trazer o filho do bruxo de volta à vida.

Infelizmente para nós, espectadores, o que promete ser uma narrativa envolvente do old school gótico que permeou o cinema de horror das décadas de 1960 e 70, se perde no andamento truncado e lapsos que deixam muitas questões em aberto: por exemplo, quem é claramente a mulher que aparece nos sonhos de Lori alertando-a para o perigo. Ficam apenas suposições, assim como o final não convincente e alguns acontecimentos repentinos demais.

Talvez a explicação seja que Necromancy teria sofrido vários cortes e ganhado diversas versões (sendo inclusive conhecido como Rosemary’s Disciples). A que me chegou às mãos, em cópia muito ruim, é uma reedição de 1981 (intitulada The Witching) lançada em VHS por aqui pela saudosa Look Vídeo como O Feiticeiro, onde se notam claramente os cortes. Ao que parece, não se tem notícia da tal versão integral. Vale uma busca mais minuciosa na internet.

De qualquer forma, vale a pena assistir. Não só pela atmosfera que o baixo orçamento não prejudicou totalmente, mas pela a recriação meia-boca das cerimônias satânicas (que misturam elementos da Wicca e do Satanismo). Cenas que tiveram consultoria técnica do famoso bruxo e escritor Raymond Buckland, com muita nudez para apimentar – especialmente de Franklin – e algum sexo simulado.

A Reencarnação de Peter Proud (1975)

2011-03-10T12:23:00.000-08:00

De bode na quarta-feira de cinzas, escolhi na prateleira o DVD recém lançado pela Versátil do drama sobrenatural A Reencarnação de Peter Proud (The Reincarnation of Peter Proud /1975). Ao que tudo indica, a orientação espírita dessa empresa, ao lançar programas gravados sobre Chico Xavier e cia., também acaba colocando no mercado produções bastante singulares como o docudrama oportunista de Clery Cunha Joelma 23º Andar (1980) e esta pérola da década de 1970.

Estrelada pelo canadense Michael Sarrazin (conhecido pela sua interpretação do monstro em A Verdadeira História de Frankenstein /Frankenstein: The True Story, 1973), explora um tema intrigante e por sua vez em voga naquela época: a reencarnação. Vale ressaltar que o esoterismo, assim como sua abordagem mais “científica”, a parapsicologia, eram bastante populares nos anos setenta, reflexo da busca espiritual da geração paz-e-amor com seus iogues, bruxas e maharishis.

Dirigido pelo prolífico J. Lee Thompson a partir do romance de Max Ehrlich, A Reencarnação de Peter Proud conta a história do personagem título, um professor universitário atormentado por vívidos e recorrentes pesadelos. Em busca de uma solução, consulta médicos e parapsicólogos, concluindo que a origem de seus males está em outra vida. O ponto alto do filme, assim como da construção do suspense da trama, está na procura de Peter, que vai coletando evidências, conseguindo passo a passo descobrir não só sua identidade na encarnação passada (o mau caráter Jeff Curtis), como trazer à luz mistérios ocorridos quarenta anos antes em remota cidade da Nova Inglaterra. Localidade em que reencontra a esposa da vida pregressa e responsável por seu assassinato, Marcia, e a filha Ann, de quem se enamora. Respectivamente interpretadas por Margot Kidder e a lindíssima Jennifer O’Neill (a Dorothy de Summer of 42). Curiosidade: as duas tinham a mesma idade na época.

Ainda que datado em alguns aspectos – estéticos inclusive -, A Reencarnação de Peter Proud é um filme intrigante, de solidez narrativa e abordagem séria, que pode ainda suscitar algumas discussões. O DVD da Versátil apresenta imagem regular, aparentando qualidade VHS. Algumas discretas cenas de nudez das atrizes (Cornelia Sharpe, que faz a namorada de Peter, e Margot Kidder) e de sexo, com a representação de um violento estupro.

Como extras do disco encontramos alguns esclarecimentos acerca da reencarnação sob a ótica espírita, mas que só devem interessar aos adeptos da doutrina kardecista.

Freiras Nuas com Armas Grandes (2010)

2011-02-24T11:15:00.000-08:00

Se existe um santo padroeiro das coisas mal feitas, sem dúvida foi ele que me levou a, entre milhares de envelopinhos plásticos exibindo diversos exemplares pirateados da sétima arte, pinçar o desconhecido (para mim pelo menos) Freiras Nuas com Armas Grandes (Nude Nuns with Big Guns/2010). A capinha impressa em jato de tinta no fundo de algum quintal mostra uma jovem freira de perfil, pensativa, com uma pistola pendendo na cintura em meio aos rosários de contas e empunhando enorme metralhadora apontada para cima, apoiada na testa. A imagem me fisgou logo de cara, remetendo à iconografia religiosa, notadamente os famosos santinhos que circulam nas igrejas e são distribuídos por penitentes e professores de catecismo. Sua pose reflexiva, quase uma prece ancorada por potente arma, pede forças pra enfrentar algum sacrifício. Num impulso, juntei aos outros exemplares do “leve quatro por dez” e corri da banca do camelô (alguém duvida do sortimento dessa turma, de fazer inveja à Fnac?) louco para colocar no player o que poderia ser tanto um novo exemplar do nunsploitation quanto alguma pérola perdida da era de ouro do exploitation.

Confesso que não é uma coisa nem outra, mas bebe dessas fontes à exaustão. Freiras Nuas com Armas Grandes poderia ser um puta filme se não fosse tosco demais. O que de fato não o desmerece, apenas o coloca em seu devido lugar. Depois que engrena e entramos na construção narrativa do diretor Joseph Guzman, torna-se bastante divertido. Blasfemo, mostra a Igreja como uma organização criminosa que lucra com o tráfico e a prostituição. Tal organização possui uma hierarquia encabeçada por um cardeal, e logo abaixo os padres, que são os gerentes, que supervisionam o empacotamento da droga a cargo das freiras. Função que exercem despidas, certamente para não desviarem nem um grama do precioso pó branco e também por ser um filme de sexploitation, ora bolas!

Essa coca é vendida para Los Muertos, uma gang de motoqueiros sádicos e estupradores liderada pelo cruel Chavo (David Castro, uma mistura de Harry Reems com Charles Manson). O sumiço de um pacote da substância é o pretexto para a trama. Envolvida injustamente no roubo, a Irmã Sarah (a expressiva Asun Ortega) é aprisionada em um bordel, onde sob efeito constante de drogas era oferecida aos clientes. Espancada quase até a morte por um padre tarado que pagou pelos seus serviços, é salva por um curandeiro, tendo uma revelação do Altíssimo: tornar-se um arauto da vingança, um braço armado destinado a varrer da face da Terra os pecadores e malfeitores. Claro que seu alvo principal são os causadores de sua ruína: o clero e a gang de Chavo. Auxiliada por sua amante, Irmã Angelina (Aycil Yeltan), e com um arsenal invejável, Irmã Sarah parte para o ataque.

A produção tenta emular a estética de filmes como Kill Bill (2003/2004) e Prova de Morte (Death Proof/2007), inspirados nas produções B dos anos 70. Tarantino de segunda mão, Guzman se aproxima de um western moderno, com um visual sujo e ambientação rural. Para sua composição, ele não só faz uso de cenografia, trilha sonora e efeitos visuais (como legendas com os nomes dos personagens) coerentes com essa abordagem, como atira para todos os lados ao colocar em Freiras Nuas com Armas Grandes boa parte do vasto repertório de temas freqüentes do exploitation: freiras, motoqueiros selvagens, puteiros de fim de mundo com go-go dancers, violência explícita, muita mulher pelada e alguma sacanagem – inclusive sexo entre mulheres.

Destaco a cena em que Irmã Sarah, de hábito branco, se paramenta com seu arsenal e parte para o confronto final. Para assistir rezando.

"Video Nasties" de A a Z

2011-02-08T08:55:00.000-08:00

Na falta de tempo para preparar um texto para nova postagem nessa semana, mas de modo a não deixar o blog parado, segue um vídeo do You Tube com uma seleção de de filmes considerados ofensivos por seu conteúdo sexual ou de violência explícita. Produções que chegaram a ser proibidos em alguns países, notadamente a Inglaterra. Vale como dica para garimpo. Muitos deles já circulam por aqui há anos nos circulos de aficionados, seja em cópias alternativas ou versões VHS lançadas oficialmente por selos de caráter duvidos... Divirtam-se.

Grave of the Vampire (1974): um vampiro das antigas!

2011-01-23T09:43:00.000-08:00

Grave of the Vampire (1974) é uma pequena pérola dentre a vasta produção de filmes sobrre vampiros realizados nos Estados Unidos na década de 1970. Pouco lembrado e raramente exibido, apresenta situações interessantes que o distinguem numa época em que os vampiros ainda seguiam o tradicional paradigma do Drácula. Sendo assim, está mais próximo em ousadia de Blácula, o Vampiro Negro (Blacula, 1972) do que dos também contemporâneos Conde Yorga (Count Yorga, Vampire/ 1970) ou o Janos Skorzeny do telefilme The Night Stalker (1972).

Dirigido por John Hayes, especialista em filmes B e exploitation que também foi co-autor do roteiro, compensa com criatividade o baixo orçamento da produção. A trama tem longa introdução anos 40 com o ataque, por um ser das trevas (o eficiente e eterno coadjuvante Michael Pataki), de um improvável casal que está em idílio romântico no cemitério. Após ser despertado em seu caixão e matar o rapaz, o vampiro arrasta a jovem Leslie para uma cova recém aberta e a estupra. Identificado pela polícia como Caleb Croft, um assassino e estuprador morto anos antes em Boston, elimina o detetive que o perseguia. Nove meses depois, Leslie dá à luz em dramática seqüência a um pequeno monstro, um híbrido humano-vampiro, que alimenta com o próprio sangue. Esforço que, com o passar do tempo, esgota suas forças, causando-lhe a morte. O filho, James Eastman (outro astro de filmes baratos, William Smith) passa a ter como objetivo, enquanto luta contra a sede de sangue comendo carne crua, caçar e livrar o mundo do monstro que o gerou. Um dos precursores da figura agora tão comum do “vampiro relutante”.

Fica clara a semelhança com outro famoso vampiro criado pouco antes da realização do filme pelos talentosos Marv Wolfman e Gene Colan para a Marvel Comics: o personagem Blade, lançado na revista em quadrinhos Tomb of Drácula 13 (outubro de 1973). Também híbrido graças ao ataque de uma criatura da noite à sua mãe durante a gestação e, por sua vez, inimigo mortal da espécie.

O reencontro entre pai e filho se dá em tempos atuais (no caso a década de 70), quando Eastman se matricula em um curso de ocultismo – modismo naqueles tempos - ministrado pelo sinistro Adrian Lockwood. A partir daí, repetem-se os clichês habituais de ambiência gótica (como sessões espíritas, possessões), trazendo ecos de outra produção famosa no período: a novela Dark Shadows (1966-1971). Entram na narrativa as amigas Anne Arthur e Anita Jacoby (Lyn Peters e Diane Holden respectivamente, atrizes egressas das séries de televisão). A primeira objeto de desejo do monstro graças à semelhança com sua falecida esposa Sarah, e interesse romântico do mocinho Eastman; a outra uma mística interessada em virar vampira. Anita descobre a verdade sobre Lockwood em um velho livro de ciências ocultas e seu passado não só como o estuprador Caleb Croft, mas como a antigo vampiro Charles Croydon. O que vai desencadear os acontecimentos que levarão ao inevitável desfecho trágico, com o embate final entre duas gerações de vampiros.

Grave of the Vampire, ainda que conte com um roteiro meio apressado e pontuado por incoerências, merece ser conferido, inclusive pela estética tão característica da década de sua produção, tanto nos elementos cenográficos, figurinos e trilha sonora groovy; quanto nos enquadramentos e utilização do zoom. Curiosidade: o ator Michael Pataki interpretou o rei dos vampiros no cultuado Zoltan, o Cão Vampiro de Drácula (Dracula’s Dog / 1978).

Banquete da Morte (Feast / 1992)

2011-01-17T13:34:00.000-08:00

Existem obras cinematográficas que se enquadram perfeitamente na controversa categora dos “melhores dos piores”. Produções que indico somente aos iniciados naquela classe de filmes Z, assim denominados por Michael Weldon, autor das consagradas enciclopédias de filmes “psicotrônicos”, por seu caráter de total inépcia e pobreza na realização. Fatores compensados por recursos apelativos – geralmente envolvendo sexo e violência – que acabam muitas vezes tornando essa tosca filmografia de difícil distribuição e veiculação. E fazendo com que algumas dessas pérolas da criatividade e picaretagem conquistem um número de aficionados que os elevam à categoria de cult. Dentre essas produções, que não recomendo para serem assistidas a dois num encontro regado a pipoca (a não ser que seu interesse romântico também seja afeito a essas coisas estranhas) com o risco de um fenomenal pé-na-bunda, está esse independente Banquete da Morte (Feast/1992).

Dirigido pelo expert em armamentos e efeitos especiais Mike Tristano, que fez carreira prestando serviços para diversos diretores de filmes B e posteriormente se tornou realizador, Banquete da Morte trata com bastante humor de um tema pouco palatável e por isso mesmo recorrente em filmes de horror e exploitation: o canibalismo. Trazendo à memória a forma e conteúdo da “trilogia de sangue” de Herschell Gordon Lewis, sem o mesmo brilhantismo. É protagonizado pela veterana e polêmica pornstar Sharon Mitchell (desde os anos 1970 na indústria x-rated) como Brenda Whitlock, psiquiatra fascinada pelas bizarras fixações de um paciente (Chuck Gavoian). Um serial killer que em parceria com outro tarado (Neil Delama – ator frequente nas produções de Tristano), espalha o terror em Los Angeles. Eles se fingem de produtores e atraem jovens aspirantes a atrizes, que matam e degustam com requintes. Os crimes atraem a atenção da polícia, sendo solicitada a ajuda do antropólogo perito em rituais bizarros Peter Harris. O acadêmico acaba colocando mais lenha na fogueira, alimentando com relatos de canibalismo as fantasias da namorada psiquiatra, cada vez mais obcecada e excitada sexualmente pelas atividades dos assassinos.

Ainda que patente em sua pobreza, Banquete de Morte pode surpreender por apresentar diálogos e uma atuação um pouco acima da média para esse tipo de produção, além de efeitos e maquiagem convincentes nas cenas de sangue-e-tripas. Certamente devido à supervisão da equipe responsável pelo próprio Tristano, que sempre teve como uma de suas metas a confecção de efeitos de qualidade para filmes de baixo orçamento.

Como não poderia deixar de ser, apela para o sexo softcore e explora a nudez das atrizes, não só da sra. Mitchell (ainda dando um caldo aos 36 anos), como de outras pinçadas dos filmes pornô: as também veteranas Veronica Hart e Kelly Nichols. Participações especiais de William Smith, figurinha fácil nos filmes e séries de tv das décadas de 70 e 80, como um detetive; e do notório Ron Jeremy numa ponta.

Banquete da Morte foi lançado aqui em VHS, em meados dos anos 90 por uma tal de Crystal. Viva a falta de critério das velhas e boas distribuidoras de fitas VHS. Saudades!!!

Petter Baiestorf: O Doce Avanço da Faca (2010)

2011-01-08T09:57:00.001-08:00

Terminada a ressaca da passagem de ano, nada melhor para começar 2011 do que a nova produção da Canibal O Doce Avanço da Faca, do veterano Petter Baiestorf. Realizador catarinense que venho acompanhando com dedicado interesse desde os anos 1990, sendo sua trajetória – que ousei esmiuçar em capítulo do livro Cinema de Bordas 2 - referência para a geração seguinte de cineastas independentes.

Petter, ainda que continue transitando voluntariamente nas trincheiras do que denominou Kanibaru Cinema, conquistou não só corações e mentes nos circuitos alternativos direcionados às produções underground, mas também reconhecimento em outros segmentos da cinefilia. Mesmo que seu Manifesto Canibal, escrito em parceria com o parceiro de longa data César “Coffin”Souza (RJ: Achiamé, 2004) hoje pareça datado – afinal, nota-se no trabalho do realizador uma evolução e amadurecimento que supera alguns preceitos daquele período -, percebe-se que a essência de sua singular filosofia anárquica e escatológica permanece inalterada. Sendo assim, encontramos um padrão temático e ideológico que atravessa a produção de Petter Baiestorf desde suas experiências iniciais, passando pela fase trash-hardcore que vingou até inicio do novo milênio, e chega à atual etapa, na qual se vêem em termos técnicos e narrativos os resultados de longa prática e aprendizado. Essa assinatura, reconhecível – certamente não vou me deter em discussões bizantinas sobre “cinema de autor” -, não só faz com que o trabalho do cineasta tenha uma identidade própria, mas fornece substrato para que seja inserido na senda do Cinema de Transgressão, sobre o qual discorreu Jack Hunter no seminal Deathripping – The Cinema of Transgression (Creation Books, 1999). Talvez possa inclusive especular se não seria Petter hoje em dia o mais emblemático representante dessa pouco conhecida vertente em terras brasileiras.

O Doce Avanço da Faca (2010), curta metragem gore feminista (de acordo com o próprio realizador), segue a fórmula utilizada nas produções mais recentes da Canibal, principalmente Arrobada – Vou Mijar na Porra do seu Túmulo!!! (2007) e Vadias do Sexo Sangrento (2008), onde a apropriação do universo do cinema (s)exploitation dos anos 1970 e 1980 é a tônica dominante.

O filme conta a trágica história de um desenhista de histórias em quadrinhos pornôs (o sempre divertido Coffin Souza) e sua musa Ana Clara (a novada e tesudíssima Gisele Ferran), aspirante a poetisa com invejável apetite sexual. Casal que, ao fixar moradia em atrasada localidade no interior, desperta a fúria de um grupo de fanáticos religiosos.

Partindo dessa premissa, Petter Baiestorf – que também assina a produção e o roteiro – destila seu veneno com bastante ironia e humor negro contra desafetos habituais: a intolerância e maniqueísmo religioso e o atraso cultural interiorano (retratados em outro contexto no anterior e genial Ninguém Deve Morrer/2009). Criando situações que desencadeiam atos de violência extrema protagonizados pelos religiosos e pela vingadora Ana Clara (que passa a denominar-se Fúria) e servem para a exploração do sangue-e-tripas explícito, com facadas, desmembramentos, corpos explodindo e banhos de sangue.

A escolha de uma protagonista feminina, devo ressaltar, não é gratuita. Como chamou a atenção Bev Zalcock em Renegade Sisters (Creation Books, 1998), nos filmes exploitation é tradicional a inclusão de personagens femininos fortes e atuantes. Acabam se tornando, conforme o escritor, a norma, ao invés da exceção (ao contrário das produções tradicionais) e devido à sua força motriz derivar da sexualidade, elas são quentes, valentes e extremamente perigosas. Como se torna a personagem principal de A Vingança de Jennifer (I Spit on Your Grave, 1978), a One Eye de Thriller: a Cruel Picture (1974), ou mesmo a Noiva de Kill Bill (2003). Papel que é defendido com bastante honestidade por Gisele Ferran, que também mostra desenvoltura nas ousadas cenas de sexo e tem seus detalhes anatômicos enquadrados de forma generosa pela câmera.

Sem me deter muito na narrativa em si para não estragar o divertimento, atenção para a seqüência em que Ana Clara recita uma poesia, enquanto são apresentados na tela os quadrinhos de sacanagem de seu companheiro, na verdade desenhados por Leyla Buk (ver link abaixo). E para o curioso cadáver descarnado crucificado em segundo plano, quando os fanáticos religiosos estão reunidos na floresta.

O Doce Avanço da Faca conta, no elenco, com atores recorrentes da Canibal: o impagável Jorge Timm, Élio Copini, Minuano e Airton Bratz.

Não perca!

Melhor frase do filme, proferida pelo pastor (Timm): “Deus não gosta de putinha!”

Notas sobre a produção:

http://canibuk.wordpress.com/2010/10/14/o-doce-avanco-da-faca/

Desenhos:

http://canibuk.wordpress.com/2010/10/29/desenhos-eroticos-da-buk-no-doce-avanco-da-faca/

Última postagem do ano: Maria Erótica, livro de Gonçalo Junior

2010-12-20T12:30:00.000-08:00

Terminando o ano, lamentando a irregularidade das postagens entre os meses de outubro e dezembro devido a sobrecarga de trabalho, resolvi não abordar nenhum filme. Isso porque estive mergulhado nos últimos dias em um livro que não só atraiu totalmente minha atenção como despertou lembranças de um período do qual me recordo muito bem: Maria Erótica e o Clamor do Sexo: Imprensa, Pornografia, Comunismo e Censura na Ditadura Militar 1964/1985 (SP: Editoractiva, 2010), de Gonçalo Junior.
Aficionado e colecionador de revistas em quadrinhos, tenho especial afeto pelas hqs de terror que comprava na infância e adolescência, ainda que proibidas para menores na época por suas cenas de violência e nudez. Leitor assíduo dos títulos da Edrel e da Taíka (e depois a paranaense Grafipar), principalmente, tive contato com o trabalho de artistas como Nico Rosso, Rodolfo Zalla, Eugenio Colonnese; além das estrelas do livro de Gonçalo Junior: Minami Keizi, Claudio Seto, Pulo I. Fukue e Fernando Ikoma. Através das trajetórias marcadas por muito trabalho, dedicação e desilusões desses que foram responsáveis por uma revolução no quadrinho nacional, o autor desvela em rigorosa e inédita pesquisa o estabelecimento da Censura pela Ditadura Militar e seus desdobramentos. Notadamente no que diz respeito a aspectos de cunho sexual, com destaque para as publicações de bancas - quadrinhos e revistas masculinas - mas também dando pinceladas , para contextualizar, em outros setores da cultura. Lembrando que para a turma da vigilância, a sacanagem era uma artimanha de Moscou para desestabilizar a Revolução e os valores defendidos pela moral e os bons costumes.
Dividido em 16 capítulos, a extensa obra (são quase 500 páginas) de narrativa fluida e quase impossível parar de ler, é uma viagem no tempo, obrigatória não apenas para aqueles que vivenciaram o período e se deleitavam com as "garotas de papel" que em fotos e desenhos tentavam burlar os censores com um peitinho aqui e uma bundinha ali; mas também para quem quiser saber mais, em tempos de pornografia explícita ao alcance de todos, sobre uma época onde uma minoria encoberta pelas sombras do autoritarismo decidia com critérios duvidosos o que os brasileiros podiam ver, ler e ouvir. o Livro Maria Erótica (nome de personagem criada por Seto para a Edrel), através do resgate dessa tortuosa aventura protagonizada por editores e artistas, é também um libelo contra a censura. Um ótimo presente de Natal!!!
Até janeiro e Boas Festas!!!!

Vídeo no Youtube sobre o livro:

http://www.youtube.com/watch?v=1XWOZlEzZWw

Notas sobre o exploitation italiano: Nunsploitation

2010-12-06T08:50:00.000-08:00

O que mais me chama atenção em relação ao exploitation italiano é a forma como suas produções, cuja forma foi “tomada emprestada” e re-adaptada, ganharam uma cor local, revestidas pelo contexto sócio-cultural, apresentando características bastante singulares. Durante as décadas de 60 e 70, até meados dos anos 80, proliferaram inúmeros filmes decalcados dos mais variados gêneros, como horror, ficção científica, espionagem ao estilo James Bond e comédias eróticas. Muitas vezes, os produtores italianos se aproveitavam da expectativa em torno do lançamento de um algum filme pelos estúdios de Hollywood, ou mesmo do sucesso deste em bilheteria, e colocavam no mercado vários títulos feitos às pressas com temática semelhante com o óbvio intuito de receber uma fatia dos lucros. Isso ficou mais evidente durante a década de 70, quando o formato da indústria italiana começou a se modificar, enfrentando o afastamento do público das salas e a concorrência da tv. Um bom exemplo são as produções em que a temática é a possessão demoníaca ou diabolismo, em voga na época desde o impacto de O Bebê de Rosemary (Rosemary’s Baby/1968) e O Exorcista (The Exorcist/1973). Como O Anticristo (Anticristo,1974), de Alberto De Martino (que já foi tema de postagem). Uma das melhores apropriações das idéias principais contidas nos filmes de Polanski e Friedkin, com o significativo acréscimo de referências ao universo religioso e ao passado marcado pela inquisição e superstições medievais. Elementos que compõem o imaginário católico romano, bastante distintos da versão anglo-saxônica dos fenômenos religiosos-sobrenaturais prevalecente nos filmes norte americanos e ingleses. Dentro dessa perspectiva, posso dizer que foi na Itália onde melhor floresceu uma vertente do cinema exploitation bastante próixima da linha women-in-prison: o nunsploitation (ou nunxploitation, como também é chamado) Subgênero sustentado por uma visão nada ortodoxa do cotidiano das ordens religiosas femininas, em que os desejos reprimidos e a tensão sexual presente fornecem o pretexto para a oportunista exibição de cenas de nudez, lesbianismo, sadomasoquismo e, freqüentemente, satanismo. Essas produções, em geral, tratam de uma jovem noviça que foi encarcerada num convento e lá é submetida a abusos sexuais e torturas, em geral conduzidas pela Madre Superiora perversa. São representativos dessa vertente filmes como A Monja de Monza (La Monaca di Monza, 1968), de Eritando Visconti; Flavia, a Herética (Flavia, La Monaca Musulmana, 1974), de Gianfranco Mingozzi, este último incluindo cenas bastante explícitas de sexo e violência, com orgias de freiras, estupros e o esfolamento em vida da pobre Flávia (a brasileira Florinda Bolkan). Também os sugestivos Le Scomunicate di S. Valentino (1974), de Sergio Grieco; Por Trás dos Muros do Convento (Interno di um Convento, 1977), de Walerian Borowczyc; A Freira Assassina (Suor Omicidi, 1978), de Guilio Berruti, em que a personagem-título, Irmã Gertrude (interpretada por Anita Ekberg) é a Madre Superiora de um sanatório, cujas transgressões vão desde uso de drogas - a irmã é viciada em morfina – até assassinato; e Monjas Pecadoras (La Monaca Del Peccato, 1986), de Aristide Massaccesi (mais conhecido como Joe D’Amato, devotado diretor de filmes de sexo explícito italianos).

O cinema satânico de Kenneth Anger - Pt. 2

2010-11-15T09:16:00.000-08:00

Anger, como praticante de alto nível das ciências ocultas, buscava induzir no espectador um estado hipnótico, que o deixaria mais receptivo aos signos e símbolos ocultos. Podemos considerar Invocation of my Demon Brother a obra da qual ele mais se aproximou desse objetivo. Em sua natureza fragmentada encontramos o carro chefe da força da montagem de Anger em propiciar, como ele mesmo disse, um “ataque aos sentidos”. O que se deve, em parte, à rápida e confusa montagem de imagens desconcertantes, exibidas o mínimo suficiente para que delas se possa tirar algum significado; associadas a um repetitivo e inóspito som da trilha. O que confere um sentido de caos, a perda de um centro de referência e um peso que cai sobre o espectador, entorpecendo os seus sentidos e deixando-o propício à manifestação oculta. Aqui, uma conjuração mágica mais agressiva é posta em prática e à medida que o ritual se desenvolve, progride a abstração e a anamorfose. A imagem se deforma e se multiplica, em efeito caleidoscópio.
Seu filme seguinte pode ser considerado, ao contrário de Invocation of my Demon Brother, seu trabalho mais acessível. Lucifer Rising (filme que passou por várias dificuldades e levou mais de uma década para ser finalizado) foi realizado com o intuito de operar como um encantamento, invocando sentimentos de ansiedade e trauma na audiência através de uma espécie de livre exercício em imagens oníricas envolvendo tabus. A montagem de símbolos herméticos se apresenta primeiro como em um sonho, em seguida ameaçadora; séculos de pensamento místico são destilados em uma série de fantasias voyeuristicas, um psicodrama perverso. Anger pretendia que Lucifer Rising permanecesse como uma forma de ritual que marcasse a morte das velhas religiões – como o judaísmo e o cristianismo – e a ascensão de uma era mais niilista - a Era de Hórus/Lúcifer. A velha ordem se consumindo e dando lugar à nova ordem que nascia.
Lucifer Rising é um retorno às antigas mitologias, uma celebração, e a invocação do poder da Magia para provocar a manifestação das forças naturais, cujas imagens predominam, em meio a ruínas milenares e a visão de deuses reanimados - Ísis e Osíris, respectivamente Myriam Gibril (linda) e Donald Cammel (diretor de O Maníaco do Olho Branco/White of the Eye/1987, entre outros). Lucifer Rising pode ser considerado o último filme realizado por Anger, que deixou em aberto planos para filmar outro dos rituais de Crowley, uma missa gnóstica. Curiosidades: a cantora Marianne Faithfull interpreta Lilith e Bobby Beausoleil, autor da poderosa trilha sonora e ex-membro da "família" Manson. Foi sentenciado a prisão perpétua pelo assassinato do músico Gary Hinman e desde 1969 vê o sol nascer quadrado.
Atualmente com 83 anos Kenneth Anger vem se dedicando a revisões de seus filmes, re-trabalhando detalhes, remontando, adicionando material extra, como novas trilhas sonoras. Suas produções ganharam com o tempo seguidores, tornando-se em alguns casos objetos de culto. O mais importante: suas técnicas bem apuradas e imagens poderosas vêm influenciando toda uma nova geração de cineastas do chamado cinema independente, como Nick Zedd, Richard Kern, Tommy Turner e Tessa Hughes Freeland.

Sobre Anger recomendo o livro Moonchild: the films of Kenneth Anger, editado por Jack Hunter (London: Creation Books, 2001), utilizado como base e fonte principal para o artigo original (referências e citações no texto original, editados para a postagem).

O cinema satânico de Kenneth Anger - Pt. 1

2010-11-03T11:51:00.000-07:00

Aproveitando o lançamento pela Magnum Opus do DVD Enigmático: Cinema Experimental Volume 3, dedicado ao cineasta underground norte-americano Kenneth Anger, tirei da gaveta uma comunicação apresentada na Unicamp e na Socine anos atrás. Devidamente resumida e editada para esta postagem. O artigo completo se encontra nos anais do V Encontro de Pesquisas em Artes e Multimeios.

Mais do que qualquer outro cineasta de sua geração, Kenneth Anger é reconhecido pelo público como realizador de filmes underground e expoente do cinema experimental. Acredito que isso se deve, em parte, à sua personalidade controversa e ao fato de ser um assumido adepto das artes mágicas que encontrou no cinema o meio e o instrumental cerimonial adequado para seus conjuros e feitiços. Nascido na Califórnia em 1927, sua iniciação no cinema se deu ainda criança, quando atuou em uma versão de Sonho de uma Noite de Verão (1935), dirigida por Max Reinhardt e William Dieterle. Durante a juventude, manifestou interesse por ocultismo, tomando conhecimento do trabalho do ocultista inglês Aleister Crowley. Ele se declara abertamente discípulo de Crowley sendo inclusive afiliado à A.: A.: (Argenteum Astrum), ordem criada em 1907 por seu mentor. Fica claro que quando Anger começou a fazer seus filmes, ainda nos anos 40, ele já planejava com o seu trabalho enfeitiçar a audiência por meio de uma criativa síntese de todos os aspectos que envolvem o processo da produção – filmagem, iluminação, cenografia, figurinos, atuação, montagem, revelação e projeção. A sua intenção por trás de filmes como Inauguration of the Pleasure Dome (1954) era expandir a experiência cinemática a novos níveis de percepção, não atingidos durante a vida cotidiana. A natureza esotérica de seus filmes foi projetada para auxiliar a audiência a alcançar um estado alterado da mente. Inauguration of the Pleasure Dome têm sua origem em um baile de máscaras. Anger prestou atenção ao evento e viu que poderia moldar uma reunião semelhante na forma de uma assembléia de magos fantasiados de figuras da mitologia, no que se inspirava em um dos rituais dramáticos de Aleister Crowley, onde membros do culto assumiam a identidade de um deus ou de uma deusa O filme resultante apresenta dois pontos que merecem destaque. Primeiramente, o caráter bastante pessoal impresso por Anger na escolha das figuras mitológicas que comporiam seu panteão, como por exemplo a Grande Besta (Crowley) e sua Mulher Escarlate; Astarte e Pan; e o sonâmbulo Cesare, de O Gabinete do Dr. Caligari, de Robert Wiene (1922). Em segundo lugar, e talvez até mais importante, o fato de que com esse filme, o trabalho de Anger assume a forma de rituais religiosos. Inauguration of the Pleasure Dome mistura o sagrado e o profano, em uma decadente eucaristia. Ele não utiliza um ritual específico, que seria entoado em palavras. Ao contrário, centraliza suas forças no esplendor visual e na trilha sonora. Ele quer que o espectador esteja preso ao uso progressivo da cor e de uma fantasia que se torna completamente subjetiva.

Em trabalhos posteriores, como Invocation of my Demon Brother (1969) e Lucifer Rising (1970-81) – ambos presentes no DVD da Magnum Opus -, Anger experimentou várias formas de montagem, projeção, sobreposição de imagens e outras formas de experimentações visuais em seu intento de concretizar de forma mais plena a magia esotérica do processo cinematográfico. Para ele, a exibição de seus filmes é um sério e potencialmente perigoso ritual alquímico; uma técnica e hipnótica forma de projeção astral.

Continua na próxima postagem, dia 13/11... Quem estiver em Juiz de Fora (MG) na próxima semana (de 9 a 11) , um programa imperdível é o Bordas Fora 2 - Cinema de Bordas em Juiz de Fora. Está programada uma mostra de filmes de realizadores independentes de várias localidades do Brasil, assim como debates e palestras. As sessões acontecerão no Museu de Arte Murilo Mendes (abertura, dia 9 às 20 hs.) e no Instituto de Artes e Design (IAD) da UFJF (dias 10 e 11, respectivamente às 19 hs. e 17 hs.).

Convicts Women / Bust Out (1970)

2010-10-18T08:42:00.000-07:00

Harry H. Novak, legendário produtor e distribuidor de filmes exploitation foi responsável por levar às telas, através de sua Boxoffice International Pictures uma significativa leva de títulos. Muitos dos quais se tornaram relevantes para o estabelecimento de um gênero e suas diversas ramificações. Assim como aconteceu com seus colegas David Friedman e Russ Meyer, o período áureo da Boxoffice International foram as décadas de 1960 e 1970, quando estimulados pelos novos ventos libertários, forçavam os limites do que era permitido mostrar antes da liberação da pornografia que ocorreria em 1972 com Garganta Profunda (Deep Throat). Dentre a vasta produção da companhia, que encerraria suas atividades no final da década de 1970 para dar lugar à Valiant International, destinada a filmes de sexo explícito, selecionei este Convicts Women (também conhecido como Bust Out). Título que agrega os principais elementos do sexploitation com notável presença de nudez (inclusive frontal) e sexo simulado. Convicts Women foi dirigido por John Hayes, especializado no gênero, e conta a história de um casal de meia idade (Myron Griffin e a bem fornida Candy Samples) e suas alunas de uma escola católica. O líder do grupo, Brown, tem como objetivo um aprazível piquenique no campo, onde discutiriam questões teológicas e comportamentais. Mas as garotas, ao que tudo indica, estão com outras idéias, começando pela astuciosa Darlene (René Bond, figurinha fácil nas produções hardcore do início dos anos 70), que dá uma escapulida para transar com o namorado (Steven Sommers). Para complicar, dois prisioneiros foragidos (Ralph Wain e Ric Lutze - que formaria uma duradoura parceria com René Bond dentro e fora das telas) aparecem se passando por geólogos e são recebidos por Brown, integrando-se ao pequeno grupo. Após forçarem as garotas ao sexo, os bandidos tornam todos reféns e os levam para uma cidade fantasma. São perseguidos pelo namorado de Darlene, que os confronta e elimina a tiros de espingarda.
Convicts Women, apesar de sua produção paupérrima e interpretações canhestras - principalmente do histriônico Myron Griffin - cumpre o que promete: belas mulheres sem roupa e muitas seqüências de sexo beirando o explícito (algumas tão convincentes que ficamos em dúvida). Alfineta a moral cristã em uma épca de embates entre caretas e desbundados evidenciando o caráter lúbrico do santarrão Brown e a vontade de dar das meninas, que logo se entregam às várias formas de jogos sexuais promovidos pelos bandidos. Destaque para a esperada e sempre bemvinda nudez de Candy Samples, com seus gigantescos atributos.
Lançado em vídeo nos Estados Unidos pela Something Weird.

XIV Encontro Socine

2010-10-03T15:33:00.000-07:00

O XIV Encontro Anual da Sociedade Brasileira de Estudos de Cinema e Audiovisual (SOCINE) acontecerá entre 5 e 9 de outubro de 2010, na Universidade Federal de Pernambuco em Recife.

A programação completa já está disponível em www.14socine.com.br.

Mais informações sobre a SOCINE podem ser conseguidas em www.socine.org.br.

Nas bordas do cinema argentino

2010-09-27T11:29:00.000-07:00

Aproveitanda minha última viagem à capital portenha na semana passada (o que justifica a ausência de postagem), tentei unir o útil ao agradável, buscando aprofundar um pouco mais meu conhecimento do universo cinematográfico argentino voltado ao horror e exploitation. Ou seja, buscando algo além do "cine de terror" de Emilio Vieyra (Extraña invasiion/1965; Sangre de Virgenes/1967) e Enrique Carreras (Obras Maestras del Terror/1960), dos peitos de Isabel Sarli ou de women in prison como Atrapadas (1984), de Anibal Di Salvo. Produção ao que tudo indica escassa, apesar de ainda não ter me debruçado com maior profundidade sobre o assunto. Principalmente face a falta de material bibliográfico ou mesmo disponibilidade de títulos em DVD. Foram longas andanças percorrendo as livrarias e sebos de Buenos Aires, que são inúmeros (principalmente na calle Corrientes) - especialmente as das redes El Ateneo (que também vendem CDs e DVDs) e Musimundo (grande acervo de música e filmes).
A grande recompensa dessa peregrinação foi descobrir que no cinema argentino, se renovando desde 1995 (o chamado Nuevo Cine) com obras de teor dramático e político, vem surgindo aos poucos obras voltadas para o horror e o suspense como Visitante de Invierno (2007), com co-produção espanhola; o thriller de horror Aparecidos (2007); e a comédia sobrenatural Fantasma de Buenos Aires (2008). Fora isso, o que realmente deu alento foi saber que, como no Brasil, é pela iniciativa de jovens independentes que títulos de contexto horrorífico e bizarro vão se proliferando. Distribuídos no circuito alternativo (lojas especializadas em vídeos e internet), apresentam as mesmas características de nossos filmes de bordas (denominação que remete à professora e pesquisadora Bernadette Lyra - para se inteirar melhor, leia os livros de nosso grupo de pesquisa clicando nas capinhas ao lado).
Produção que remonta a 1997, com o filme de zumbis Plaga Zombie (de Pablo Parés e Hernán Sáez (que ganhou continuação em 2001 - Plaga Zombie: Zona Mutante). Confirmando os zumbis como queridinhos da turma do horror alternativa. Seguindo essa tendência, foram rodados Mi Suegra és un Zombie (2001), Contagio (2005), Rigor Mortis (2006) e Un Cazador de Zombies (2008). Mas não versam somente sobre zumbis essa vertente da cinematografia argentina. Os vampiros dão as caras em Eklipsa Dana Vampir (2007); maldições e bruxarias em El Marfil (2004), baseado em A Pata do Macaco de W.W. Jacobs; o bizarro em Recortadas (2009) e Sed - Enemigo del Aire (2004); e a violência explícita em Sadomaster (2005), Habitaciones para Turistas (2004), No Moriré Sola (2008) - considerado o I Spit in your Grave/A Vingança de Jennifer argentino - e 36 Pasos (2006).

Essa amostragem é incompleta. Apeanas uma primeira aproximação de assunto ao qual pretendo dedicar mais atenção e espaço. Aceito sugestões e colaborações, com indicações de novos títulos e dicas de como adquiri-los ou baixá-los.

Na foto acima detalhe da fachada do Cine Monumental, cinema na calle Lavalle, uma das principais artérias do centro de Buenos Aires, que cruza a famosa calle Florida, reduto da turistada brasileira.

Caçadas Eróticas (1984)

2010-09-11T13:04:00.000-07:00

Na primeira metade da década de 1980, a DaCar, bem sucedida produtora cinematográfica do galã David Cardoso enveredava na produção de filmes em episódios. Empolgado com a vitoriosa bilheteria de A Noite das Taras (1980), composto por três dramas eróticos com cenas de sexo quase explícitas, a empresa investiu em mais quatro títulos seguindo essa linha: Aqui, Tarados! (1980), Pornô (1981), A Noite das Taras 2 (1982) e Caçadas Eróticas (1984). Todos seguindo a mesma abordagem: ousadas narrativas sustentadas pelos afiados diálogos do argumentista e também diretor Ody Fraga, eficiência técnica, mulheres bonitas (Matilde Mastrangi, Alvamar Taddei, Sônia Garcia, Zaira Bueno, Zélia Diniz, Patrícia Scalvi) e muita nudez e sacanagem. Filmes que revi para comunicação a ser apresentada no próximo encontro da Socine, que ocorrerá no próximo mês em Recife.

Caçadas Eróticas, alardeado como o primeiro filme de sexo explícito de David Cardoso, é o último e o menos inspirado da série. Não só porque já evidenciava o cansaço da fórmula, mas também porque prenunciava o canto do cisne da empresa que logo após tentaria capitalizar em cima do hardcore e fecharia as portas em 1987. Também é o menos badalado, justificativa para essa postagem.

Contudo, ainda traz a maestria de Ody como roteirista e as características principais do cinema produzido pela Dacar em três episódios irregulares. Chama a atenção que Caçadas Eróticas foge do padrão das produções anteriores por não apresentar nenhuma história de fundo dramático, com pano de fundo policial ou sobrenatural, dando preferência somente à comédia erótica. Afinal, um dos grandes diferenciais dessa linha de filmes era dosar episódios mais leves, mais próximos ao que se convencionou chamar de pornochanchada, com tramas construídas sobre elementos narrativos mais pesados. Por exemplo, o sangrento O Pasteleiro de Aqui Tarados!, ou o violinista psicopata de Solo de Violino, presente em A Noite das Taras 2.

Caçadas Eróticas abre com A Espiã Portuguesa, episódio cômico na mesma linha de A Guerra da Malvina (de A Noite das Taras 2) e O Prazer da Virtude (de Pornô), repetindo a parceria entre David Cardoso e a voluptuosa e sempre linda Matilde Mastrangi. Dirigido pelo próprio ator, conta a história de um empresário que, durante estadia em Portugal, passa a ser perseguido por bandidos e encontra misteriosa mulher com quem se envolve. Na verdade, uma vigarista que acaba lhe passando a perna. A Espiã Portuguesa brinca com a imagem do ator, ao mesmo tempo que serve de veículo para exibir seus dotes físicos. Longas seqüências de sexo simulado que valem, como de costume, para nos deliciarmos com as formas de Matilde Mastragi – notadamente o derrière famoso.

A segunda história, sem título, é a melhor do filme. Dirigida por Cláudio Portiolli é a mais divertida da série no quesito sacanagem, sendo superada somente por A Tia de André (de Aqui, Tarados!). Conta as desventuras de um casal separado, em pé de guerra, circulando pela cidade em busca de novos parceiros. A mulher (a bela Sônia Garcia, mais rechonchuda) conhece um rapaz num bar, enquanto o homem se insinua para uma jovem na rua. Ambos acabam no mesmo apartamento, anteriormente reservado para seus encontros amorosos. Não vale a pena comentar o final inusitado (e atrevido) para não estragar a surpresa.

Punks é o último episódio, com direção de Cardoso, e o mais fraco de Caçadas Eróticas. Já flertando com o sexo explícito, se inspira no ótimo Júlio e o Paraíso, de A Noite das Taras. Mostra uma gang de garotas punks, escondidas em local abandonado na periferia de São Paulo, vivendo de furtos e prostituição. Elas acabam seqüestrando um jovem e dois executivos que, dominados sexualmente, acabam despojados de todos os seus pertences, inclusive as roupas.

Vale a conferida numa próxima exibição no Canal Brasil!

A Verdade Sobre Drácula (1975) ou No papel de Vlad Tepes, Christopher Lee batia um bolão

2010-09-03T11:04:00.001-07:00

Em meados da década de 1970 eu tinha por hábito, na saída do colégio onde cursava o primeiro grau no Rio de Janeiro, fazer uma visita à Entrelivros (uma rede de livrarias) no caminho de casa. Apesar de jovem, já alimentava meu imaginário com coisas pouco usuais para o que se convencionava ser um adolescente sadio e já prenunciava os rumos que minha vida iria tomar: monstros e bizarrices. Que procurava invariavelmente nos livros, quadrinhos (as editoras brasileiras eram prolíferas no gênero) e nas madrugadas passadas na frente do velho televisor preto e branco. Passava longe dos cinemas onde a censura impedia meu ingresso para assistir às produções que versavam sobre meu tema preferido, taxadas como impróprias para menores de 18 anos. Numa dessas peregrinações à Entrelivros encontrei o recém lançado no Brasil (Record,1975) Drácula: Mito ou Realidade, de uma dupla de acadêmicos: o norte americano Raymond T. McNally e o romeno Radu Florescu. Originalmente intitulado In search of Dracula: a true history of Dracula and vampire legends, a obra que resultava nas investigações dos pesquisadores trazia nova luz para os estudos do vampirismo, desvendando as origens históricas do personagem imortalizado por Bram Stoker: o príncipe da Valáquia Vlad Tepes.

Alguns anos mais tarde descobri, em meio ao bagunçado mercado de filmes em vídeo dos anos 1980 – nunca consegui entender a diversidade de distribuidoras de VHS e sua falta de critério na seleção de títulos – a versão cinematográfica do livro de McNally e Florescu: A Verdadeira História de Drácula (In Search of Dracula), distribuído pela F. J. Lucas. Produção original de 1975 da Aspekt Films sueca (apenas três anos após sair do prelo o livro em que se baseava), trata-se de um documentário que tenta reproduzir a estrutura elaborada pelos pesquisadores (que contribuíram com a roteirista). Seguindo os moldes do documentário clássico, com narração over e cenas recriadas, o filme dirigido pelo inglês Calvin Floyd passou longe de ser bem sucedido. Ainda que McNally e Florescu justifiquem esse fracasso (na versão atualizada do livro, lançada aqui em 1992 pela Mercuryo) ao fato da produção ser “bem falante e intelectual demais para ser um sucesso comercial”, é na falta de uma linha narrativa a ser seguida que vamos encontrar o motivo principal. O documentário, levado à cabo pela mão pesada de Floyd, não se sustenta nessa pretensão de seriedade, podendo mais ser alinhado aos documentários de exploração – apelidados de filmes mondo. O que não seria nenhum problema, desde que isso fosse assumido desde o princípio, tornando a obra mais divertida em seu desfile de excentricidades e toscas recriações – como a mulher nua cavalgando sobre sepulturas para identificar a cova de um vampiro. Ainda assim, tem caráter pioneiro por ser o primeiro documentário que liga Drácula ao Vlad Empalador e trata das raízes do mito do vampiro e se, para o espectador atual pareça datado e com sabor de déja vu (afinal, desde então muitos outros documentários abordaram o tema), merece a atenção por um tempero extra: a presença do ainda atuante Drácula da Hammer, o ator Christopher Lee em caracterização do príncipe romeno perfeita para aparecer como vilão de filme da boca do lixo, ostentado cabelos compridos e um bigode de fazer inveja ao jogador Rivelino. Observem a semelhança na montagem fuleira acima.

Trecho do filme:

http://www.youtube.com/watch?v=46IAZionybM

Brigitte Lahaie, a Deusa Nórdica de Jean Rollin

2010-08-20T12:02:00.000-07:00

Conhecida do público por sua participação nos filmes do diretor francês Jean Rollin, e por ele denominada “deusa nórdica”, Brigitte Lahaie pode ser considerada a principal figura feminina dos filmes B franceses. A carreira de Brigitte Van Meerhaegue (nome de batismo, 1955) começou na década de 1970 em filmes “para adultos”. Produção que, ao contrário de renegar, como é o costume das atrizes que largam o hardcore, ela assume agradecida: “Não me importo em falar sobre esses filmes.” – disse em entrevista – “Foram eles que me fizeram famosa, e seria ridículo negá-los. Fui a primeira sex star francesa, sendo assim, essa reputação me acompanha. Adorei o trabalho, e foi realmente importante para mim. Eu era muito tímida, muito insegura, e fazer esses filmes aumentou minha auto-confiança”. Mas chama a atenção para o fato de ter feito muitas outras coisas, achando estranho as pessoas ainda se interessarem por esse aspecto de sua carreira (imagine!).

Foi durante as filmagens do pornô Vibrations Sexuelles (1977), em que interpretava uma psiquiatra, que Brigitte conheceu Jean Rollin, a cargo da direção. Graças à amizade que surgiu entre os dois, ela participou de seu primeiro filme “sério”: Les Raisins de La Mort (1978), produção de horror sobre uvas envenenadas que transformam os habitantes de um vilarejo em zumbis. No ano seguinte, após mais uma leva de filmes de sexo explícito, larga definitivamente o gênero, passando para o softcore. Trabalha novamente para Rollin em Fascination (1979) e em seguida, La Nuit des Traquées (1980).

A partir de então, Brigitte Lahaie segue a carreira revezando entre filmes eróticos, exploitation e de horror, contabilizando mais de cem filmes no currículo. Destaque para sua colaboração com outro grande tarado do écran: Jess Franco (Jê Brûle de Partout /1979; Faceless / 1987; Dark Mission /1988).

Em 1990 trabalhou em Henry & June, de Phillip Kaufman, como uma prostituta, participando de poucas produções desde então, dentre elas Les Deux Orphelines Vampires (1997) e La Fiancée de Dracula (2002), ambas dirigidas por Rollin.

Antes dos vampiros virarem purpurina: Maldição Eterna (Forever Knight, 1992-1996)

2010-08-09T08:17:00.000-07:00

Como os vampiros andam novamente em alta desde que o medonho – no mau sentido, mesmo - Crepúsculo (Twilight, 2008) se tornou inesperado sucesso de bilheteria, e os sanguessugas pululam nos meios de comunicação contando com o fervor de novos e velhos adeptos, me veio à memória uma das melhores séries feitas para a televisão sobre o tema, ainda no início dos anos 1990: Maldição Eterna (Forever Knight, 1992-1996). Se ultimamente tivemos um revival de vampirismo na tv através de programas como Blood Ties (2006) e Moonlight (2007), e as bem sucedidas True Blood (2008) e The Vampire Diaries (2009) - ainda em produção -, naquela época a maré não estava tão promissora: Drácula, a série (Drácula, the Series, 1990), durou apenas uma temporada, e Kindred: The Embraced (1996) idem. Com Maldição Eterna foi diferente. Superior às outras, conseguiu se manter no ar por mais tempo principalmente pela abordagem diferenciada do assunto e a uma bem elaborada mistura de drama policial com sobrenatural. Na onda revisionista dos vampiros, que teve como fontes principais os romances de Anne Rice, apresenta tipos menos estereotipados, com mais personalidade e nuances psicológicas. Até então, nunca o tema fora tratado com tanta seriedade na televisão.

Maldição Eterna se passa em Toronto, que como qualquer outro centro urbano, por trás de seus arranha-céus pontilhados de luzes brilhantes, esconde a realidade dura das ruas. Uma face cruel em que criminosos aguardam suas vítimas nas sarjetas e assassinos matam impiedosamente. Como qualquer cidade Toronto tem seus segredos, seus mistérios e seus...vampiros! A cidade candadense é o habitat de Nicholas “Nick” Knight, o protagonista da série que foi produzida pela Paragon Entertainment e transmitida nos Estados Unidos pela CBS dentro do Crime Time, a programação policial de fim de noite da emissora. Knight é um herói bastante incomum. Na verdade ele é um vampiro com mais de 700 anos, transformado em 1228, quando retornava das cruzadas. Após viver nas sombras durante séculos se alimentando de sangue humano, passa a buscar a redenção e absolvição pelo mal que causou. Isso o levou a ingressar na força policial da cidade como detetive da divisão de homicídios, trabalhando somente no turno da noite, é claro. A cada episódio, o herói usa seus poderes para solucionar crimes, constantemente atormentado pelos fantasmas do passado e buscando reconquistar a humanidade perdida. Deve-se destacar ser Knight, provavelmente, uma das primeiras encarnações do “vampiro relutante” nos meios audiovisuais.

Esse plot não é de primeira mão. A primeira aparição do personagem ocorreu anos antes, em um telefilme de 1989 chamado Nick Knight (lançado em vídeo no Brasil com o título horroroso de Nick, um tira em apuros) e estrelado pelo ex-pop star Rick Springfield. O telefilme tinha a intenção de ser o piloto de uma série para a rede CBS, que seria protagonizada pelo próprio Springfield, mas que não decolou. Quando a canadense Paragon Entertainment tirou o programa da gaveta em 1991, o local da trama foi transferido para Toronto e o papel de Knight foi assumido por Geraint Wyn Davies, um ator com pinta de galã e formação clássica, já conhecido nas telinhas norte-americanas.

Maldição Eterna gira em torno de três personagens: o próprio Knight; Lucien Lacroix (o ótimo Nigel Bennett) - o vampiro maligno que induziu Nick ao vampirismo e o iniciou na Paris medieval; e Janette (Deborah Duchene), uma ex-amante de Nick de muitos séculos que dirige um nightclub chamado Raven, inspirado no Fome de Viver (The Hunger, 1983), de Tony Scott. Diga-se de passagem, outra importante fonte para a onda revisionista, junto aos romances de Anne Rice. Além do trio principal, temos como coadjuvantes o esculachado parceiro de Knight, Schanke (John Kapelos), um reclamão responsável pelos momentos engraçados da série e que desconhece a verdadeira natureza do amigo; e Natalie Lambert (Catherine Disher), a patologista do necrotério que se apaixona pelo pelo protagonista e busca uma cura.

Os dois primeiros episódios, O Senhor das Sombras (parte 1 e 2), são uma refilmagem bastante fiel do antigo piloto. Porém mais amadurecida, melhor trabalhada e com elenco muito superior, além dos flashbacks (baseados em Highlander) que continuariam por toda a série dando maior dimensão aos personagens, construindo aos poucos a sua história passada. Com o passar do tempo, Maldição Eterna se tornou uma jornada pelo lado mais sombrio da cidade, um mundo onde os vampiros existem e convivem, sem serem percebidos pelos criminosos e tiras. E onde os limites entre predador e presa se tornam tão indistintos quanto as fronteiras entre bem e mal. Como fica patente no emblemático nêmesis de Knight, Lacroix, que vestido de preto, cabelos platinados e olhos amarelos brilhantes, atormenta o herói em suas lembranças. Lacroix e Knight, na verdade, são os dois lados da mesma moeda. Quem poderia querer ganhar a imortalidade para simplesmente trabalhar como um tira? Ou iria abrir mão de noites eternas pela busca da absolvição? Lacroix, iniciado no vampirismo em Pompéia, às vésperas da erupção do Vesúvio, deixa clara a sua posição. Ele ama a escuridão, o sangue, a liberdade de abandonar completamente os retraimentos da moralidade convencional e o poder. Lacroix é um deus da escuridão, orgulhoso, vingativo e ao mesmo tempo paternal. Nick é seu filho pródigo, que se afastou e rejeita sua natureza em busca da mortalidade. "Lacroix atravessa a eternidade gostando do que faz, com naturalidade..." - disse Bennett em entrevista sobre o programa - "... e este é seu maior problema e ponto de conflito com Nick Knight. Ele não consegue compreender por que Knight, a quem iniciara na Idade Média, tem tantos problemas com o fato de ser um vampiro". Isso os leva a conflitos e confrontos constantes nas mais diversas épocas, mostrados nos flashbacks.

A série foi feliz ao adequar os elementos de caráter fantástico - sobrenatural aos paradigmas do seriado policial. Na verdade, não fossem esses elementos, seria apenas mais uma série de mocinho e bandido. O fato desse mocinho ser um vampiro cheio de conflitos interiores e que tenta viver e trabalhar como um mortal - o que inevitavelmente resulta em situações bastante originais e leva ao trágico final (Last Knight, 1996) - é que tornou o programa especial.

Maldição Eterna durou três temporadas, sendo as duas primeiras exibidas no Brasil (Record e Sony). Foi lançada na íntegra em DVD nos Estados Unidos.

Confira o trailler abaixo:

http://www.youtube.com/watch?v=yPhIEG3JYtg&feature=fvw

Saindo de férias...

2010-07-28T19:03:00.001-07:00

Saindo de férias!!!
Fiquem com dois filmes do Rodrigo Aragão, o mesmo diretor de Mangue Negro!!!!!
Até breve!!!!!!!!!

Peixe Podre - Parte 1

http://www.youtube.com/watch?v=Yd5opU0eEwI

Peixe Podre - Parte 2

http://www.youtube.com/watch?v=Lnk8UeG08Bs

Peixe Podre 2 - Patrte 1

http://www.youtube.com/watch?v=0wEh_9z273A

Peixe Podre 2 - Parte 2

http://www.youtube.com/watch?v=pF1h6_itIfo

Skinner (1993) - Traci Lords em thriller trash

2010-07-21T14:08:00.000-07:00

Não faz muito tempo postei um curto artigo sobre uma das mais bonitas e lendárias atrizes que vicejaram nos anos 1980: Traci Lords. Não vou, portanto, me deter novamente em detalhes de sua turbulenta carreira, ou da notoriedade que lhe foi conferida pela bombástica saída da indústria do vídeo pornô. Ou mesmo na sua entrada pela porta dos fundos do cinema convencional no qual se estabeleceu e está em atividade até hoje. Convencional, diga-se de passagem, não quer dizer necessariamente mainstream. No caso de Traci, significa que ela utiliza outros atributos (além de sua beleza, é claro) que não os genitais dos primeiros anos de carreira. Sobre isso vale uma nota: entre 1984, quando debutou em Night of Loving Dangerously até Traci I Love You (1987), quando largou a sacanagem, ela participou de 72 filmes de sexo explícito. Quase o mesmo número de produções em que atuou (73, somando séries de televisão e longametragens) de 1988 a 2009. O convencional de Traci acabou sendo na linha de filmes B ou mesmo no âmbito dos trash movies , com participação em obras de figuras como Roger Corman (que produziu O Vampiro das Estrelas com direção de Jim Wynorski), John Waters e mais recentemente Kevin Smith. Nicho cinematográfico do qual não se libertou, certamente devido ao seu passado, mas que contribuiu para alçá-la ao status de atriz cult.

De sua filmografia irregular, destaco Skinner (1993), um título que poderia, numa análise apressada, concorrer a lugar privilegiado na seleta lista dos piores filmes de todos os tempos. Porém, como gosto de tirar leite de pedra, assistir Skinner de forma alguma foi completa perda de tempo e alguns pontos a favor fazem valer a indicação para uma olhada descompromissada.

Produção de baixíssimo orçamento dirigida por Ivan Nagy, tem na presença de Ted Raimi (irmão de Sam Raimi, diretor da trilogia Evil Dead (1981 – 1987 – 1992) e dos filmes do Homem Aranha) a sua força. Ele carrega o filme nas costas, interpretando o psicopata Dennis Skinner, que vaga pelos Estados Unidos deixando vítimas por onde passa. De aparência pacata e inofensiva, aluga um quarto na casa da jovem Kerry (a gordinha Ricki Lake, que já trabalhara com Traci Lords no Cry Baby /1990 de John Waters) e seu marido, o caminhoneiro Geoff. Durante sua estadia, o maluco comete vários crimes, sendo perseguido e confrontado pela sinistra Heidi (Lords), uma ex-vítima que tem o corpo coberto por horríveis cicatrizes e planeja vingar-se. Personagem relativamente bem delineado, Skinner incorpora os clichês do serial killer cinematográfico: problemas com a mãe, surtos de insanidade intercalados com momentos de bom mocismo, desvios sexuais, etc. Clichês que ganham credibilidade na composição de Raimi, que incorpora um indivíduo que luta para manter o controle, uma panela de pressão pronta para explodir. Vitimando geralmente as prostitutas que atrai, as mortes são mostradas em rápidos flashes, com exceção de uma, sem dúvida o ponto alto do filme (e que deveria figurar em qualquer antologia de cinema slasher), quando todos os detalhes são explicitados de modo a embrulhar os estômagos mais fracos. O assassino está ao lado do cadáver ensangüentado de uma mulher nua. Ele esfola as costas do corpo, levantando com o facão as beiradas da pele, que se solta. Em seguida, puxando, arranca como uma roupa a pele da falecida, que veste como uma macabra fantasia. Referência explícita a um dos assassinos em série mais queridos do cinema (Ed Gein, 1906 - 1984), que já inspirou Alfred Hitchcock (Psicose, 1960), Tobe Hooper (O Massacre da Serra Elétrica, 1974) e Jonathan Demme (O Silêncio dos Inocentes, 1991).

Traci Lords, ainda em início de carreira, faz feio com caras e bocas, se esforçando sem muito resultado. Em parte culpa do roteiro esburacado, que não ajuda na composição de Heidi, da qual pouco se sabe. Sua relação anterior com o assassino e seu desejo de vingança são pouco explorados, ficando vagas as suas motivações. Além disso, passa todo o filme com um chapéu cobrindo metade da cabeça e do rosto, e um sobretudo preto, parecendo a versão feminina do Sombra, aquele justiceiro das histórias em quadrinhos. Sobretudo que tira em breves momentos mostrando seu corpo escultural vestindo calcinha e sutiã pretos.

Ricki Lake também não faz feio, sendo instigante e pouco explorada a relação de sua Kerry, uma esposa negligenciada, com o problemático inquilino.

Talvez o mais complicado em Skinner sejam os furos da narrativa e alguns momentos que não são mostrados e poderiam render boas seqüências (contenções orçamentárias?). Por exemplo, a morte de Earl, colega de trabalho que inferniza Dennis Skinner, provavelmente o melhor exemplo de como não se deve efetuar um corte, resultando numa elipse mal feita. Em determinada cena vemos o brutamontes ameaçando o personagem principal, que tinha feito uma piada sobre seu corte de cabelo. Logo em seguida, o psicopata sai de um galpão já vestindo a pele do malfadado Earl. Até pensei que fosse alguma barbeiragem da Band, que reduzia sem a menor cerimônia ou tato os filmes que passavam no extinto Cine Trash, de onde gravei essa pérola, para encaixar na programação vespertina e provavelmente adequar à faixa etária desse período do dia. Consegui comparar depois com a versão integral, que apesar de mais completa, ainda deixava muito a desejar. Quem sabe alguma coisa tenha ficado pelo chão da sala de montagem de Ivan Nagy, o inepto diretor?

Notas sobre o Nazi Exploitation - Parte 2.

2010-07-13T06:27:00.000-07:00

O segundo momento para o nazi-exploitation se deu na Itália, país onde se desenvolvia, desde a segunda metade da década de 50, uma grande produção de filmes de horror e exploitation. Podemos considerar a versão italiana ainda mais cruel do que seus predecessores norte-americanos. A pedra fundamental para essa versão do nazi-exploitation foram três filmes, os dois primeiros produzidos com objetivos bastante opostos ao negócio dos filmes de exploração. Um deles foi a produção dirigida por Liliana Cavani, O Porteiro da Noite (ll Portieri di notte, 1974), relatando os jogos de dominação-submissão entre a sobrevivente de um campo de concentração e seu antigo algoz, um ex-oficial nazista (agora porteiro noturno de um hotel vienense), alguns anos após o fim da guerra. Outro foi o polêmico Saló – Os 120 Dias de Sodoma (Salò o le 120 Gionarte di Sodoma, 1975), de Pasolini, na verdade um libelo anti-fascista que, de forma crua e chocante, transpõe para o cenário da decadente Itália de Mussolini o universo do Marquês de Sade. Saló relata as degradações sofridas por um grupo misto de jovens nas mãos de representantes dos poderes estabelecidos em um castelo. Lá são confinados e submetidos a toda sorte de humilhações e torturas físicas, sendo estuprados, cortados, queimados, obrigados a ingerir excrementos e mortos.

O terceiro é Salon Kitty (1976), de Tinto Brass, co-produção italiana, alemã e francesa, que buscou inspiração nos míticos bordéis destinados aos oficiais e soldados da Alemanha nazista, palco para tramas conspiratórias e perversões sexuais. Filme que já se aproxima do conceito de nazi-exploitation e figurar entre os demais produzidos no período, relacionados rapidamente a seguir:

SS Experiment Camp (1976), de Sergio Garrone, apresenta todos os clichês desse tipo de filme (a carcereira lésbica, os guardas sádicos, os trabalhos forçados), além de uma inusitada tentativa do transplante dos testículos removidos de um prisioneiro para o comandante do campo. As Condenadas (L’Última Orgia Del lll Reich, também conhecido com Calígula Reincarnated as Hitler ou Gestapo’s Last Orgy, 1976), de Cesare Canevari, descreve as humilhações por que passam as prisioneiras judias com requintes de sadomasoquismo, em cenas inspiradas por O Porteiro da Noite. Em Le Deportate della Sezione Speciale SS (1976), de Rino Di Silvestro, repetem-se as seqüências de lesbianismo e estupros. A mais evidente apropriação de Saló pode ser vista em Le Lunghe notti della Gestapo (1977), de Fabio De Agostini, em que doze personalidades do reich são entretidos por doze garotas treinadas para satisfazê-los sexualmente, terminando em violenta orgia. As Garotas da SS (Casa Privata per le SS, 1977), de Bruno Mattei, é uma cópia de Salon Kitty; e La Svastica nel Ventre (1977) de Mario Caiano, um dos menos inspirados, novamente tratando de jovens judias sendo prostituídas pelos nazistas. La Bestia in Calore, do mesmo ano, dirigido por Luigi Batzella, representa bem a característica híbrida dos filmes de exploração italianos, misturando w.i.p. (women in prison – vertente do exploitation) com filme de monstro, ao contar as atrocidades cometidas pela dirigente de um campo de concentração (no mesmo estilo de Ilsa, a Guardiã Perversa da SS) que faz das prisioneiras cobaias de suas experiências.

Certamente essa vertente não estava preocupada em evidenciar o quão baixo o ser humano poderia descer ao infligir sofrimentos aos seus semelhantes, mas pelo contrário, explorar as suas imagens. E se esses filmes não eram muito originais em termos de roteiro, promovendo um canibalismo mútuo constante, em alguns momentos eram bastante criativos ao explorar o triângulo nudez-sexo-violência. Todos buscando evidenciar a idéia do terceiro reich como um grande bordel, regido por devassos e sádicos. Para os diretores do cinema exploitation italiano, que passavam de gênero para gênero sem o menor pudor, de acordo com as tendências do mercado, os estigmas do nazismo, com evidente destaque para o holocausto nos campos de concentração e as tristemente famosas experiências médicas, eram temas mais do que adequados aos seus objetivos.

Notas sobre o Nazi Exploitation - Parte 1.

2010-07-03T11:08:00.000-07:00

Trecho de artigo apresentado no VI Encontro da Socine e publicado na íntegra no livro Estudos de Cinema Ano IV(Socine) - São Paulo: Editora Panorama, 2003.

Os filmes nazi-exploitation configuram, provavelmente, a vertente do cinema exploitation que melhor se insere em um universo fetichista. Certamente por evidenciarem claramente um padrão de tendência sadomasoquista através da exploração de cenas de encarceramento, submissão, humilhações, torturas e homossexualismo feminino. Seqüências temperadas por nudez e sexo simulado, tendo como cenário ideal os nefastos campos de concentração. Deve-se ressaltar que a utilização do tema nazismo é mero pretexto para cenas de sexo e violência, sem nenhuma pretensão de trabalhar essa temática dentro de um contexto histórico-social ou manifestar algum tipo de crítica. Podemos considerar os filmes nazi-exploitation em dois momentos.

No primeiro, fruto de cinema exploitation norte-americano que teve seu apogeu entre as décadas de 50 e 70, podemos destacar duas produções representativas da evolução do tema.

Love Camp 7 (1968) pode ser considerado o principal precursor do que viria a ser a vertente do nazi-exploitation. Seu propósito principal era exibir a nudez – inclusive frontal – das prisioneiras e toda uma série de torturas sexuais. Contudo, Love Camp 7 ainda é tímido ao não mostrar mutilações, resultados de experiências médicas (elas são citadas de passagem) e torturas mais explícitas (introduções de objetos, utilização de instrumentos como ferros em brasa, alicates, etc., que já eram comuns em filmes exploitation).

Essa contenção não é compartilhada pelo filme Ilsa, Guardiã perversa da SS (Ilsa, She-Wolf of the SS), de 1974. Estrelado pela loira Dyanne Thorne, vai mais fundo na explicitação das barbaridades protagonizadas pela autoritária personagem título, comandante e médica-chefe do fictício stalag 9, inspirada na criminosa de guerra Ilse Koch, “a cadela de Buchenwald”, mulher do comandante do campo de concentração de mesmo nome.

Ilsa conduz experimentos com as prisioneiras, submetendo-as a torturas e inoculando em seus corpos virulentas moléstias, fazendo com que literalmente apodrecessem em vida. A sorte dos homens é diferente, porém não menos cruel. Ilsa têm o hábito de levar para cama os prisioneiros que, invariavelmente, não conseguem aplacar o seu apetite sexual, recebendo como punição a morte ou a amputação de seus órgãos genitais. Todos os clichês dos filmes de nazistas pérfidos são explorados nesta produção, em uma trama exagerada, com personagens estereotipados e frases de efeito. Especial atenção é dada para o fetichismo vinculado aos uniformes e botas, no caso a indumentária negra da SS. O resultado final do filme Ilsa é uma coletânea de atrocidades com toques de bizarria tão extrema para a época que fizeram o produtor David Friedman desvincular-se da produção.

O Pasteleiro: sangue-e-tripas nas telas brasileiras.

2010-06-25T10:38:00.000-07:00

Um dos mais expressivos exemplares da explosiva combinação entre sexploitation e horror produzidos no Brasil é O Pasteleiro, produção de cerca de 40 minutos incluída no longa Aqui, Tarados (1980). Realizado pela Dacar, companhia do ex-galã e ex- rei da pornochanchada David Cardoso, foi dirigido pelo mesmo a partir de argumento e roteiro do grande Ody Fraga, tendo como protagonista o diretor sino-brasileiro John Doo.

Injustamente esquecido, certamente por suas cenas violentas e temática amoral e controversa (é um dos únicos exemplares dessa série de filmes da Dacar que aninda não ganhou exibição no Canal Brasil, por que será?), O Pasteleiro trata de um assassino em série, tema não muito comum na cinematografia brazuca, ainda que tenhamos os nossos Chico Picadinho, Maníaco do Parque, e outros de trágica lembrança. Mas não é só isso. O filme de Cardoso é ainda a maior aproximação do cinema nacional do sangue-e-tripas, subgênero do horror notório pela explicitação de mutilações, entranhas e desmembramentos. O que faz com maestria, coroando uma narrativa de desenvolvimento exemplar, apoiada por personagens muito bem construídos dramaticamente. O que se estabelece pelos diálogos entre o pasteleiro e a prostituta Florinda, que vão dando o direcionamento da trama, enriquecidos pelas inspiradas interpretações de John Doo e da belíssima Alvamar Taddei.

A história gira em torno de um pasteleiro que abastece com seus pastéis os botecos da noite paulistana. Seus produtos de excelente paladar levam um inusitado recheio, que tem como matéria prima as mulheres que ele leva para casa e mata, após seviciá-las sexualmente.

As cenas de sexo beiram o explícito, já aproveitando o abrandamento da censura e a inevitável liberação do hardcore. Mas com uma levada pesada, trazendo para as telas temas tabus como sadismo e necrofilia.

Violento, não se furta a mostrar membros arrancados e eviscerações, lembrando em alguns momentos a obra prima de Herschell Gordon Lewis, o famigerado Banquete de Sádicos (Blood Feast /1963). Só que O Pasteleiro é muito melhor.

Leia mais sobre este filme que me deixou besta quando o descobri durante as pesquisas para a minha dissertação de mestrado no capítulo O Pasteleiro: um exercício de sexo e horror no cinema brasileiro, que escrevi para o livro Cinema de Bordas (Ed. à Lápis, 2006), nas melhores livrarias (ou clicando na capinha ao lado, para ser direcionado para o site da Livraria Cultura).

Caroline Munro - Bonita e perigosa!

2010-06-18T08:54:00.000-07:00

Esta postagem é dedicada a uma das atrizes mais bonitas da década de 1970 e que pode, seguramente, não só figurar no panteão das femmes fatales que assombraram as telas na época, mas também se destacar na galeria de beldades que ornamentavam as produções da lendária Hammer Films.
A cultuada Caroline Munro nasceu em 1949 em Windsor, Inglaterra, sendo educada em um colégio de freiras. Após posar para revistas de moda e anuúncios publicitários, iniciou no cinema em pequenos papéis, tendo maior relevãncia a sua participação na primeira versão de Cassino Royale (Casino Royale, 1966). A estréia no cinema de horror foi curiosa. Ela encarnava a falecida esposa de Vincent Price, Victoria Phibes, no divertido O Abominável Dr. Phibes (The Abominable Dr. Phibes /1971). Porém, sua presença se resumia a uma foto em preto e branco. Em 1972, repete a dose em A Câmara dos Horrores do Abominável Dr. Phibes (Dr. Phibes Rises Again), mas é no controveso Drácula no Mundo da Minissaia (Dracula A.D. 1972), da Hammer Films, que realmente chama a atenção com seus longos cabelos castanhos, corpo longilíneo e rosto perfeito. No filme, que traz o conde vampiro de Christopher Lee para a Swinging London, Caroline interpreta Laura Bellows, uma das jovens do grupo hippie que ressuscita Drácula. Este, que não é bobo nem nada, faz de Laura a sua primeira vítima. Posteriormente, em 1974, desfila em trajes sumários na produção As Novas Viagens de Sinbad (The Golden Voyage of Sinbad) e em outra pérola da Hammer, Captain Kronos - Vampire Hunter (como a lânguida cigana Carla). Em 1977 é escalado como a perigosa Bond Girl Naomi (que tenta matar James Bond atirando de um helicóptero) em O Espião que me Amava (The Spy Who Loved Me), que poderia ser um ponto alto em sua carreira. Mas apesar disso, acabou no ano seguinte como protagonista do trash espacial Starcrash (também conhecido como The Adventures of Stella Star /1978), consolidando-se no âmbito dos filmes de baixo orçamento. Resultando no envolvimento com uma pequena obra prima do horror, o filme Maniac (1980), de William Lustig, e trabalhos com diretores como Jess Franco e Paul Naschy. Na geladeira desde meados da década de 1990, Caroline Munro retorna em 2003 no filme Carne para o Demônio (Flesh for the Beast).

Curiosidade: Nunca posou nua, recusando oferta da Playboy. Também não aceitou papéis em filmes que exigiam que aparecesse pelada.

Filmografia selecionada:
O Abominável Dr. Phibes (The Abominable Dr. Phibes, 1971), A Câmara dos Horrores do Abominável Dr. Phibes (Dr. Phibes Rises Again, 1972), Drácula no Mundo da Minissaia (Dracula A.D. 1972), As Novas Viagens de Sinbad (The Golden Voyage of Sinbad, 1974), Captain Kronos - Vampire Hunter (1974), The Devil Within Her (1975), O Espião que me Amava (The Spy Who Loved Me, 1977), Starcrash (1978), Maniac (1980), The Last Horror Film (1982), Faceless (de Jess Franco, 1987), El Aullido del Diablo (de Paul Naschy, 1987), Demons ¨: De profunids (de luigi Cozzi, 1989), Carne para o Demônio (Flesh for the Beast, 2003).

Obcecado para Matar (Relentless) - 1989

2010-06-11T11:14:00.000-07:00

Obcecado para Matar (Relentless / 1989) é um típico policial dos anos 1980, roteirizado por Phil Alden Robinson – também responsável pelo script da memorável comédia Um espírito baixou em mim (All o f Me / 1984) – e dirigido pelo aficionado por filmes de baixo orçamento William Lustig.
Conta a história do serial killer Arthur “Buck” Taylor (Judd Nelson), jovem perturbado que, em parte por sua relação complicada com o pai falecido – um admirado policial -, desenvolve tendências assassinas. Ele força as próprias vítimas a desferirem o golpe fatal, deixando como assinatura a página da lista telefônica onde as escolhe com mensagens aos policiais. Os crimes do denominado sunset killer são investigados por uma dupla de policiais, o jovem e arrojado Sam Dietz (Leo Rossi, em ótima performance), recém chegado na delegacia, e o veterano Bill Malloy (Robert Loggia), que inicialmente não dá crédito às suposições do parceiro.
Ainda que não se configure como antológico, Obcecado para Matar não é uma perda de tempo, valendo a pena uma olhada. Principalmente pela caracterização do maníaco pelo ex-brat pack (aquele grupo de atores jovens que marcou o início da década de 80 com filmes direcionados ao público adolescente) Judd Nelson. Sua composição do personagem - bastante diferente do John Bender de O Clube dos Cinco / The Breakfast Club e do Alec Newbary de O Primeiro Ano do Resto de Nossas Vidas /St. Elmo’s Fire (ambos de 1985) -, um psicopata apático e de olhar vago que se transfigura em ameaçador e brutal quando acua e ataca suas vítimas é, sem dúvida, o ponto alto da produção.
Concordo que na construção da trama policial e do suspense, o filme pode deixar a desejar para os acostumados aos thrillers pós-Silêncio dos Inocentes (The Silence of the Lambs / 1991) O modo narrativo envelheceu, aparentando ter sido construída de forma morna e burocrática, sem ritmo e com personagens pouco desenvolvidos. De modo semelhante, os crimes carecem de impacto, com pouca criatividade e violência atenuada se comparados aos retratados nas telas hoje em dia. Mas é importante lembrar que leva a assinatura de Lustig (de quem voltaremos a falar), que após seu debut no cinema pornô (The Violation of Claudia /1977, como Billy Bagg) foi responsável pela obra prima do horror Maniac (1981) e os subseqüentes Vigilante (1983) e Maniac Cop (1988).
A versão que serviu de base foi a lançada em VHS, pela Warner.

Vampiros, quadrinhos brasileiros e filmes

2010-06-03T12:46:00.000-07:00

Com o recente relançamento em formato graphic novel da adaptação de Eugenio Colonnese para o Drácula de Bram Stoker, achei relevante colocar no blog um texto que escrevi para o B Zine em 1994. Atualizado e corrigido, tem a pretensão de instigar os pesquisadores a traçarem as relações entre as histórias em quadrinhos de horror brasileiras e suas relações com o cinema, que são muitas. Desde as capas, freqüentemente feitas a partir de cartazes de filmes e lobby cards (aquelas fotos promocionais que antigamente figuravam ao lado dos cartazes), passando pela recriação pelos habilidosos desenhistas de cenários e personagens, até a citação explícita de elementos narrativos de várias produções.

Desde que o Drácula de Bram Stoker foi publicado em 1897, a figura do vampiro ganhou projeção nos meios de comunicação e na indústria de entretenimento. No cinema são inúmeras as produções relacionadas ao tema, assim como na literatura encontramos uma grande diversidade, tanto do ponto de vista ficcional quanto teórico.

Nas histórias em quadrinhos Drácula foi representado das mais diversas formas por roteiristas e desenhistas mundo afora, algumas vezes em títulos periódicos, outras em edições especiais. Os anos 1960 e 70 foram bastante promissores para os vampiros nas HQs. Aficionados por quadrinhos de horror e que cresceram naquele período certamente irão lembrar-se da História de Drácula (Dube/Tom Sutton) publicada no número um da extinta revista Kripta (RGE - 1976), além das aventuras do conde em revista própria publicada pela Marvel (Marv Wolfman /Gene Colan) e aqui lançada na série Capitão Mistério da Bloch Editores como A Tumba de Drácula.

O mais interessante é que foi no Brasil, pelas mãos dos nossos artistas, que o Conde Drácula alçou seus mais altos vôos em singulares narrativas, devendo-se a isso muita ousadia e certa (perdoável na maioria dos casos) falta de critério.

O quadrinho de horror ainda tinha, naquela época, lugar no mercado nacional. Através dele muitos desenhistas e roteiristas tornaram-se conhecidos e puderam ter seu material publicado. Desde que Terror Negro, a primeira revista completa do gênero foi publicada em 1951 pela editora La Selva, os títulos e editoras se multiplicaram, atingindo seu auge nos anos sessenta e início dos setenta. Aderiram ao filão a GEP, Edrel, Continental, Taika, Roval, sendo a D-Arte, de Rodolpho Zalla, com as revistas Calafrio e Mestres do Terror, o último bastião.

Drácula sempre se destacou em toda essa produção e graças à paulista Editora Taika ganhou um lugar permanente na história do quadrinho de horror nacional. Sendo memorável, por exemplo, a adaptação (por sinal bastante fiel) do romance de Stoker por Francisco de Assis e arte de Eugenio Colonnese, relançada por esses dias pela editora Escala, em caprichada versão colorizada. Um belo trabalho no qual Colonnese recria em nanquim toda uma atmosfera gótica bastante inspirada nos filmes da Hammer. O próprio Drácula de Colonnese é muito semelhante à caracterização de Christopher Lee (apesar de ganhar as feições do astro Marlon Brando, de acordo com texto que acompanha a nova edição), se diferenciando da descrição do vampiro de Stoker.

Mas a melhor e mais original encarnação de Drácula nos quadrinhos brasileiros está nas páginas produzidas pelo prolífero desenhista Nico Rosso para a Editora Taika. Sem dúvida alguma foi esse saudoso artista quem melhor retratou o velho morcegão dando forma aos argumentos de Helena Fonseca e Maria Aparecida de Godói, responsáveis por conferirem ao vampiro uma personalidade única, forte e diferente das demais caracterizações. Seus roteiros, se geralmente estavam repletos dos habituais clichês do gênero e explicitavam evidente influência dos filmes de horror do período, eram marcados por uma vitalidade e originalidade que superavam essas inspirações. Provavelmente cinéfilas, se apropriavam de personagens e narrativas que viam nas telas e as reciclavam de acordo com as tramas que desenvolviam. Talvez o melhor exemplar dessa safra esteja presente na edição especial Drácula (Spell Produções Editoriais - junho/76), um excelente trabalho gráfico de nível nunca visto nos quadrinhos de horror nacionais, com três histórias desenhadas por Nico Rosso e Kazuhiko Yoshikawa – uma em cores -, e textos de Maria Aparecida de Godói (equivocadamente atribuídos ao também parceiro de Rosso, Rubens Lucchetti, no artigo “Quadrinhos de Sangue”, da reedição do Drácula de Colonnese pela Escala).

A primeira, que nos interessa, é dividida em três partes: Fecundação Satânica, O Herdeiro das Trevas e O Homem de Carlsbad. A origem de Drácula é recontada de maneira original, a partir de uma cerimônia satânica, quando a Condessa Asa Van Essen é sacrificada. Seu filho Draco tempos depois volta da batalha contra os mouros e sabe por intermédio de seu pai do destino trágico da mãe e de sua vingança contra os bruxos. Satã reanima o cadáver do líder do sumo-sacerdote, Javuto, que vai ao castelo e mata o Conde. Draco encontra o corpo do pai e, incentivado pela criada com quem tivera alguns momentos de amor, vai em busca do fruto da imortalidade, gerado pela seiva da “árvore maldita”. Satã aparece e diz que a seiva da árvore e os frutos são do sangue do ventre de sua mãe. Ele agora é o herdeiro das trevas, sendo a primeira vítima Vaena, a criada. A história termina com ele se apresentando como o Conde Drácula. Como sabemos, os personagens Asa e Javuto pertencem ao clássico de Mario Bava, A Máscara do Demônio (La Maschera Del Demonio /1960).

Outras produções serviram de fonte para autoras como, entre outras, O Circo dos Vampiros (Vampire Circus /1972), Atom Age Vampire (1960) e Museu de Cera (House of Wax /1953), reaproveitadas respectivamente para as HQs O Estranho Mágico, O Vampiro do Espaço e Museu de Cera.

As histórias de Fonseca e Godói traziam um Drácula sacana e divertido, ao mesmo tempo em que era a própria encarnação da maldade. Sua violência, vaidade e egocentrismo se desenvolviam nas mirabolantes aventuras, em planos maldosos para tornar-se cada vez mais poderoso e assim infligir maiores tormentos aos seres humanos. Não tinha nenhum sentimento de culpa ou amargura por sua condição de vampiro, coisa tão habitual nas atuais produções literárias e cinematográficas sobre o tema, em que sanguessugas relutantes choramingam pelos cantos. Sua presença causava medo nas vítimas e ele não tinha nenhum charme sedutor, muito pelo contrário. Seu aspecto era velho e mofado. Também raramente transformava alguém em vampiro. Egoísta, não desejava concorrentes. Queria ser único. Só o fazia caso fosse necessário para atingir algum objetivo, e mesmo assim de modo que esse novo vampiro não pudesse prejudicá-lo. Era comum, portanto, após beber o sangue de suas vítimas, enfiar ele mesmo uma estaca nos cadáveres. Os roteiros geralmente tinham um tom irônico, satírico até, mas mantinham seu clima de maldade presente. A continuidade bem estruturada era fiel às características principais de Drácula, mesmo que freqüentemente algumas liberdades fossem tomadas. Criava-se assim uma identificação com o leitor, mantendo o interesse. Essas características se mantinham, fossem nas histórias ambientadas em séculos anteriores como nas passadas em tempos atuais. Onde, inclusive, transitavam personagens recorrentes: o detetive Fred Carson (o nêmesis do conde), sua namorada Mary e o inspetor de polícia Barney. Mary é filha de um cientista que revive Drácula e é morto por ele. Fred, noivo da garota, jura perseguir o vampiro até conseguir eliminá-lo. Já o inspetor tem a marca do vampiro. Quando morrer deverá ter o coração atravessado por uma estaca para não se transformar, daí sua sede de vingança contra Drácula. Outro ponto importante, não muito presente nos quadrinhos feitos por aqui, foi a utilização de uma linha narrativa seriada, com histórias que continuavam nas edições seguintes.

O traço de Nico Rosso se adequou perfeitamente à personalidade criada pelas escritoras. Do mesmo modo conseguiu traduzir a ambientação gótica dos filmes da Hammer e AIP para os quadrinhos, na recriação de cemitérios, castelos, monstros e afins. Suas cenas de cerimônias satânicas e infernos, ousadíssimas para a época, com nudez, criaturas deformadas, monstruosidades e demônios remetem às composições de pintores como Bosch e Brueghel. Outro ponto alto do desenhista são as figuras femininas. Fossem inocentes vítimas ou ardilosas e malvadas, todas eram voluptuosas e sensuais. Se deixavam Drácula maluco, o que dizer então do efeito que causavam nos moleques de uma época quando toda a nudez era realmente castigada? Em tempos de censura era gratificante ver Rosso tirar a roupa de suas gatas, totalmente ou em partes, durante o decorrer da ação.

É triste constatar que, apesar do bom momento para os quadrinhos no país – nunca tantos títulos foram lançados em bancas e livrarias como nos últimos anos – pouco se fez em relação à fase áurea da HQ de horror. É verdade que tivemos um pouco da Mirza (também do Colonnese), uma edição comemorativa da Calafrio, outra do Lobisomem do Gedeone Malagola... Que a inesperada reedição do Drácula do Colonnese não seja apenas uma publicação destinada a capitalizar em cima do modismo dos vampiros da “Era Crepúsculo”, mas o prenúncio de uma revitalização de fase importante de nossa arte seqüencial.

Tsc, tsc... A quem estou enganando se nem eu acredito nisso!

Antes de Tim Burton: relembrando o Dark Shadows original.

2010-05-27T10:02:00.001-07:00

Conforme vem sendo noticiado, Tim Burton pretende levar às telas em 2011 sua versão da cultuada Dark Shadows, infelizmente pouco conhecida do espectador brasileiro. Vale então, uma breve introdução a esse momento muito especial do horror na televisão.

Novela diurna gótica transmitida pela rede norte-americana ABC entre junho de 1966 e abril de 1971, foi idealizada pelo prolífico Dan Curtis (1927-2006) ainda em 1965, segundo a lenda a partir de um estranho sonho em que via uma jovem em um trem, com destino a uma antiga propriedade. Deve-se ressaltar a relevância de Curtis para o gênero, notadamente na produção e direção de telefilmes – os dois longas com o personagem Kolchak, The Night Stalker (1972, dirigido por John Llewellyn Moxey) e The Night Strangler (1973) e o incensado The Norliss Tapes (1973), por exemplo – e longas para a tela grande, como o Drácula (Dracula, 1973), encarnado pelo ator Jack Palance, e o fantasmagórico Burnt Offerings (1976).

A idéia, aprovada pela emissora ABC, acabou nas mãos do roteirista Art Wallace – responsável também pelo sugestivo título -, que usou como base um script de sua autoria, sobre mulher que teve o marido desaparecido, reclusa em uma casa sombria. Na nova trama, para lá se dirige a heroína do sonho de Curtis, Victoria Winters (interpretada pela atriz Alexandra Moltke), contratada como governanta em uma tétrica mansão no Maine. Denominada Collinwood, na casa viviam a aristocrática Elizabeth Collins Stoddard, seu irmão pinguço Roger e suas respectivas crianças, Carolyn e David.

O show inicialmente não apresentaria elementos sobrenaturais, mas a baixa audiência fez com que um desesperado Curtis incluísse na trama, poucos meses após a estréia, o inusitado fantasma da antepassada Josette Collins, que surge saindo de um retrato. A ousadia (para os padrões da tv da época em termos de soap operas) foi bem sucedida, levantando a audiência, que com o decorrer do tempo chegou a ultrapassar os 15 milhões de telespectadores, e dando novo alento à produção. Resultando em seguida numa trama envolvendo magia negra, definindo os rumos que Dark Shadows tomaria, assumindo o horror e o fantástico como mola mestra, com novos e aterrorizantes subplots que se sucediam. Este redirecionamento se cristalizou em abril de1967 no episódio 210, com a inclusão do personagem que se tornaria o mais famoso da novela: o vampiro Barnabas Collins. Tanto que para muitos, Dark Shadows realmente se inicia nesse episódio, ficando a primeira parte no esquecimento. Não é de estranhar, portanto, que em exibições posteriores este primeiro segmento fosse ignorado, sendo o programa transmitido a partir da chegada de Barnabas. Somente uma vez, em 1992, o Sci Fi Channel passou o programa na íntegra, desde o primeiro episódio com a chegada de Victoria Winters a Collinwood.

O vampiro, que inaugurou nova era para Dark Shadows foi interpretado pelo ator de teatro canadense Jonathan Frid. Criado nos moldes do Drácula de Bram Stoker, ele é despertado de seu sono secular pelo mal intencionado Willie Loomis, que abre a sepultura do monstro para roubar supostas jóias ali enterradas. Fazendo-se passar por um primo recém chegado da Inglaterra, Barnabas integra-se na narrativa e no cotidiano de Collinwood. Vale ressaltar que a participação do personagem seria temporária, mais uma atração do programa. Porém, seu grande e inesperado sucesso fez não só com que Dan Curtis o mantivesse até o final, mas também incluisse na trama lobisomens, bruxas, zumbis e toda uma gama de indivíduos ou entidades monstruosas que já povoavam a cultura popular por intermédio da literatura e produções cinematográficas em explícitas apropriações. Até situações ainda raramente exploradas na televisão fora de seriados de ficção científica e fantasia como Quinta Dimensão (The Outer Limits) e Além da Imaginação (Twilight Zone), ganharam espaço na longa novela: viagem no tempo e universos paralelos. Segundo J. Gorodn Melton, em O Livro dos Vampiros (Makron Books, 1995) Dark Shadows “criou a mais elaborada e complexa alternativa à história de Drácula na moderna mitologia. Foi exibido para um público cada vez maior desde o momento em que Barnabas foi incluído no enredo”.

O universo de Dark Shadows se expandiu em diversos produtos: bonecos, álbuns de figurinhas, discos, histórias em quadrinhos, livros, etc. Após o encerramento em 1971, se manteve vivo nas reprises e edições em vídeo (*). Dois longametragens foram produzidos para o cinema com direção do próprio Curtis, Nas Sombras da Noite (House of Dark Shadows, que foi rodado em 1970, ainda durante a vigência da série) e A Maldição das Sombras (Night of Dark Shadows /1971), que serão tema de futuras postagens. John Kenneth Muir, em Terror Television (McFarland & Company, 2001) sugere ser a produção de horror de Curtis equivalente a outra série da tv norte-americana: a cult Star Trek, de Gene Roddenberry. Ambas, segundo o autor, foram concebidas em 1966, e inesperadamente sobrepujaram seu evidente baixo orçamento e curta duração, tornando-se por seus próprios méritos um fenômeno da cultura popular.

Em 1991, a NBC levou ao ar uma nova versão de Dark Shadows, com o ator inglês Bem Cross no papel que anteriormente pertenceu a Jonathan Frid. Essa tentativa de revitalizar o antigo sucesso infelizmente não emplacou, apesar das críticas positivas, sendo rodados apenas 12 episódios que chegaram a ser exibidos no Brasil anos depois pelo canal MGM.

(*) A novela foi lançada pela MPI, primeiramente em vídeo e atualmente está disponível em duas séries de DVD, uma delas dedicada aos episódios da fase anterior ao surgimento de Barnabas. Disponível na Amazon.

Saiba mais sobre Dark Shadows em:

http://www.darkshadowsonline.com/dso-dark.html

http://en.wikipedia.org/wiki/Dark_Shadows

Compacto dos episódios 210 e 211, em que o vampiro Barnabas Collins chega a Collinwood:

http://www.youtube.com/watch?v=3Q7QhRr5NaU

http://www.youtube.com/watch?v=L2jFPPywN7A

Santidades e diabruras: O Monge, versões 1972 e 1990.

2010-05-19T13:42:00.000-07:00

Considerado um dos grandes clássicos (e um dos mais horripilantes) da literatura gótica, O Monge (The Monk / 1796), de Matthew Gregory Lewis, escandalizou a sociedade da época não só por adicionar aos já recorrentes elementos do gênero uma forte crítica social e religiosa, mas também por incluir cenas de sexo, violência e sadismo. Suas controversas descrições de corrupção e luxúria envolvendo padres e freiras, feitiçaria e os desmandos da brutal Inquisição fizeram com que o autor fosse obrigado, logo na segunda edição - a primeira rapidamente se esgotou – a retirar alguns trechos considerados por demais obscenos. Não é à toa que Lewis foi incensado por personalidades como Lord Byron e o Marquês de Sade.

O romance, que segundo H.P. Lovecraft em seu obrigatório O Horror Sobrenatural na Literatura (Francisco Alves, (1987) eleva o horror literário a um novo grau de virulência, conta a cativante história do monge Ambrosio dos Capuchinhos de Madri que, caindo em tentação, acaba perdendo a sua alma em uma trilha de crimes e profanações.

A narrativa, ainda de acordo com Lovecraft uma obra-prima de pesadelo vivo em que o cunho geral gótico é exacerbado por doses adicionais de diabolismo, foi adaptada para o cinema duas vezes. Nenhuma das quais, diga-se de passagem, com coragem suficiente para retratar fielmente os episódios macabros e ultrajantes da obra literária. A primeira versão, Le Moine, de 1972, traz o emblemático Franco Nero na pele do torturado padre Ambrosio. Com direção de Adonis (Ado) Kyrou a partir de roteiro escrito por Luis Buñuel (que originalmente desejava levar o romance às telas) e Jean-Claude Carrière, conta a literal descida aos infernos do sacerdote Ambrosio, pilar da Igreja que inflamava a audiência com suas pregações de caráter moralista. Inspirado orador, destila sua verve vigorosa contra os que se desviam do caminho ordenado pelo clero e defende a punição severa para os pecadores e hereges. As coisas se complicam para o sacerdote quando a jovem Matilde (a belíssima Natalie Delon) entra em sua vida travestida em um jovem noviço. Não resistindo às investidas da moça, o padre Lorenzo rende-se aos prazeres do sexo, tornando-se um amante contumaz. Inicialmente dividido entre a culpa e o desejo, acaba deixando aflorar seu lado lúbrico e perverso, que se direcionam para a filha adolescente de uma paroquiana. Disposto a empregar todos os meios para alcançar o seu objetivo, acaba em conluio com a amante - que na verdade revela-se uma emissária de Satã – recorrendo à magia negra, culminando seus atos em tentativa de estupro e assassinado. Descoberto, é encarcerado pela Inquisição, sendo julgado por seus crimes e torturado. Entretanto, após assinar um pacto com o Diabo, termina livre e alçado ao mais alto posto da Igreja: o trono de São Pedro. Le Moine conta com algumas cenas de nudez e de sexo bastante contidas.

A produção, ainda que conte com uma direção pouco inspirada (é interessante imaginar como Buñuel trabalharia esse rico material), consegue prender a atenção pela instigante narrativa, a atmosfera construída na justaposição do ambiente religioso com desejos reprimidos e a aura de sensualidade que exala da pérfida Matilde. Tudo reforçando no filme seu caráter anticlerical, que chega ao clímax como uma bofetada no espectador (principalmente os cristãos), quando Ambrosio se retira da câmara de torturas, santificado por seus algozes, e se dirige para a luz no final do corredor da masmorra. Revelando tomadas atuais - no caso dos anos 1970 - da Praça de São Pedro apinhada de gente. Na sacada do palácio, o padre Ambrosio com vestes papais abençoa o povo.

Também com o mesmo título do romance original, a segunda versão é uma co-produção anglo-espanhola datada de 1990, roteirizada e dirigida por Francisco (Paco) Lara. A história é a mesma, com o padre Lorenzo (Paul McGann) – inexplicável troca do nome do protagonista – como o firme defensor das leis da Igreja que acaba nas garras da lúbrica Matilde, que nessa adaptação conta ser apaixonada por ele desde que presenciou uma de suas pregações, travestindo-se em jovem noviço e juntando-se à ordem religiosa dos Capuchinhos para ficar ao seu lado. Ainda que envolvente e bem construído, O Monge de Paco Lara poderia ter explorado melhor o caráter medieval – mais bem trabalhado no filme de Kyrou - e a ambiência gótica, que fica prejudicada em detrimento à ênfase nos conflitos existenciais do padre, na hipocrisia católica e na crítica à Igreja enquanto estrutura de poder. O que faz com que seja menos fiel ao romance de Lewis e fique bastante diluído o elemento sobrenatural da narrativa. É o caso da revelação de Matilde como entidade demoniíaca, lado pouco explorado do personagem e que poderia dar mais tempero à narrativa. Destaque para a seqüência onde a mulher (interpretada pela deliciosa Sophie Ward) protagoniza uma cerimônia na qual lança um feitiço em meio a um círculo flamejante na cripta do convento. As cenas de sexo são discretas e de modo algum apelativas, com a nudez parcial da atriz principal, sendo também contidos os trechos mais violentos. Contudo, o grande problema do filme é o final, quando o padre Lorenzo é levado á fogueira, condenado pela Inquisição. Num arroubo de conservadorismo do diretor-roteirista, o padre renega Satã e é consumido arrependido pelas chamas. Radicalmente diferente da versão de 1972 e de acordo com a caretice reinante na passagem dos anos 1980 para a década de 1990.

Original Sins (1994)

2010-05-12T17:58:00.000-07:00

É de meados da década passada a obscuridade que desenterrei essa semana. Original Sins (1994), escrito, produzido e dirigido pela dupla Howard Berger e Matthew Howe, provavelmente jamais encontraria distribuição em videocassete se não tivesse caído nas graças de Frank Henenlotter, diretor dos extravagantes Basket Case (1982) e Brain Damage (1988). Incluído na série Sexy Shockers from the Vídeo Underground, da Something Weird, empresa especializada em lançar em VHS filmes exploitation sediada em Seattle e capitaneada pelo ex-projecionista Mike Vraney, foi lançado modestamente em 1996 e não faço idéia se continua em catálogo. Para quem não sabe ou não se recorda, Vraney foi o responsável pela edição dos títulos de José Mojica Marins em vídeo nos Estados Unidos na década de 1990.

De baixíssimo orçamento e caráter amador, Original Sins é uma comédia de humor negro que reúne elementos de horror, ficção científica e exploitation, com momentos de puro nonsense que fazem com que, apesar de seu caráter tosco, seja diversão garantida para os interessados nesse tipo de produção.

Conta a história de três fanáticas religiosas, as jovens Diedra (Cheryl Clifford), Kierstan (Angelique de Rochambeau) e Mary Catherine (Faustina), que vivem reprimindo seus instintos e desejos. Ao seu universo, somam-se outros personagens singulares: o tio padre de Mary Catherine; a irmã porra-louca de Kierstan, envolvida com uma banda de rock fuleira que pretende fazer um pacto com o diabo para estourar nas paradas; e o aparvalhado Clark, que nutre uma paixão secreta pela irmã comatosa de sua namorada, Diedra. Um dia, as jovens recolhem o lixo largado em um parque nas imediações quando avistam ao longe um estranho sujeito de cabelos e barbas longas, semelhante a Jesus Cristo. Elas entram em transe e apagam por algumas horas. Em seguida, descobrem ter perdido a virgindade e passam a ter ataques convulsivos onde sentem ampliados os desejos sexuais. Que justificam como a presença de Deus, que as teria escolhido.

A partir daí Original Sins adota um tom blasfemo, onde as práticas e rituais da Igreja - penitências, crucificações, eucaristia, estigmas – são revestidos de um caráter assumidamente apelativo, onde o sexo, a nudez e a violência passam ao primeiro plano, temperados com doses ácidas de crítica e sarcasmo. Como exemplo, a seqüência em que as garotas seqüestram um entregador e fazem sexo com ele, uma após a outra, e depois o crucificam, bebendo o seu sangue e comendo a sua carne. Ou a missa negra realizada pela banda de rock com o cadáver de Mary Catherine, que repentinamente dá à luz um capeta de óculos e barbudo (lembrando o finado político Enéias), de cor vermelha e grandes chifres pontudos.

O filme, que tem até um trecho filmado em stop motion, acaba em tragédia e de modo inusitado, quando descobrimos que o Messias que deflagra toda a confusão, o cara parecido com Cristo é um Et (com nave espacial e tudo). Só vendo pra crer! Original Sins é cinema de guerrilha no melhor estilo defendido aqui por Petter Baiestorf. Uma prova de que, para se fazer um filme criativo tratando de temas ainda tabus no cinemão – principalmente pela abordagem descarada e despudorada -, não precisa de muita grana. E que a terra que pariu Hollywood também tem as suas bordas cinematográficas, para as quais filmes independentes no estilo Sundance se tornam mainstream.

Gritos en la Noche (1962)

2010-05-04T14:23:00.000-07:00

O grande expoente do exploitation espanhol, o famigerado Jesus Franco (ou Jess Franco), em atividade até hoje, dirigiu desde o final dos anos 50 até hoje quase duzentos filmes dos mais variados gêneros, transitando da comédia musical ao horror, passando pelo drama, selva, ação, pornô, etc. Na verdade, é difícil estabelecer a prodigiosa quantidade de filmes dirigidos por Franco (existem estimativas que inclusive superam esse número), já que boa parte deles foi assinada com pseudônimos, ou mesmo com mais de uma versão (algumas incluindo cenas de sexo explícito) e títulos diferentes de acordo com o mercado-alvo. Soma-se a isso o fato de a maior parte da produção deste cineasta não ter sido rodada em seu país de origem, inclusive por causa da censura do regime do “generalíssimo” de mesmo sobrenome, o que fez com que ele se radicasse na França e seus filmes tenham várias nacionalidades, muitos em co-produção com a Alemanha.

Gritos em la Noche (também conhecido pelo título norte-americano The Awful Dr. Orloff), de 1962, é um dos trabalhos mais conhecidos de Franco e ainda um dos grandes marcos em sua filmografia. Nele conseguiu fundir com naturalidade elementos de perversão sexual, morbidez e horror, equilibrando-os na construção de uma atmosfera que poderia remeter aos filmes da Hammer que lhe serviram de inspiração, indo até mais longe ao mesclar elementos do gótico com o noir.

A trama é parecida com a do clássico Olhos sem Face (Les Yeaux Sans Visage, 1960) de Georges Franju Franju, com a diferença de que com Franco a poesia do filme anterior é substituída, sem rodeios, por elementos de violência, suspense e terror em uma estrutura narrativa mais própria dos filmes de horror. No filme, Dr. Orloff tenta recuperar a face destruída de sua filha através de enxertos da pele que arrancava dos rostos das mulheres raptadas por seu fiel Morpho, um cego zumbificado de tendências necrófilas. Porém, os ideais do médico vão além do amor paterno, se perdendo em desvios de conduta que deixam entrever o seu lado sádico e psicopata.

Gritos em la Noche, que passou cortado na Espanha, é o trabalho mais convencional de Franco, gerando uma seqüência, El Secreto Del Dr. Orloff (1964) e uma refilmagem, Los Depredadores de la Noche (mais conhecido como Faceless, 1988), trazendo a história para a Paris dos anos 80 com mais sangue e violência.

Traci Lords: do pornô aos filmes B

2010-04-25T20:09:00.000-07:00

A maior revelação do cinema erótico dos anos 80 e dona de formas generosas e bem proporcionadas, Traci Lords saiu de maneira bastante turbulenta do rentável mercado do vídeo pornográfico norte-americano para tentar carreira como atriz de produções convencionais. Transição turbulenta, digna de um filme, mas que valeu a pena, segundo a atriz. Mesmo nunca tendo sido alçada ao mainstream – o que seria impensável aos olhos da indústria conservadora -, conseguiu chamar a atenção de diretores cult – como John Waters -, e firmar-se como atriz de filmes B, participando de séries de tv e aparecendo em pontas de algumas grandes produções.

Certa vez declarou, durante um intervalo entre filmagens, não ser uma pessoa muito normal, no caso se referindo à propensão em aparecer em filmes de baixo orçamento. Declaração que serve, de igual modo, para sua vida.

Voltemos até 1980. Traci, aliás, Nora Louise Kuzma - nascida em 7 de maio de 1968 - tinha 12 anos quando sua mãe se divorciou do marido alcóolatra e violento. Nora e suas três irmãs ficaram com a mãe e migraram de Steubenville, Ohio, para as costas ensolaradas de Redondo Beach, Califórnia. Para Nora, o novo lar pareceu muito mais glamuroso e oportuno do que a encardida cidade metalúrgica de Steubenville.

Por volta dos 15 anos, Nora teve algumas experiências ruins, inclusive um aborto. Ela abandonou os estudos e passou a se envolver com homens mais velhos, acabando metida, por intermédio de um deles, no mundo das revistas masculinas com a identidade falsa de Kristie Elizabeth Nussman. Foi Garota do Mês da Penthouse (setembro de 1984) e, logo em seguida, passou aos filmes pornô, adotando profissionalmente o pseudônimo de Traci Lords, o último nome em homenagem ao seu ator favorito, Jack Lord, o McGarrett da famosa série de tv Hawaii 5-0. Em pouquíssimo tempo virou sensação. Participou em mais de 100 filmes hardcore - entre eles o clássico Geração New Wave, Sexo New Wave (New Wave Hookers/1985), dos famigerados Dark Bros. - e foi reconhecida como uma das mais ativas e bem pagas atrizes do gênero. Chegou a ganhar 300 mil dólares no curto espaço de nove meses.

Pouco depois de completar seu décimo oitavo aniversário, Traci foi para a França gravar outro porn flick. Ao voltar para a Califórnia, foi recebida por agentes do FBI. Evidências suficientes tinham sido reunidas de que ela ainda era adolescente quando atuou em filmes x-rated usando documentos falsos que aumentavam sua idade. Sendo assim, todos os seus filmes e fotos para revistas eram ilegais (inclusive as do ensaio para a Penthouse). A imprensa logo armou um circo para informar ao público sobre o escandaloso passado de uma das mais populares pornstars dos Estados Unidos. As notícias abalaram a indústria de filmes para adultos, com os distribuidores cooperando com as autoridades retirando de circulação os vídeos protagonizados pela atriz. Tentativa de minimizar suas responsabilidades nos inevitáveis problemas judiciais, mas que não os isentaram de se embaraçarem (junto com os produtores) em duras penalidades, até mesmo algum tempo na cadeia. Por sua vez, Traci nunca foi importunada pelo sistema judiciário, que preferiu usá-la para atacar os peixes grandes do mercado das produções pornô. Existem muitas teorias, porém sem provas, sobre quem deu o serviço ao FBI. Dizem, inclusive, que pode ter sido uma jogada da própria atriz para ficar em evidência, romper com o passado e assumir o controle de sua carreira.

Traci, Desejada e Possuída (Traci, I Love You), o único filme x-rated que ela fez na idade legal de 18 anos, tornou-se o vídeo mais vendido nos Eua em 1987, sendo a única produção estrelada por ela que restou para comercialização. Há rumores de que a atriz tentou recuperar os direitos desse filme, numa tentativa de remover o último traço de sua carreira no sexo explícito.

Aos 18 anos, separada de sua lucrativa profissão, Traci ficou a deriva em Los Angeles, tentando tornar-se a primeira atriz a passar com sucesso dos pornôs para o cinema convencional. Antes dela, Marilyn Chambers - de Atrás da Porta Verde (Behind the Green Door/1972) - já havia participado de alguns, entre eles Enraivecida - A Fúria do Sexo (Rabid /1977) de David Cronemberg. Porém, nesses filmes, Chambers é lembrada apenas por algumas cenas de nudez softcore. Traci Lords queria muito mais. Sendo assim, se inscreveu nas aulas de interpretação do Instituto Lee Strasberg.

Em 1988, após uma pequena participação no seriado O Homem da Máfia (Wiseguy), foi escalada para a produção de Roger Corman, remake de seu próprio filme de 1957 O Vampiro das Estrelas (Not Of This Earth). Seu papel é o da enfermeira - originalmente interpretada por Beverly Garland - que atrapalha os planos dos alienígenas que vêm ao nosso planeta para roubar sangue humano. Ela estava inteirada que não foi escolhida unicamente por suas aptidões dramáticas. Corman insistiu inclusive que o diretor Jim Wynorski rodasse algumas cenas de nudez com a atriz. Ainda que bem mais discretas que as de seus filmes anteriores, essas seqüências representavam uma parte de sua vida que ela tentava abandonar. Contudo, estava ciente do grande passo em sua carreira que era esse filme e que a nudez seria importante nesse estágio. Traci adorou trabalhar em O Vampiro das Estrelas e com o diretor Wynorski. O próprio Corman ficou satisfeito, oferecendo-lhe contrato para outros filmes. Ela, porém, os rejeitou, mesmo querendo filmar novamente com Wynorski e Corman. Não estava mais interessada em aparecer apenas para expor seus dotes. Queria algo mais, que surgiu em 1990 com Cry Baby(1990), até então o filme mais comercial do estranho John Waters. Interpretando Wanda Woodward, uma delinqüente juvenil, contracenou com o inusitado elenco do qual ainda participaram o roqueiro Iggy Pop, o ex-sex symbol de Andy Warhol e Paul Morrissey , Joe Dallessandro, a ex-sequestrada Patty Hearst e o jovem galã Johnny Depp.

Após Cry Baby, a a triz voltou à tv, aparecendo em Profissão: Perigo (McGyver) e Um amor de Família (Married with Children). Também estrelou algumas produções feitas diretamente para vídeo como o medíocre horror Shock'Em Dead e o policial A Time to Die, iniciando uma longa trajetória nos filmes de baixo orçamento e aparições em séries de tv. Algumas marcantes, como a serial killer Sharon Lesher de Profiler, entre 1997 e 1998.

Mesmo tendo conseguido atingir seus objetivos, construindo uma carreira na ativa até hoje, inegavelmente Traci Lords sempre será vinculada ao título de ex-rainha pornô. Ela mesma declara saber que nunca será capaz de escapar do passado e está resignada à situação. Em suas próprias palavras: "Eu provavelmente terei 60 anos e ainda ouvirei alguém sussurrando atrás de mim: - Você sabe que ela trabalhava em filmes pornô? - Isso vai acontecer pelo resto da vida."

Recentemente pode ser vista no divertido Pagando Bem que Mal Tem (Zack and Miri Make a Porn /2008), de Kevin Smith.

Curiosidade: Traci faz uma ponta em Blade (1998) como a vampira Racquel, que aparece nas seqüências iniciais passadas numa rave.

Cinema de Bordas chega à segunda edição!

2010-04-19T12:09:00.000-07:00

A postagem da semana será destinada a um evento importante: a segunda edição do Cinema de Bordas, entre os dias 21 e 25 de abril no Itaú Cultural/SP. Segue divulgação da curadora Bernadette Lyra com a programação:

A Mostra reúne o melhor da produção cinematográfica caseira de todo o Brasil. É imperdível!

Entre os dias 21 e 25 de abril, o Itaú Cultural apresenta a segunda edição do Cinema de Bordas. Nada de grandes orçamentos ou efeitos especiais de tirar o fÿlego. A mostra é o espaço das produções cinematográficas independentes realizadas em todo o Brasil. Improvisação reunida em histórias inusitadas, "às bordas" do cinema comercial ou artístico.

Com curadoria de Bernadette Lyra e Gelson Santana, a seleção de filmes do Cinema de Bordas se abastece, sobretudo, dos filmes policiais, de horror, ficção científica, kung fu, histórias em quadrinhos, faroeste, comédia e por aí vai. Seja nas grandes capitais, seja nas pequenas cidades do interior, o importante é fazer cinema. Além dos curadores, a Mostra conta com participação e debates de todo o Grupo de Cinema de Bordas: Alfredo Suppia, Laura Canepa, Lucio Reis, Rogerio Ferraraz, Rosana Soares, Zuleika Bueno

Não deixe de confe rir a programação completa e os trailers de alguns filmes. Compareça e surpreenda-se!

quarta 21 de abril
16h programa 1
18h bate-papo com diretor e curadores
18h30 programa 2

quinta 22 de abril
18h programa 3
20h bate-papo com diretor e curadores
20h30 programa 4

sexta 23 de abril
18h programa 5
20h bate-papo com diretor e curadores
20h30 programa 1

sábado 24 de abril
16h programa 2
18h programa 3

domingo 25 de abril
16h programa 4
18h programa 5

Programa 1

Gato (assista ao trailer do filme)
Joel Caetano, 2009, 23 min, São Paulo (SP)
Muito sangue neste conto de terror e suspense sobre um homem e um gato.

A Bruxa do Cemitério 2 (assista ao trailer do filme)
Semi Salomão, 2009, 83 min, Apucarana (PR)
Dante, o primogênito de uma família do campo, é atormentado e manipulado por uma bruxa que foi morta injustamente. Ela quer que o rapaz atraia pessoas a um vale ? onde serão vítimas de forças sobrenaturais.

Programa 2

Chupa-Cabras
Rodrigo Aragão, 2005, 12 min, Guarapari (ES)
Um homem, vítima de sequestro, se vê perdido em uma floresta e logo descobre que não está sozinho: o Chupa-Cabras está à espreita.

Morgue Story, Sangue, Baiacu e Quadrinhos (assista ao trailer do filme)
Paulo Biscaia Filho, 2009, 78 min, Curitiba (PR)
Quadrinista de sucesso, mas frustrada em seus relacionamentos, Ana Argento conhece dois homens solitários: Tom, vendedor de seguros de vida que sofre de catalepsia, e Daniel Torres, médico legista, sociopata e estuprador com um método de crime bem peculiar.

Programa 3

Doutor Ekard
Marcos Bertoni, 2002, 18 min, São Paulo (SP)
Uma palestra sobre parapsicologia, hipnose e autoajuda é ministrada com fins duvidosos.

Coronel Cabelinho vs. Grajaú Soldiaz
Pepa Filmes, 2001, 80 min, Rio de Janeiro (RJ)
Filho de diplomata é assassinado pela gangue Grajaú Soldiaz. A imprensa cobra resultados e a polícia está acuada. A solução é trazer de volta o policial mais ?hardcore? da ditadura mil itar , Cor onel Cabelinho.

Programa 4

Aparências
Liz Marins, 2006, 8 min, São Paulo (SP)
Uma garota bela, loura e preconceituosa passa por sinistras experiências ao voltar da escola à noite.

Entrei em Pânico ao Saber o que Vocês Fizeram na Sexta-Feira 13 do Verão Passado [Recut] (assista ao trailer do filme)
Felipe M. Guerra, 2001-2009, 90 min, Carlos Barbosa (RS)
Sátira e homenagem aos filmes de horror adolescente dos anos 1990, que resgatavam um subgênero muito popular na década de 1980: o slasher movie ? caracterizado pela presença de psicopatas do sexo masculino que matam adolescentes.

Programa 5

O Massacre da Espada Elétrica
Gerson Castilho, Lucio Gaigher, Merielli Campi e Rodolfo Arrivabene, 2008, 15 mi n, Guarapa ri (ES)
Muhamed Aki Haul é um garoto palestino, gordo e desajeitado que mora no Brasil. Na escola, sofre bullying - é isolado e alvo de piadas e chacotas. O "Pequeno Mamute", no entanto, resolve se vingar das humilhações diárias. Para tanto, conta com a ajuda de "Mestre Coruja", guru em forma de espada elétrica.

O Show Variado
Simião Martiniano, 2008, 40 min, Jaboatão dos Guararapes (PE)
Comédia e artes marciais estão presentes nesta série de esquetes, cujos personagens são, entre outros, um doutor e um delegado maluco.

Cyberdoom (assista ao trailer do filme)
Igor Simões Alonso, 2009, 40 min, São Paulo (SP)
São Paulo, 2054. A água é escassa e há novas doenças. A cidade foi dividia em bairros fechados para controle da população. A gangue Os Co letores busca um antídoto contra os d iversos vírus: a Bioágua, vendida a preços exorbitantes pelo monopólio de empresas.

Itaú Cultural - Sala Itaú Cultural Avenida Paulista 149 - Paraíso - São Paulo - SP (próximo à estação Brigadeiro do metrô)

informações 11 2168 1777 / 11 2168 1777 atendimento@itaucultural.org.br
entrada franca - ingresso distribuído com meia hora de antecedência

Não recomendado para menores de 14 anos

Lobisomens Sobre Rodas (Werewolves on Wheels - 1971)

2010-04-14T06:08:00.000-07:00

Imagine um bando de motoqueiros cruzando as rodovias desoladas que cortam o deserto norte-americano e arrumando brigas e confusões por onde passam. Junte a isso uma trilha sonora no estilo Steppenwolf (aqueles cabeludos que tocavam Born to be Wild). Tempere isso tudo com sexo, drogas e muita porrada, daquelas tipo briga de bar. Se pensou em Sem Destino (Easy Rider), a grande contribuição do doidão Dennis Hopper para o cinema, errou feio!

Pra ficar mais fácil adivinhar, que tal acrescentar a essa mistura alguns rituais satânicos bem senso comum e lobisomens? Se não sacou ainda, estou falando do inacreditável Lobisomens Sobre Rodas (Werewolves On Wheels/1971). Produção tão cretina que é imperdível, digna de figurar na prateleira de qualquer maníaco por filme vagabundo, dirigida por um certo Michel Levesque – que tem no currículo passagem como diretor de arte de alguns sexploitation de Russ Meyer (como Up! e Supervixens); e de um filme da série Ilsa (Ilsa, Harem Keeper of the Oil Sheiks/1976).

O filme trata de um grupo de motoqueiros, The Devil Advocates que, uniformizados com seus jaquetões, raybans e bandanas, atravessam uma estrada poeirenta, encontram um estranho monastério ornamentado por grande cruz com chifres. São recebidos pela congregação de monges que vive no local e seu sumo-sacerdote. Colocados fora de ação por uma bebida servida pelos anfitriões, não se dão conta que uma das garotas – Helen -, em transe, é levada pelos monges e consagrada a Satã, dançando pelada com cobras e caveiras. Adam, o líder dos cabeludos desperta e dá por falta da menina, alertando os outros. Eles fazem então o que sabiam melhor: quebram tudo e dão porrada em todo o mundo.

Daí em diante, temos alguns conflitos entre os delinqüentes e as inevitáveis mortes causadas por algo que a falta de recursos para efeitos especiais não mostra. Acabamos sabendo que a responsável era Helen que, sob efeito da missa negra, vira lobisomem e ataca seus companheiros. Uma das vítimas é Adam, que se torna também um monstro (mais cabeludo ainda). O ponto alto do filme (é difícil segurar o riso nessa parte) é quando, após a luta entre o casal de licantropos e o resto dos motoqueiros, Adam foge em sua moto: um lobisomem muito fajuto montando numa Harley e saindo cantando pneus enquanto os outros o perseguem levando tochas.

Realizado pouco depois da histeria causada pelos assassinatos cometidos pela família Manson, que reverteu a nova era de paz e amor apregoada pela geração hippie, Lobisomens Sobre Rodas explora as sombras que eclipsavam a Era de Aquário, com seus assassinos seriais, guerras e violência. Conservador, como em geral são as produções exploitation, mostra o sexo de forma negativa, assim como modos de vida alternativos e práticas ocultistas. Refletindo de certo modo também a imagem passada tanto pelos arautos das seitas pagãs – como Szandor Anton LaVey da Igreja de Satã – e dos grupos de motoqueiros como Hells Angels (que pouco antes tinham se envolvido num crime de morte durante o concerto dos Rolling Stones em Altamont, registrado pelas câmeras dos irmãos Maysles para o filme Gimme Shelter/1970).

Confira o trailler dessa pérola do exploitation abaixo:

http://www.youtube.com/watch?v=nVe8SlUcr6I&NR=1

Antes tarde do que nunca!!! - Górgonas (2004)

2010-04-06T10:05:00.000-07:00

Com algum atraso, retomo as postagens. Algumas vezes, infelizmente, fica difícil manter a regularidade. Mesmo assim, antes tarde do que nunca! Vamos lá, então.

Gorgonas é um curta de animação argentino de 2004, que atualiza o mito grego com muita criatividade, graças ao trabalho do diretor Salvador Sanz. Não vou me deter, neste momento, no cinema argentino, de que sou fã (e tem dado um banho no que andam fazendo por aqui). Muito menos nos quadrinhos, que conheci há cerca de um ano atrás in loco, e quase causaram sobrepeso na minha bagagem. Mas é importante ressaltar o modo como Sanz uniu essas duas manifestações artísticas – que se complementam- com muita habilidade, utilizando o tema tirado da mitologia para discutir assuntos bem atuais, como a massificação e a música pop.

As górgonas, na história original, eram as irmãs Esteno, Euríale e Medusa, filhas de Fórcis e Ceto, que moravam nas proximidades do Hades (o Inferno dos gregos antigos). De acordo com o relatado, eram figuras monstruosas, com vasta cabeleira de serpentes e dentes agudos. Quem trocava olhares com essas beldades era petrificado. A mais feroz das três, Medusa, foi morta pelo heróico Perseu, como pode ser conferido no filme Fúria de Titãs (Clash of the Titans/1981), que tem como ponto alto as criaturas criadas pelo grande artífice dos efeitos especiais Ray Harryhausen. Anteriormente o monstro também foi tema da produção da Hammer Films A Górgona (The Gorgon/1964).

A animação de Sanz (que também desenha comics em sua terra natal) confere novo contexto ao mito. A trama desenvolvida com dinamismo começa em meio ao conflito. Um jovem gordinho se aproxima do prédio da faculdade de direito e ciências sociais de Buenos Aires armado com uma pistola e um espelho. Ele se esgueira por entre diversos corpos petrificados, alguns já despedaçados no chão. A ele se junta uma espadachim vesga, aparentemente com o mesmo objetivo ainda não explicado, mas já subentendido. Ao mesmo tempo, um grupo militar de elite desce de um helicóptero com armamento pesado, seguindo na mesma direção. Um flashback corta a narrativa, contando a origem da situação na qual mergulhamos: um trio de meninas que se lança na carreira musical, fazendo estrondoso sucesso no show business. Elevadas a categoria de mega-estrelas, contraem uma singular doença durante uma turnê, que faz com que se tornem seres medonhos semelhantes às górgonas da lenda. Com seus poderes, conseguem petrificar não só os que as vêem diretamente, mas também através dos aparelhos de tv. A conclusão você pode conferir abaixo, nos links que direcionam ao filme, dividido em duas partes no youtube.

O filme, bastante elaborado e com impecável trabalho gráfico, em alguns momentos traz à memória as narrativas da revista Heavy Metal, além – é claro – da influência do artista argentino Oesterheld, destacando o inigualável El Eternauta. Sua construção remete aos thrillers de suspense ambientados em universos fantásticos, com enquadramentos e efeitos de iluminação que reforçam a atmosfera lúgubre e ameaçadora.

Parte 1 - http://www.youtube.com/watch?v=S0Cv0N-Gycs

Parte 2 - http://www.youtube.com/watch?v=QbQG3siqRmg

Graveyard Alive: A Zombie Nurse in Love (2003)

2010-03-16T17:35:00.000-07:00

Em 1968 George A. Romero reinventou os zumbis em seu A Noite dos Mortos Vivos (The Night of the Living Dead). Desde então, foram em parte deixados de lado os velhos paradigmas que pontuavam a aparição dessas criaturas nos filmes de horror, atrelados a algum tipo de manifestação sobrenatural – no caso feitiços e vodus. A partir de então o zumbi se tornou sinônimo de contágio, da manifestação de algum tipo de praga ou degeneração da ciência humana através de experimentos mal sucedidos. Inspiração que o próprio Romero assume ter tirado do romance do escritor Richard Matheson “A Última Esperança da Terra”, em que uma pandemia transformou os habitantes do planeta em algo semelhante a vampiros. Obra que, adaptada para o cinema, rendeu três produções: Mortos que Matam (The Last Man on Earth /1964), A Última Esperança da Terra (The Omega Man /1971) e Eu sou a Lenda (I Am Legend /2007), respectivamente com Vincent Price, Charlton Heston e Will Smith como o sobrevivente Robert Neville (ou Morgan, no filme de 1964). O fato é que A Noite dos Mortos Vivos superou a idéia que o inspirou, gerando através das décadas seguintes uma proliferação de filmes de zumbis em todos os continentes, de forma amadora ou profissional, com vários níveis de orçamento. Por sua vez, os mais divertidos e criativos acabam sendo os que – de certo modo seguindo a cartilha do patriarca Romero – são produzidos de modo independente.

Dentre estes, chamou-me a atenção o criativo e bem humorado Graveyard Alive (2003) – título pomposo que tem menos a ver com o filme do que o subtítulo (este sim bem bolado e irresistível) A Zombie Nurse in Love.

Produção canadense dirigida por Elza Kephart, conta a história de Patsy Powers, uma enfermeira feiosa e desengonçada que alimenta secretamente uma paixão pelo Dr. Dox, o médico bonitão, popular entre as funcionárias do hospital. Deslocada em seu ambiente de trabalho, acaba mordida na mão por um paciente que é hospitalizado com uma doença degenerativa muito estranha. Rodado em preto e branco para parecer aquelas fitas B de ficção científica dos anos 1950, também conta com um apresentador que, à maneira de Criswell (astrólogo e canastrão que atuou nos filmes de Ed Wood), introduz o filme. A narrativa é folhetinesca, dividida em capítulos introduzidos por intertítulos espirituosos, que dão uma idéia do que vai acontecer no segmento seguinte (uma referência também aos antigos seriados do cinema).

Patsy, contaminada pela mordida, logo descobre estranhas mudanças no seu corpo. Sinais de rigor mortis aparecem, dificultando que movimente seus dedos, e sinais de decomposição surgem em sua pele. Também é arrebatada por um voraz apetite por carne humana, que começa a saciar nos cadáveres do necrotério do hospital, chegando a matar alguns pacientes desenganados para alimentar-se. O que faz com que sejam revertidas temporariamente as marcas da morte em seu corpo e desperte sua libido, aumentando o apetite sexual. Agora sedutora (um bom trabalho de caracterização da atriz Anne Day-Jones), chama a atenção do Dr. Dox (Karl Gerhardt) e os ciúmes da noiva do jovem médico, a enfermeira Goodie (a bela Samantha Slan), que sonha ser promovida a enfermeira-chefe. Esta descobre, nas anotações de um funcionário morto e devorado por Patsy (ex-médico russo expatriado), informações sobre a doença zumbi (no caso seria uma bactéria) e logo associa aos recentes acontecimentos no hospital e ao novo comportamento de sua rival.

Não é novidade para os freqüentadores do blog que estamos diante de um filme tosco, de baixíssimo orçamento e com inacreditáveis atuações (com exceção da intérprete da protagonista). O que só torna o filme mais saboroso. Elza Kephart soube com maestria utilizar essas dificuldades em seu favor, criando uma obra saborosa e com eficiente andamento. Parte disso graças ao roteiro bem amarrado que elaborou com Patrícia Gomez. Graveyard Alive é um daqueles raros momentos (tudo bem, posso estar até empolgado) no cinema atual em que o frescor das velhas produções de monstros e cientistas malucos dos tempos da brilhantina cruza com a picardia que encontrávamos na filmografia menos cotada do gênero na década de 1980 (Troma, Full Moon, etc.), sem muitas complicações dramáticas. Mas com um tempero e descontração bem atual. Só faltou um pouquinho de sacanagem.

Dentes, peitos e kung fu - Hammer Films - Parte 4.

2010-03-09T10:52:00.000-08:00

Terminando esse brevíssimo histórico da Hammer, no início dos anos 1970 as companhias inglesas – encabeçadas por ela e sua concorrente, Amicus – já estavam em declínio, mas ainda tinham algum fôlego. Ambas acabaram se perdendo em produções caça-níqueis que repetiam velhas fórmulas e não se adaptaram aos novos direcionamentos do público. A Hammer investiu no horror gótico até meados daquela década, produzindo, de modo semelhante à Universal, filmes em série com seus personagens principais, enquanto a audiência minguava.

A busca por reencontrar seu público, se adaptando aos novos tempos, resultou em uma série de tentativas fracassadas e desencontros. Enveredou pelo sexploitation, com um aumento considerável do sexo e da violência. Os decotes aumentaram e a nudez frontal feminina pronunciou-se. Vampirismo e lesbianismo entraram na ordem do dia, representados pela trilogia de filmes baseados no romance Carmilla, de Sheridan Le Fanu: The Vampire Lovers (1970), dirigido por Roy Ward Baker; Luxúria de Vampiros (Lust fora a vampire /1971) com a apetitosa dinamarquesa Yutte Stensgaard e, fechando a trilogia, o atmosférico As Filhas de Drácula (título brasileiro para Twins of Evil), dirigido por John Hough, do mesmo ano. Condessa Drácula (Countess Dracula, também de 1971) é outra tentativa dentro dessa linha, re-interpretando a história da notória Condessa Bathory, interpretada por Ingrid Pitt, a Carmilla de The Vampire Lovers.

A Hammer também tentou, infrutíferamente, adaptar seu personagem principal, o Conde Drácula, aos dias de hoje, transportando o velho vampiro para a swinging London do início dos anos 70 em Drácula no Mundo da Minissaia (Dracula A.D. 1972) e Os Satânicos Ritos de Drácula (Count Dracula and his vampire bride/1973), já comentado no blog. Iniciativa desencorajada pelo roteirista Anthony Hinds, que recusou-se a escrever a história e desaprovada pelo astro Christopher Lee, já descontente com os rumos que o personagem tomava.

O golpe definitivo para os vampiros da Hammer não foram as cruzes ou as estacas de madeira, mas o fracasso (mais um para acelerar a descida ao fundo do poço da companhia) da co-produção com uma empresa de Hong Kong – os Shaw Brothers - em que esperavam capitalizar o sucesso da recente onda de filmes de artes marciais popularizados no ocidente por Bruce Lee, unindo vampiros e lutadores de kung fu em The Legend of the Seven Golden Vampires ou The Seven Brothers Meet Dracula/1974. O filme traz pela última vez Peter Cushing como o caçador Van Helsing. Christopher Lee, que se recusava a interpretar novamente o conde vampiro para qualquer produção da Hammer, cedeu o papel para John Forbes-Robertson.

Restava para a companhia uma última cartada. Nos Estados Unidos um novo monstro alavancava as bilheterias usando o corpo de uma adolescente: o demônio. Com o sucesso de O Exorcista (1973) a Hammer se aventuraria a colocar também uma jovem no cerne de uma conspiração satânica em Uma Filha para o Diabo (To the Devil a Daughter /1976). Que já foi tema de uma postagem anterior.

O despertar do horror - Hammer Films - Parte 3

2010-02-26T06:04:00.000-08:00

Graças ao sucesso de Terror que Mata (The Quatermass Xperiment/1955) e sua sequência – Quatermass II: Enemy from Outer Space, a Hammer direcionou sua produção para os filmes de terror, revitalizando nas telas os monstros da Universal, iniciando com A Maldição de Frankenstein (The Curse of Frankenstein/1957) e O Vampiro da Noite (Dracula/1958). A grande diferença é que o horror antes sugerido, se tornara explícito. A utilização da cor foi fator decisivo, já que seu uso, ainda não tão comum nesse tipo de filme, mostrou-se bastante eficaz para realçar o impacto das cenas sangrentas e violentas, aumentando consideravelmente as chances nas bilheterias. E se existe uma cor que bem representa o conceito Hammer Horror, é o vermelho technicolor do sangue que passou a jorrar aos litros.

A Hammer fez escola a partir dessa revisão dos monstros da Universal. A Maldição de Frankenstein – maior renda do cinema britânico naquele ano ($7 milhões de dólares, sendo $3 milhões só nos Estados Unidos) - possui todos os elementos já conhecidos da história. O problema é que até hoje, nenhum filme sobre a criatura conseguiu se aproximar do filme de James Whale, com sua fotografia em branco-e-preto, cenografia de influência expressionista e uma criatura que se tornou ícone. A Maldição de Frankenstein, sucesso de público na Inglaterra e EUA (distribuído pela Warner), já mostrava as sementes de uma estética: mais dinamismo, violência explícita, mulheres insinuantes e erotismo. Tudo inserido em sets reproduzindo com material barato as aldeias e vilas da Europa Central do século XIX, com seus castelos, carruagens e tavernas. A diferença mais marcante no Frankenstein da Hammer foi a inversão de enfoque, priorizando o cientista e deixando a criatura em segundo plano.

O Vampiro da Noite (também conhecido como Horror de Drácula), por outro lado, é superior ao artificial Drácula de Tod Browning, e Christopher Lee, que encarnou o conde, mais aterrador e sensual do que poderia sugerir a inexpressiva figura de Bela Lugosi, com seus gestos artificiais. O Vampiro da Noite foi a consolidação financeira e de público da empresa, iniciando com A Maldição de Frankenstein o filão que fez do nome Hammer sinônimo de horror no mundo inteiro.

Diferente do filme de Browning, baseado em uma peça de teatro, o enfoque dado a O Vampiro da Noite é carregado de sexualidade. O Drácula de Christopher Lee encarna a própria maldade e perversão, ostentando lascivo grandes presas pontudas. Suas vítimas femininas, vestidas em corpetes decotados de onde ameaçavam saltar os seios fartos, morrem ofegantes em deleite durante a mordida fatal, numa personificação de eros e thanatos: o orgasmo na hora da morte. A produção foi realizada com a maior parte da equipe de técnicos e atores que trabalhou em A Maldição de Frankenstein, incluindo o roteirista Jimmy Sangster (que recorrera ao romance original de Bram Stoker, reduzindo bastante e modificando a história) e o diretor Terence Fisher. O ator Peter Cushing, que interpretou o caça-vampiros Van Helsing, repete com Lee a dupla antagônica do filme anterior (respectivamente o Barão Frankenstein e a criatura). Os dois se tornariam astros do cinema de horror graças a essa parceria que se repetiria muitas vezes depois. A antológica seqüência final (e que serviria de introdução para a continuação Drácula, o Príncipe das Trevas / Drácula: Prince of Darkness / 1966), em que Van Helsing persegue o vampiro pelos corredores e escadarias do castelo, terminando no embate onde o monstro é reduzido a cinzas pode ser considerado um dos marcos da história do cinema de horror.

Do fundo de quintal para o espaço - Hammer Films - Parte 2

2010-02-18T09:04:00.000-08:00

As verdadeiras origens da Hammer Films remontam a 1913, quando Enrique Carreras comprou seu primeiro cinema em Hammersmith, Londres, negócio que ele foi gradualmente ampliando, desenvolvendo uma rede de salas de exibição. Carreras fez sociedade com William Hinds, este último um homem de negócios no ramo das jóias, metido no teatro de variedades com o nome artístico de Will Hammer. Juntos estabeleceram em 1935 uma companhia distribuidora de filmes, a Exclusive Films Ltd., trabalhando com filmes baratos e de baixa qualidade. Após a Segunda Guerra, a Hammer - então subsidiária da Exclusive - incentivada a produzir filmes para suprir o mercado inglês, recebeu o impulso necessário para se reformular e tentar uma melhor posição no mercado. Foram produzidas várias fitas modestas, de curta duração, em sua maioria thrillers de ação, espionagem e ficção científica. Os programas de rádio ingleses da época também serviram de base para algumas produções.

Empresa de pequeno porte, a Hammer conheceu o sucesso comercial com algumas produções de ficção científica ainda nos anos 50, bem acima da média do que se fazia no período. A opção pela science-fiction explica-se facilmente, já que durante a década de 50 as audiências cada vez mais encontravam seu entretenimento diário na tv, forçando os cinemas a oferecerem mais pelo dinheiro pago pelos ingressos e reconquistar o público. Muitos cinemas viram-se, inclusive, obrigados a fechar as suas portas, reduzindo as bilheterias disponíveis, o que por sua vez diminuiu os rendimentos - as companhias inglesas se beneficiavam de um recebimento fixo estabelecido indiferente ao êxito das produções. Os filmes se tornaram mais longos e foram introduzidas inovações como o CinemaScope. Para conseguir ser sucesso internacional um filme necessitava, então, de astros de primeira grandeza - muito além dos recursos de uma pequena companhia como a Hammer - ou de algum aspecto de apelo extraordinário para compensar sua ausência. A Hammer, tendo à frente Michael Carreras e Anthony Hinds, encontrou esse último elemento com a ficção científica Terror que Mata ( The Quatermass Xperiment - com essa ortografia arranjada para enfatizar o "X"(*) que determina o certificado de filme somente para adultos). Terror que Mata (1955) foi o primeiro empreendimento da Hammer que veio a tornar-se um grande sucesso internacional, e não por coincidência, dentro do filão explorado pelo cinema americano de “ameaça alienígena”, de grande apelo popular. Com a diferença que tinha um argumento mais elaborado e assustador. Derivado de uma série que fez sucesso na tv em julho/agosto de 53, o filme dirigido por Val Guest narra a história do professor Quatermass, o homem que pôs no espaço o primeiro foguete britânico e investigava o desaparecimento de dois astronautas em seu retorno. O único sobrevivente era afetado por misteriosas mutações e lentamente sucumbia à força alienígena que o possuía e transformava em um monstro que terminava sendo eletrocutado nas proximidades da Abadia de Westminster. É importante deixar claro que, a princípio, a Hammer não tinha interesse em um gênero específico – mesmo o horror ao qual teria seu nome ligado para sempre - , mas sim em direcionar a produção para o que poderia render algum dinheiro.

(*) O certificado “X” foi criado pelos censores ingleses em 1951 para classificar os filmes que continham maior conteúdo de violência, sexo e/ou horror, substituindo ao antigos certificados “A” (“horrific in character”) e “H”, introduzido em 1937 e que significava, invariavelmente, proibição de veiculação.

Como um pequeno estúdio fundo de quintal revitalizou o horror – Hammer Films – Parte 1

2010-02-07T08:40:00.000-08:00

No final dos anos 50, com o cinema de horror norte americano preocupado com invasões alienígenas e monstros atômicos, os velhos monstros do passado em seus castelos e cenários lúgubres eram apenas uma lembrança de tempos menos atribulados. Ainda que não definitivamente sepultados, foram apartados da cena principal pelo esgotamento de uma produção que se repetia em seqüências cada vez menos inspiradas e se arrastou pela década de 1940. Os prolíferos monstros da Universal terminaram seus dias derrotados pelo próprio estúdio que os trouxe à luz, como coadjuvantes da dupla de comediantes Abbott e Costello (Abbott & Costello Meet Frankenstein/1948). Talvez por saudosismo (ou escapismo dos novos problemas que se configuravam em um cenário mundial cada vez mais complexo e ameaçador), um passo significativo foi dado para um reencontro com o horror gótico, com a liberação para a tv dos filmes de monstros da Universal. O programa Shock Theatre (1957) tornou-se, além de um exercício de nostalgia, um meio de familiarizar a nova audiência com os personagens clássicos e seu universo, incentivando uma leva de produções baratas para a telinha.

Essa revitalização, que também ocorria em outras partes do mundo (como o mexicano El Vampiro/1957, de Abel Salazar - tema de post anterior), teve como marco principal uma pequena companhia britânica. A Hammer Films viria tornar-se sinônimo de filme de horror e referência para o que seria feito durante os anos subseqüentes, passando de linha de produção ao conceito hammer horror. Isso em um país que, apesar de exportar seus monstros para o cinema americano, não tinha tradição nesse gênero cinematográfico. Grandes monstros da literatura, como Frankenstein, Dr. Jekyll e seu alter-ego Mr. Hyde, o Conde Drácula e o Homem Invisível, como nos lembra o autor Denis Gifford (Horror Movies, Hamlyn, 1976), são todos de origem inglesa, assim como boa parte dos mais importantes intérpretes do gênero que assombraram Hollywood nos anos 30 e 40: Boris Karloff, Colin Clive, Charles Laughton, Claude Rains, Basil Rathbone e Cedric Hardwicke. Isso sem falar que as Ilhas Britânicas foram o lar de Sherlock Holmes, Jack, o Estripador, dos ladrões de cadáveres Burke e Hare, dos castelos assombrados e dos espetáculos teatrais que exploravam a violência em seus melodramas bem ao gosto vitoriano. Mesmo assim, o horror continuava praticamente ignorado na filmografia local e somente os estúdios de Hollywood perceberam que ali estava o ambiente perfeito para suas produções góticas, recriando em seus sets as ruas enevoadas de Londres e as charnecas interioranas. É interessante ressaltar que quando o Drácula de Browning estreou na Inglaterra apavorando os censores, estimulou uma pequena produção que teve como ponto alto o filme No Silêncio da Noite (Dead of Night, 1945), dividido em histórias sobrenaturais (antevendo a série de produções de horror em episódios da rival da Hammer, Amicus) dirigidas por vários diretores, entre eles o brasileiro Alberto Cavalcanti.

O Anticristo (1974)

2010-01-29T10:19:00.000-08:00

Sempre foi uma prática comum no meio cinematográfico quando uma produção se torna sucesso nas bilheterias, a série de filmes que surgem na sua esteira servindo-se do mesmo assunto. A maior parte produções de baixo orçamento destinadas ao lucro fácil. Se Hollywood já replicava em infinitas variações sobre o mesmo tema o que via como lucrativo ou em voga (como os filmes de ficção científica e monstros dos anos 1950), esse procedimento teve período áureo na Europa na década de 1960 com os westerns spaghettis italianos, que se apropriaram da linguagem de um gênero em declínio nos Estados Unidos e a remodelaram aos padrões europeus, conferindo-lhe um caráter próprio. Com o estabelecimento do conceito de “filmes arrasa-quarteirão” na década de 1970 (contraditoriamente firmados pelos diretores da Nova Hollywood*), os europeus – notadamente os italianos – viram novos campos a explorar, como o horror com o qual tinham familiaridade pelo trabalho de pioneiros como Mario Bava e a série de giallos. Algumas dessas produções caça-níqueis acabaram se tornando interessantes graças ao caráter regional e aos artifícios utilizados para compensar os baixos recursos investidos, não raramente com bastante criatividade pelos responsáveis. É o caso de O Anticristo (L’Anticristo, 1974) de Alberto de Martino, filho bastardo de O Exorcista (1973) com O Bebê de Rosemary (1968), em que se repete, sem nenhuma cerimônia, as cenas de possessão (a levitação, o vômito verde, etc.) e a idéia de uma mulher gerando o filho de Satanás, com maior ênfase na exploração de cenas de nudez e utilização de efeitos especiais grosseiros.

No filme, Hypólita (Carla Gravina) é uma jovem paralítica devido a um acidente automobilístico causado por seu pai (o ator Mel Ferrer), um alto dignitário do Vaticano. Após várias tentativas de cura, inclusive em um centro de peregrinação – cena inicial bastante sugestiva, principalmente pelos endemoniados -, Hypólita cai nas mãos de um psiquiatra. Este crê que a paralisia é, na verdade, um bloqueio, e que suas raízes estariam em vidas passadas. Após uma sessão de regressão, a moça descobre ter sido uma bruxa acusada de heresia e queimada 400 anos atrás. Aos poucos, a consciência da feiticeira vai dominando a personalidade de Hypólita. Descobrimos que antes de ser queimada, ela tivera relações com o diabo em um sabá, e levava no ventre a sua semente. Essa seqüência - obviamente inspirada em O Bebê de Rosemary - é o ponto alto do filme, explorando a nudez e o sexo. Bem alegórica visualmente, mostra com extravagância os bruxos e bruxas participando de uma orgia na floresta enquanto Carla Gravina, nua e de peruca loura, é colocada no altar de sacrifícios. Ali é consagrada e possuída pelo demônio, sob o olhar observador de um bode. Ficamos então sabendo que Hypólita, assim como sua personalidade antecessora, estava grávida e seu filho se tornaria o Anticristo. Daí em diante a moça começa a apresentar sinais de possessão e seu tio (o veterano Arthur Kennedy), um bispo da igreja que tenta, sem efeito, exorcizá-la.

Discordo de Nikolas Schrek que, em seu livro “The Satanic Screen” considera O Anticristo o melhor imitador de O Exorcista. Na verdade, o filme de Martino vai além, conseguindo ganhar pernas próprias e até alguma originalidade a despeito da intenção da produção e da imitação descarada em determinados momentos, como os de possessão em que todos os clichês do filme de Friedkin são utilizados. A força de O Anticristo está em fugir da nova tendência de colocar o horror como um intruso na vida contemporânea e em locações como a Nova Iorque dos anos 1970. Mas ao contrário, trazer para a Roma de então pavores ancestrais, que remontam à Idade Média, com todo o peso do catolicismo em oposição, flertando com o gótico na ambientação e retomando valores desprezados do horror clássico.

(*) Sobre isso vale a leitura do livro recém lançado – antes tarde do que nunca - “Como a Geração Sexo-Drogas-Rock and Roll Salvou Hollywood”, de Peter Biskind (Editora Intrínseca).

Uma Filha para o Diabo (1976)

2010-01-21T09:20:00.000-08:00

Voltando das férias, retomo as postagens com mais uma pérola da Hammer.

Por mais recorrente que fosse a presença de Satã nas telas desde os primórdios do cinema, foi na década de 1960 que o príncipe das trevas se tornou astro de primeira grandeza graças, em um primeiro momento, ao filme de Roman Polanski baseado no romance de Ira Levi O Bebê de Rosemary (Rosemary’s Baby /1968) e posteriormente ao blockbuster O Exorcista (The Exorcist /1973), de William Friedkin. Resultado de uma onda de pessimismo que começava a abalar as bases da Era de Aquário e da geração das flores. Contraditoriamente ao pregado pelos arautos do movimento hippie, de um reinado de paz e amor na terra, asdécadas de 1960-70 foram das mais violentas da história norte-americana, com o recrudescimento da Guerra do Vietnã, massacres infligidos pelas forças policiais contra manifestantes nas universidades e crimes violentos como os assassinatos de JFK, Martin Luther King, Sharon Tate e o início da onda de mortes atribuídas ao Zodíaco. Também novas formas de religiões e seitas surgiram com o apelo da “nova era”, ressucitando antigos ritos pagãos – como a Wicca - , ordens místicas – notadamente as fundadas por Blavatski e Crowley – e até mesmo elegendo um templo próprio para a adoração do demônio, como a Igreja de Satã de Szandor LaVey, fundada em 1966 em São Francisco (claro), capital do movimento hippie. Esta última liderava o movimento satanista, regado a incenso, sexo e drogas psicodélicas.

A britânica Hammer, vendo cada vez mais iminente seu “canto do cisne”, já que as últimas tentativas de capitalizar os novos modismo (como o kung fu em The Legend of the Seven Golden Vampires – 1974) não deram o resultado esperado, resolveu também fazer a sua fezinha no chifrudo (em alta graças ao filme de Friedkin) com Uma Filha para o Diabo (To the Devil a Daughter / 1976).

Novamente recorreram ao prolífero escritor Dennis Wheatley, figura importante para a popularização do satanismo no século XX através de seus romances. O estúdio inglês já colocara seu romance The Devil Rides Out, de 1935 (para o qual o autor se encontrou pessoalmente com Montague Summers e Aleister Crowley), nas telas em uma produção homônima (1968) com Christopher Lee no papel de um ocultista do bem (recaída?) enfrentando o diabólico bruxo Mocata (inspirado no mago de Thelema).

Também de autoria de Wheatley, Uma Filha para o Diabo, traz Christopher Lee como o ex-padre Michael Rayner, excomungado por heresia, que lidera uma ordem nos moldes da igreja católica devotada ao demônio Astaroth. Contra ele se interpõe o escritor de livros ocultistas John Verney (o ator norte-americano Richard Widmark), disposto a resgatar das mãos do satanista a jovem Catherine Beddows (a bela Nastassja Kinski, com 15 anos), destinada a ser o veículo do renascimento de Astaroth.

Filme que demorou para decolar por vários percalços, inclusive financeiros, acabou não sendo a redenção da Hammer. Dirigida por Peter Sykes e com elenco respeitável (além de Lee e Widmark, contava com Denholm Elliot e a bondgirl Honor Blackman) e produção competente, não consegue se aproximar da auteticidade de The Devil Rides Out. Isso a despeito da boa história de Wheatley, que tem seus momentos e da atmosfera “tão anos setenta”. Certamente pela direção frouxa de Sykes, evidente na falta de ritmo da narrativa e equívocos como o bebê demônio de borracha pintado de vermelho destruindo a assustadora cena de parto – a mais forte do filme - onde uma mulher dá à luz de forma traumática, assistida pelos satanistas. O anticlimático final, embate definitivo entre os fortes personagens de Lee e Widmark , coroa esses tropeços, deixando dúvidas se o filme realmente teria terminado. Apesar disso, as qualidades inerentes da obra (os fatores que contribuíram para a sua realização, determinadas seqüências, etc.) fazem valer a pena dar uma atenta olhada em Uma Filha para o Diabo. Com destaque para a primeira nudez frontal de Nastassja Kinski nas telas.

The Adult Version of Dr.Jekyll and Mr. Hyde (1972)

2009-12-21T15:35:00.000-08:00

Fazendo um balanço da trajetória do blog desde o início, fico feliz em constatar que alcancei, neste 2009 que finda, minha meta de postagens regulares. Salvo alguma viagem ou compromisso profissional, semanalmente atualizei o Cinema Poeira. Compromisso que pretendo honrar no ano que se inicia dentro de poucos dias. Desejo a todos os amigos do blog um feliz natal e um ótimo 2010 pleno de realizações, aproveitando para anunciar um recesso para férias, estando suspensas as postagens até 20 de janeiro. Até lá! E nada melhor para encerrar o ano do que falar um pouco do filme que considero um dos melhores sexploitation da década de 1970.

Essa linha de filmes, no início daquela década (período que testemunhou a liberação da pornografia nas telas com Garganta Profunda) ousava cada vez mais na simulação do ato sexual, deixando de lado, em grande parte deles, apenas a penetração e ejaculação explícitas. Seus produtores tentavam manter o interesse do público quando a concorrência se tornava perigosa. Afinal, seu mercado sempre esteve atrelado ao fato de exibirem o que não podia ser mostrado. Porém, a crescente caminhada rumo ao sexo explícito, a abordagem de temas mais polêmicos e maior exploração de nudez no cinema convencional ameaçavam seriamente a sua sobrevivência.

The Adult Version of Dr. Jekyll & Mr. Hyde, produzido pelo lendário David Friedman e dirigido por Byron Mabe em 1972, é um bom exemplo deste período de transição. O sexo novamente se encontra com o horror na versão quase hardcore da história clássica de Robert Louis Stevenson, “O Médico e o Monstro”.

A introdução do filme é uma longa cena de sexo simulado entre o médico da trama, o Dr. Chris Leeder (Jack Buddliner), e sua enfermeira, Debby (Rene Bond, uma das mais atuantes atrizes do cinema sexploitation dos anos 60 e do hardcore do início da década seguinte, aparecendo em cerca de trezentos filmes e loops). São bem sugestivos os movimentos corporais de cópula, mostrando os corpos nus entrelaçados, sem nenhum embaraço na exibição da nudez frontal dos protagonistas. O que se perpetua durante todo o filme, faltando apenas o detalhe da penetração para romper a tênue barreira que o separa do hardcore.

Ao visitar uma loja de antiguidades com sua noiva, Cynthia, o Dr. Leeder (que nutre pela moça um interesse puramente financeiro) descobre o livro de anotações do notório Dr. Jekyll. Disposto a conseguir tão raro objeto, Leeder retorna à loja mais tarde, estrangulando o proprietário diante de sua recusa em vender-lhe o livro.

O médico torna-se obcecado pela história de Jekyll e seu perverso alter ego, Mr. Hyde. Alguns de seus crimes são mostrados em flash back, o mesmo Buddliner interpretando Hyde, exageradamente caracterizado como maníaco sexual, percorrendo, de cartola, capa e bengala, as ruas de uma nada convincente Londres vitoriana. Em um deles, a vítima é uma prostituta. Hyde chicoteia brutalmente a mulher, deixando marcas por todo o corpo. Logo em seguida amarra a mulher na cama e passa a acariciá-la, evidenciando a submissão da prostituta aos seus desejos antes de seu brutal assassinato.

Leeder acaba preparando a famosa poção, seguindo as instruções contidas no livro de Jekyll. Após a dolorosa transformação, algo parece ter dado errado: no lugar de uma cruel versão de si mesmo, o médico transforma-se – nítida inspiração no filme da Hammer O Médico e a Irmã Monstro (Dr. Jekyll and Sister Hyde, 1971) – em uma sedutora mulher. Miss Hyde (Jane Tsentas) surge de modo irreverente, com seus grandes seios rompendo a camisa de Leeder. Miss Hyde é uma perigosa ninfomaníaca, tão letal quanto seria seu correspondente masculino. Ela protagoniza a cena considerada a mais infame do filme, ao castrar um marinheiro que seduz em um bar, após ele satisfazê-la em um beco escuro.

The Adult Version of Dr, Jekyll and Mr. Hyde é cinema sexploitation em sua melhor forma, e, apesar de seu baixo orçamento, precariedade narrativa e deficiências técnicas, se mantém como um dos poucos filmes que conseguiram juntar horror e sexo, rompendo os seus limites. De certa forma, em muito lembra grande parte dos filmes pornôs do início dos anos 70, com cenas de sexo intensas amarradas por histórias sem grandes pretensões, mas repletas de criatividade. De qualquer forma, não interessa procurar grandes significados em The Adult Version of Dr, Jekyll and Mr, Hyde. Basicamente, o que importa nesta produção é o sexo e a violência, fatores que o tornaram representativo dentro do gênero.

Love Camp 7 (1968): pioneiro do nazi-exploitation.

2009-12-15T16:12:00.000-08:00

Um dos mais notórios e bem sucedidos sexploitation de 1968 foi um filme que começava com um aviso: “Você não vai viver o suficiente para se esquecer dos eventos que irá testemunhar e experimentar em Love Camp 7”.

Fruto da parceria entre o produtor Robert Cresse e o diretor Robert Lee Frost – um expert em cenas de sadismo -, Love Camp 7 pode ser considerado o principal precursor do que viria a ser a vertente do nazi-exploitation, ou seja, filmes que se utilizavam do estereótipo dos nazistas pervertidos e sádicos sexuais para explorar as mais sórdidas formas de degradação humana. Na verdade, a essência do nazi-exploitation é o fetichismo e as relações sadomasoquistas entre dominantes e dominados, sendo os infames campos de concentração nazistas o cenário ideal para o desenrolar de suas tramas.

Em Love Camp 7, duas jovens tenentes americanas se oferecem como voluntárias para tentar resgatar uma cientista judia aprisionada em um campo de concentração feminino. O local, porém, tinha uma característica peculiar: fazia parte de uma categoria de campos onde as prisioneiras se prostituíam para os soldados e oficiais alemães. Logo ao chegar, são avisadas de sua insignificância e de que, a partir daquele momento, seus corpos e mentes pertenciam ao terceiro reich. O filme passa, então, ao seu propósito principal, utilizando como pano de fundo um período trágico da história da humanidade para exibir a nudez – inclusive frontal - das mulheres cativas e toda uma série de torturas sexuais, em geral infligidas pelo sádico comandante do campo (o próprio diretor Frost). As técnicas de tortura são bastante convincentes, a começar pelo desnudamento forçado, para constranger e evidenciar a situação indefesa das prisioneiras, passando pelo brutal exame ginecológico realizado por uma médica hostil e masculinizada sobre a mesa do comandante. O fetichismo do vestuário nazista (principalmente os uniformes negros dos esquadrões SS) começa a ser utilizado, em sintonia com a crescente estetização do sadomasoquismo nessa linha de filmes. Um exemplo claro da exploração dessa tendência é quando uma prisioneira, tendo quebradas as suas resistências sob tortura, é obrigada a lustrar com a língua o coturno do oficial em comando. A visão dos corpos de mulheres com as marcas da violência (vergões vermelhos dos açoites) também é bastante sugestiva. Contudo, Love Camp 7 ainda é tímido ao não apresentar, mesmo sugestivamente, mutilações, resultados de experiências médicas (elas são citadas de passagem) e torturas mais explícitas como introduções de objetos, utilização de instrumentos como ferros em brasa, alicates, etc. Mas não demoraria muito para isso acontecer. Afinal, o nazi-exploitation estava apenas começando.

Para saber mais, texto de minha autoria:

"Sexo, suástica e sadismo: nazi-exploitation". Estudos Socine de Cinema, ano IV. São Paulo: Editora Panorama, 2003.

Quem tem medo de fantasma? - Umas palavrinhas sobre Atividade Paranormal.

2009-12-07T07:31:00.000-08:00

Em tempos de Atividade Paranormal, (Paranormal Activity) produção de horror e fenômeno de marketing alardeado como sucessor da Bruxa de Blair (The Blair Witch Project /1999) que tem lá seus momentos (afinal, que não fica aterrorizado com a idéia de ser assombrado e perseguido por uma entidade sobrenatural hostil?) e termina mal resolvido, algumas coisas devem ser relevadas. Em primeiro lugar, como sabemos, fantasmas não são novidade nas telas. Sendo que na década de 60 foram produzidos os dois mais emblemáticos filmes sobre casas mal assombradas e atividades paranormais, que rapidamente citei anteriormente quando fiz minha postagem sobre A Casa da Noite Eterna (The Legend of Hell House / 1973). São Os Inocentes (The Innocents/1961) e Desafio do Além (The Haunting/1963). Ambos adaptados de sofisticadas e ambíguas obras originais: Os Inocentes de A Volta Do Parafuso, de Henry James e Desafio do Além de A Assombração Da Casa Da Colina, de Shirley Jackson.

As duas produções - bem distintas uma da outra - apresentam alguns pontos em comum. Um deles é o fato de que tanto Jack Clayton em Os Inocentes, quanto Robert Wise em Desafio do Além, enfatizam através de uma construção psicológica bastante apurada,a repressão sexual dos personagens que, em parte, se converteria nos fantasmas que os assombravam. Outro aspecto comum é a discrição em revelar os fantasmas. Ficamos o tempo todo na dúvida se realmente há algum ou se estamos testemunhando projeções de mentes confusas e problemáticas. Também nas duas realizações foi cuidadosamente construída uma apreensiva atmosfera, pesada e obscura, onde realmente um fantasma gostaria de perambular.

Talvez o que falte às novas produções - essa ambigüidade envolvendo as manifestações sobrenaturais, a caracterização psicológica mais aprofundada dos personagens e o saber como contar uma boa história - seja compensado pelo o atrativo que esse formato de falso documentário exerce sobre o público (aí incluída a geração you tube), que pode se sentir mais próximo do retratado por uma aparente imersão na “vida real”. O que é reforçado pelo caráter independente, o evidente baixo orçamento e a cara de pau na simulação de tomadas domésticas, sustentadas por um cast de desconhecidos. Estes colocados em situações cotidianas que criam uma crescente atmosfera de medo pontuada por sustos e relação forte com as expectativas do espectador acerca do registro e constatação de vida após a morte. As mesmas expectativas – nunca realmente satisfeitas, diga-se de passagem - excitadas pelas supostas fotos espíritas ou filmagens em que surgem vultos ou luzes misteriosas. No que Atividade Paranormal é bem sucedido ao trazer para bem perto esse universo de confronto com o desconhecido, com o mundo invisível que nos cerca – de acordo com as teorias espíritas – e sua interação nem sempre bem vinda com os vivos. Dentro dessa premissa, ainda que possamos ligar Atividade Paranormal a filmes como A Bruxa de Blair (ou o menos conhecido O Mistério de St. Francisville/The St. Francisville Experiment - 2000) pelo modelo como são feitas as tomadas, vejo como a grande fonte de inspiração temática outro tipo de documentário, mais tradicional no formato, que pode ser visto há alguns anos em canais por assinatura. Como Ghost Hunters do Sci-Fi Channel e, notadamente, Assombrações (A Haunting), série exibida no Discovery Channel onde pessoas comuns são envolvidas em situações assustadoras ocasionadas por entidades maléficas, iniciada em 2002 com o aterrorizante docudrama Assombrações em Connecticut (A Haunting in Connecticut). Muito mais eficiente do que a produção recente Evocando Espíritos (The Haunting in Connecticut / 2009) sobre o mesmo caso.

I'll see you in my dreams - zumbis portugueses com certeza!

2009-11-26T09:49:00.000-08:00

Não faz muito tempo que comprei o DVD importado Small Gauge Trauma contendo uma coletânea de curtas de horror de diversos países, dentre eles o premiado Amor só de mãe, do Dennison Ramalho. Dentre todos, o que mais chamou minha atenção foi uma produção portuguesa com o estranho título em inglês I’ll see you in my dreams. Curioso, principalmente pela escassez de filmes do gênero na terra de Camões. O único que me vem à memória é o soturno e ótimo Coisa Ruim (2006) de Tiago Guedes e Frederico Serra, recentemente exibido por um canal de TV por assinatura que não me recordo.

I’ll see you in my dreams é mais antigo, dirigido por Miguel Angel Vivas em 2003, premiado no Fantasporto e constantemente referido como “o primeiro filme de horror português” – algo que não confirmo por falta de maior conhecimento da cinematografia lusitana.

O curta reforça a influência de Romero e dos filmes de zumbis (olha eles aí de novo!!!!) na nova geração de cineastas. Tanto que nos créditos é incluído um agradecimento formal não só ao diretor de A Noite dos Mortos Vivos como a Lucio Fulci, Peter Jackson e Sam Raimi. A história se passa em uma aldeia assolada por uma praga inexplicável que faz os mortos vagarem pelo local atacando e comendo os vivos. O único com coragem para enfrentá-los é um trabalhador rural, meu xará, que armado elimina os que encontra pela frente. Como pode ser visto na seqüência de abertura passada em um bosque. Lúcio acaba se envolvendo com Nancy, a garçonete da taverna local, onde os estranhos e desanimados moradores se reúnem. Ele leva a jovem para casa onde esconde um terrível segredo: sua mulher fora afetada pela praga e transformada em zumbi, sendo mantida cativa. Justamente naquela noite, enquanto tira o atraso com Nancy, a esposa faminta se liberta e desencadeia uma seqüência de horrores.

I’ll see you in my dreams (título também da música tema, a cargo da banda de heavy metal portuguesa Moonspell) é bastante eficiente em sua proposta de unir humor negro como horror, concretizada pelas cenas de sangue-e-tripas realizadas com bastante apuro técnico e o ótimo trabalho de maquiagem dos zumbis. A produção também tem o mérito de conseguir desenvolver uma trama bem consistente e dinâmica em seus parcos vinte minutos, com trabalho de fotografia exemplar e enquadramentos instigantes, tendo potencial para ser ampliado para o formato longametragem. Afinal, fica devendo maior aprofundamento na história do vilarejo, da praga zumbi e dos personagens, notadamente os principais: o caçador de mortos Lúcio, sua mulher Ana e a amante Nancy, defendidos respectivamente com garra pelos atores Adelino Tavares, Sofia Aparício e São José Correia (também achei estranho, mas é o nome da moça, que se vai fazer?). Prepare-se para a seqüência final, aterrorizante.

Assista ao trailler:

http://www.youtube.com/watch?v=PPK6nk5Jj5E

Veja o videoclip do Moonspell com a música título:

http://www.youtube.com/watch?v=Z_RdYmK90O0

A palavra é "Zumbi"...

2009-11-18T07:05:00.000-08:00

Sem dúvida nenhuma, um dos temas mais queridos e recorrentes do cinema de horror são os zumbis. Vou tentar divagar um pouco sobre o assunto, já que vem crescendo – principalmente na produção independente realizada por jovens cineastas – o número de filmes que versam sobre esses mortos insepultos que vagam sedentos por carne humana.

A palavra zumbi vem do quimbundo nzumbi (fantasma, espectro) e acabou ligada à religião haitiana, relacionada à idéia – recorrente em várias culturas e tradições – de um morto se erguer da sepultura. Ao que tudo indica, o vodu desenvolveu-se primeiro no Haiti entre os escravos que trabalhavam nos canaviais e incorporaram aos seus deuses nativos aspectos da religião dos senhores. Os sacerdotes vodu teriam entre suas aptidões o poder de ressuscitar os mortos, que como cadáveres animados, seriam destinados à servidão. Acredito que a origem do zumbi como personagem de histórias de terror se deve ao estranhamento em relação a essa idéia e ao seu caráter espetacular. Mortos redivivos vagando pela noite e assombrando os vivos, convenhamos, foge ao âmbito das coisas ordinárias às quais estamos familiarizados e são bastante assustadores. Principalmente quando existe uma demarcação muito forte entre os mundos dos vivos e mortos e é sobre o rompimento dessas fronteiras que gira a maior parte da ficção de horror. Portanto, o zumbi é a criatura que mais profundamente lida com o tabu da morte, mais do que os fantasmas incorpóreos ou os românticos vampiros - que também estão mortos, mas não possuem a mesma dimensão em aspectos corporais e afinidade com nossos medos ancestrais. Esse personagem ganhou mais tempero graças aos preconceitos de viajantes que, com sua visão colonialista, descreveram o Haiti como local de sangrentos rituais de magia negra, orgias selvagens e mortos reanimados. O que acabou reforçado pelas superstição, sem falar na indústria de turismo e estrutura de poder haitiana. Vale lembrar que a ditadura Duvalier se utilizava das crenças religiosas locais como um dos sustentáculos de seu regime. E foi o cinema que deu maior dimensão ao zumbi e o redirecionou, desde as primeiras décadas do século XX, em filmes como Zumbi Branco (White Zombie/1932), com Bela Lugosi revivendo os mortos para trabalharem em sua plantação e as produções de Val Lewton para a RKO, iniciadas com I Walked with a Zombie (1943).

Posteriormente, em termos de fidelidade ao tema, sem dúvida George Romero é o grande exemplo. E isso apesar de ter rodado até agora apenas cinco filmes sobre zumbis. Não só o mais assíduo, como também o mais influente, responsável por retirar do tema qualquer conotação mística ou relação com o vodu, e atrelando seus mortos-vivos aos problemas da sociedade contemporânea. Romero foi numa direção bastante diferente ao não se preocupar com explicações para seus zumbis. Fruto ou não de radiação de algum artefato espacial, para ele o importante são os conflitos desencadeados entre aqueles que se deparam com a situação – a reação humana. Por isso mesmo os mortos dos filmes de Romero são desconfortavelmente comuns, vestindo as roupas que usavam em vida, com as marcas da morte explícitas nos corpos e guiados pelo instinto de saciar seu apetite por carne humana. George Romero inaugurou, com A Noite dos Mortos Vivos (The Night of the Living Dead / 1968) a era do zumbi canibal, lançando as bases que renovariam o gênero daí em diante. Permanece fiel ao assunto até hoje, já com outra seqüência - o último foi o ótimo Diário dos Mortos (Diary of the Dead / 2007) – em andamento. Diferente de outros realizadores que utilizaram a mesma temática em produções esparsas dentro de suas filmografias ou de ciclos específicos. Como foi o caso dos filmes de zumbis feitos na Europa, um dos mais prolíferos filões, com os filmes de Jorge Grau, a saga dos “mortos-sem-olhos” de Amando de Ossorio, entre outros. Com destaque para a obra do italiano Lucio Fulci, certamente quem mais se inspirou em Romero com Zombi 2 (1979), assim denominado para capitalizar em cima do sucesso de O Despertar dos Mortos ( Dawn of the Dead que na Itália se chamou Zombi). Seguiram-se Pânico na Cidade dos Zumbis (Paura Nella Cittá dei Morti Viventi /1980), Terror nas Trevas (L’Aldilà... e Tu Vivrai Nel Terrore /1981), e Terror nas Trevas (Quella Villa Accanto al Cimitero / 1981), resgatando o caráter sobrenatural. Grande parte dos filmes de zumbi feitos lá fora, principalmente os realizados a partir do final da década de 1970, foram lançados em VHS por diversas empresas, algumas de caráter bem duvidoso. Ainda que com distribuição precária, serviram de inspiração para uma geração de aficionados do horror pelos extremos gráficos a que chegavam. Gente sendo comida viva pelos zumbis, entranhas expostas, sangue... E alguns deles, por esse caráter radical, resolveram experimentar em suas próprias produções fundo-de-quintal, já nos anos 90, momento em que câmeras já estavam bem acessíveis. É o caso do pioneiro Petter Baiestorf com seu Zombio, se não a primeira, a mais interessante produção sobre o tema até então. Além disso, zumbis são bastante populares, tornando-se personagens recorrentes também nos quadrinhos e em vídeo games como House of Dead e Resident Evil – grandes referências para a nova leva de realizadores em vídeo.

Na minha opinião, o citado Zombio (1999) é um dos mais interessantes filmes de zumbis realizados no Brasil. Escrito e dirigido pelo catarinense Petter Baiestorf, é uma homenagem às produções sobre o assunto, especialmente os de Fulci. Repleto de referências ao cinema B de horror e ficção científica, o longa-metragem narra a história de um casal que resolve acampar numa ilha e é atacado por um grupo de mortos canibais. Outro que merece ser colocado em evidência é o curta Crônicas de um Zumbi Adolescente (2002), de André ZP, que parece aqueles filmes de adolescentes que se tornam monstros feitos nos anos 50 (na linha I was a Teenage Werewolf). Rodado em preto-e-branco, trata do fracassado Zeca que volta da sepultura como um cadáver repugnante que tenta se integrar novamente na rotina. Mais recentemente posso citar outro curta, a comédia de horror Minha Esposa é um Zumbi (2006), de Joel Caetano - cineasta que vem se revelando, junto aos seus companheiros da Recurso Zero Produções - e os recém-vistos e bem elaborados Era dos Mortos (2007), de Rodrigo Brandão, Capital dos Mortos (2007), de Tiago Belotti e Mangue Negro (2008), de Rodrigo Aragão.

A noite das taras do rei da pornochanchada.

2009-11-10T15:04:00.000-08:00

David Cardoso não é só um cara esperto, mas corajoso também. Tanto que trocou uma promissora e segura carreira como galã de telenovelas pelas incertezas de abrir uma produtora para atuar na instável cena cinematográfica brasileira e se tornar “o rei da pornochanchada”. O resultado foi a DaCar, certamente a mais rentável companhia que enveredou na linha de filmes eróticos com Caçada Sangrenta (1976) e atravessou a melhor fase da Boca do Lixo, até meados da década de 1980 quando se rendeu aos filmes de sexo explícito. Cercado de talentosos colaboradores, esmero técnico e principalmente mulheres bonitas, Cardoso não só conseguiu invejosas cifras nas bilheterias, como também foi responsável por algumas obras bastante singulares, não só pela ousadia, mas pelos temas abordados. Dessa filmografia, destacam-se os filmes divididos em dois ou três episódios. Ainda que irregulares, unem o tino comercial de oferecer ao público na mesma sessão mais de uma história, a exemplo das famosas sessões duplas, com a interessante premissa de multiplicar o número de produções, investindo em filmes de menor duração e por sua vez com um ritmo narrativo mais ágil. O que propiciava agilidade em ter novos títulos no circuito, rendimentos mais rápidos e um mercado de trabalho maior para os atores e técnicos envolvidos. Como e se isso efetivamente se realizou, é outra história. Também são significativos exercícios de gêneros cinematográficos, o que era praticamente impensável no que era realizado pelas “castas superiores” de nosso cinema. Se essas produções da DaCar – como a pornochanchada em geral – perpetuam a grande contradição do exploitation, a visão conservadora de que o sexo leva à perdição, velada na exibição gratuita de nudez e sexo - evidentes chamarizes para um público ávido por sacanagem -, também celebram um cinema corajoso, de iniciativas e independência que não só merecem, como precisam tomar seu lugar na história do audiovisual brasileiro.

A Noite das Taras (1980) é a primeira produção dessa leva, como também a mais bem amarrada, o que é feito através dos personagens principais: três marinheiros de folga na noite paulistana, elos de ligação entre as histórias que formatam o longametragem. O filme começa com cenas no porto de Santos, quando os três marujos desembarcam, animados pelas perspectivas da licença, e rumam para São Pualo.

A narrativa inicial, A Carta de Érico, é dirigida por John Doo. Uma jovem (Patrícia Scalvi) busca coragem para se suicidar no luxuoso apartamento onde vive. Acaba no banheiro onde, nua, decide que o melhor meio seria cortando os pulsos com uma navalha. É interrompida pelo primeiro marinheiro (Arlindo Barreto), que chega com uma carta a ela endereçada por um misterioso personagem, Érico. Este insistira com o marinheiro em uma viela escura de Porto Alegre da importância da carta ser entregue em mãos, pois teria importante papel na vida da destinatária. Confusa por não conhecer nenhum Érico nem nunca ter ido à Porto Alegre, a jovem deixa o marinheiro sozinho e volta ao banheiro sem abrir a carta, com a intenção de completar o serviço. Guiado pelas lembranças de seu encontro com o sinistro Érico, o rapaz acaba impedindo o suicídio. Ele a tira da banheira, dá-lhe uns tapas e logo começam a se beijar, entregando-se a uma longa seqüência de sexo. Por fim, de alma lavada resolve ler a carta que, para surpresa de ambos, estava vazia. Concluem assombrados que o estranho tinha na intenção de enviar o marinheiro para salvá-la. O episódio termina com o plano de uma sepultura, com o nome “Érico” gravado. A temática de fundo sobrenatural ou bizarro, ao que parece, era de gosto do roteirista Fraga, pois é recorrente em outras produções da DaCar, como o episódio O Gafanhoto, de Pornô (1981); ou mesmo o pasteleiro serial killer de Aqui, Tarados! (1980).

O segmento seguinte, Peixe Fora d’Água, dirigido por David Cardoso, é uma incursão no noir, sendo interessante ver como seus elementos são bem trabalhados por Fraga e adaptados para o universo da pornochanchada. Na verdade, trata-se de uma nova roupagem para a batida trama da mulher fatal que encontra um otário para servir de bode expiatório para seus planos criminosos. Trata do segundo marujo (Arthur Rovedeer), que perambula pela noite paulistana e desavisado, acaba numa boite homossexual. Não percebe estar sendo seguido por uma mulher (Matilde Mastrangi, fabulosa) e seus capangas. Dois destes puxam briga com o rapaz, que acaba apanhando e sendo jogado na rua. É socorrido pela mulher, que o leva para um hotel e seduz, dando início a uma seqüência de jogos sexuais. Enquanto isso, em outra sala, os três capangas aguardam, jogando cartas, já dando a entender que o marinheiro estava sendo vítima de uma trama em andamento. Após a calorosa seqüência de sexo – provavelmente a mais intensa cena de sexo anal simulado do cinema não explícito -, ela revela ao amante casual seu plano: precisa de ajuda para recuperar suas jóias na casa do ex-marido, tarefa pela qual seria bem recompensado. Simulariam um assalto e como ele não era da cidade e partiria no dia seguinte, não só seria difícil associá-lo a ela, como identificá-lo. Relutante, aceita, seguindo com a mulher e seus capangas para o local onde se efetivaria o crime. Lá chegando, os bandidos matam os empregados, enquanto ela e o marinheiro seguem para o quarto do dono da casa. Ao vê-los, o homem grita impropérios para a mulher, que atira contra ele. O marinheiro assusta-se ao ver o crime, pois acreditava que ninguém sairia ferido. Também não sabia que estava fadado a morrer, como se tivesse sido alvejado pela vítima agonizante, livrando a mulher de quaisquer suspeitas.

O terceiro e último episódio é dirigido pelo próprio roteirista Fraga. Em Júlio e o Paraíso, o mais velho dos marinheiros é abordado na rua por um grupo de moças hippies, que mendigam alguns trocados por estarem famintas. Com pena, leva o grupo para jantar em uma churrascaria, onde conta suas histórias e vivências. Acaba na casa das garotas, que resolvem “dar-lhe uma surra de boceta”, conforme uma delas diz. É o episódio com maior tempo de cenas de nudez e sexo, começando quando Júlio é chamado por uma das jovens para tomar banho, passando por uma seqüência de lesbianismo e terminando em uma maratona em que Júlio passa pela mão (e outras partes) de todas as moças. Na verdade, elas pretendem matá-lo de exaustão para ficar com seu dinheiro e saldar as dívidas de aluguel antes de serem postas na rua. Sendo assim, não largam de Júlio, se revezando sobre ele até o último suspiro. O filme termina com o corpo do marinheiro coberto por folhas de jornal, cercado de velas. Inspirado, Ody Fraga realiza uma poderosa analogia com narrativas da antiguidade clássica, com ecos das bacantes, ensandecidas adoradoras do deus Dionísio que se entregavam aos excessos do sexo e da violência. Na construção de um universo de simbolismos, Fraga se perde um pouco no falatório pseudo-filosófico do protagonista.

Mais informações sobre David Cardoso e a DaCar, na biografia elaborada por Alfredo Sternheim para a Coleção Aplauso “David Cardoso: Persistência e Paixão” (Imprensa oficial, 2004) e na “Autobiografia do Rei da Pornochanchada: David Cardoso” (Letra Livre Editora, 2006). Recomendo também meu texto sobre o Pasteleiro, capítulo do livro Cinema de Bordas 1 (Editora A Lápis, 2006).

A última loucura de Petter Baiestorf.

2009-10-31T09:24:00.000-07:00

Em meados dos anos 1990, quando ainda publicava o B Zine, fanzine dedicado aos filmes de horror que xerocava mensalmente e divulgava pelo correio, tive conhecimento de um louco catarinense que fazia filmes de baixíssimo orçamento e muita coragem, com títulos estranhos e sugestivos como Criaturas Hediondas e O Monstro Legume do Espaço. Naquele tempo, devemos lembrar, com a popularização das câmeras de vídeo e a moda do trash, muitos jovens se dedicaram a realizar vídeos caseiros, tentativas que geralmente flertavam com o que se convencionou chamar de gêneros cinematográficos e transitavam entre a brincadeira e a devoção. Muitos ficaram para trás, suas vãs experimentações perdidas no tempo, seus nomes desconhecidos e os registros destruídos pelo mofo, inimigo número um das velhas fitas VHS.

O que não foi o caso de Petter Baiestorf, o genial lunático e obstinado cineasta que venho acompanhando desde então, sempre me surpreendendo com os rumos de uma produção inconformista e dinâmica – fatores que foram essenciais para a evolução de um trabalho difícil de ser categorizado. Não vou me deter na trajetória de Petter, na qual me detive durante a redação do capítulo "Eles comem sua carne: o cinema canibal-escatológico de Petter Baiestorf", que escrevi para o livro Cinema de Bordas 2 (Editora A Lápis, 2008 - disponível nas melhores livrarias virtuais).

Na verdade, o que motivou essa postagem foi o novo filme de Petter, Ninguém deve morrer, obra que ao mesmo tempo reafirma o caráter autoral da produção do realizador, mas também caracteriza, em termos técnicos, a nova fase (resultado da parceria com o talentoso Gurcius Gewdner) que já rendeu frutos como Arrombada e Vadias do Sexo Sangrento. Caráter que, se remetermos aos conceitos de cinema de autor, é pontuado por uma assinatura deixada através de elementos marcantes que permanecem inerentes a toda filmografia de Petter, mesmo esta se renovando,tomando rumos diversos e se superando continuamente. Principalmente devido a seu discurso, que reflete uma filosofia bastante singular e perfaz um autêntico cinema de guerrilha.

A narrativa básica de Ninguém deve morrer é a do western, ou se preferirmos, a de um faroeste caipira: uma trama rural (meio que o diretor freqüentemente esculhamba) de vingança e amores perdidos que explode em violência estilizada (mais contida que nos filmes anteriores). Narrativa que serve de pano de fundo para um ousado e inusitado musical.

A grande sacada é o modo como Petter se apropria da gramática do cinema – que conhece a fundo – e os recicla de acordo com os cânones de seu universo, utilizando elementos seminais da cultura popular, como a música brega e diálogos retirados de filmes que homenageia e utiliza para dublar algumas passagens. Metalingüístico, não esconde o dispositivo, culminando com a inserção de cenas fotográficas do tornado que devastou a região e resultou na interrupção das tomadas.

Obra que reflete a maturidade estilística do cineasta e nos atrai, com sua trilha sonora escolhida a dedo – sem dúvida um dos pontos fortes -, e algumas seqüências já antológicas. Dentre elas o diálogo inicial entre o personagem de Gurcius (o cowboy Ninguém) e sua amada, tendo ao fundo atores travestidos fazendo uma desajeitada coreografia; e a atriz Lane ABC carregando sobre a cabeça, cruzados, os braços amputados de Ninguém, personificação de uma guerreira pagã com seu estandarte contra as hostes do obscurantismo. Não posso deixar de citar a presença fortuita de atores emblemáticos do mundo baiestorfiano, como o gordão Jorge Timm, Coffin Souza e Ljana Carrion como um dos “caras malvados”.

Vida longa a Petter Baiestorf, principalmente num momento em que o estéril cinema brasileiro carece de ousadia, criatividade e inteligência.

Os Anos Dourados da Sacanagem (1986).

2009-10-19T10:09:00.000-07:00

Na década de 1980, quando o pornô brasileiro perdia a briga injusta com os similares importados que chegavam aos cinemas vagabundos e prateleiras dos videoclubes, produtores e diretores sediados na boca do lixo buscavam, com muita criatividade e cara-de-pau, manter o público que minguava. Algumas vezes com inusitados e curiosos exemplares que merecem ser revistos por fazerem parte de significativa 9ainda que ignorada) parcela da cinematografia brasileira. É o caso da produção paulista Os Anos Dourados da Sacanagem, de Paulo Antonione (1986), que revi para a comunicação que apresentei no XIII Encontro da Socine, na ECA, em São Paulo. Surpreendente e bem cuidada (considerando-se o baixíssimo orçamento) adaptação das revistinhas eróticas - ou “catecismos” - desenhadas grosseiramente pelo lendário Carlos Zéfiro, é dividida em dois episódios, amarrados pelo avô que surpreende o neto assistindo um filme de sexo explícito no videocassete. O velho mostra ao rebento as famosas revistas, saudoso de um tempo em que a sacanagem apelava mais à imaginação. A primeira história, A Promissória, é clássica, já publicada inclusive em uma coletânea de trabalhos do falecido desenhista: a mulher que resolve saldar as dívidas do marido se entregando ao amigo credor. A razoável ambientação que remete à década de 1940 e a iluminação cuidada tentam conferir às cenas de sexo alguma elegância, o que não se concretiza pelo amadorismo dos atores e da pobreza da produção, resultando insosso no quesito sacanagem, que é o principal apelo do filme. O segundo segmento, por outro lado, é bem mais interessante, notadamente por sua mistura de sexo com religião, tão comum no sexploitation europeu. Intitulado Com o Diabo no Corpo, remete a um conto de Boccaccio, já adaptado por Pier Paolo Pasolini em seu Decameron. Sandra Morelli (famosa na época por suas cenas de sexo com cavalos) é a moça desorientada que vai à Igreja – a trama se passa no interior – se confessar, acreditando estar possuída pelo Diabo. Ela conta ao padre (que quer saber de todos os detalhes) ter sido forçada ao sexo pelo namorado e através da cópula, permitido a entrada do Diabo em seu corpo. O padre, lúbrico, se propõe a fazer um exorcismo um tanto quanto peculiar, já que nas suas palavras, o único meio de tirar o diabo do corpo da jovem seria “pelo mesmo buraco por onde ele entrou”. O filme parte para a blasfêmia explícita, com o padre de estola roxa, recitando suas orações, enquanto faz sexo com a “endemoniada”. O problema é que a garota estava realmente possuída, e o demônio se revela, com todos os lugares-comuns do gênero desde O Exorcista: fala com voz grossa, dá gargalhadas pavorosas, tem a fisionomia modificada – com ênfase nos olhos vermelhos - e fala impropérios, inclusive paródias pornográficas das orações tradicionais da Igreja. Ele vira o jogo e dá um banho de sexo que quase acaba com o pobre padre, em seqüência de tirar o fôlego protagonizada por uma atriz que definitivamente sabia o que fazia. Um dos mais impagáveis (e inacreditáveis) momentos de uma linha de produção que buscava nessas bizarrias alento para continuar no mercado e infelizmente, não vingou.

A Casa da Noite Eterna (1973).

2009-10-04T19:29:00.000-07:00

Em 1971, o consagrado escritor Richard Matheson escreveu uma das melhores histórias sobre casas mal assombradas já publicadas: Hell House (que finalmente, após quase quarenta anos ganha edição brasileira – Hell House – A Casa Infernal, Ed. Novo Século, 2009). Obra que pode ser colocada ao lado das também atmosféricas e assustadoras A Volta do Parafuso, de Henry James e A Maldição da Casa da Colina, de Shirley Jackson. Não por coincidência, os três livros ganharam adaptações cinematográficas que, se não estão à altura do material impresso, também não fazem feio, podendo ser consideradas produções clássicas do horror. Tanto o livro de James quanto o de Jackson ganharam mais de uma versão para as telas, sendo as mais memoráveis, respectivamente, Os Inocentes (The Innocents, 1961), de Jack Clayton e Desafio do Além (The Haunting, 1963), de Robert Wise (esqueça o vergonhoso filme de Jan de Bont cometido em 1999). Hell House foi adaptado pouco depois de sua publicação, em 1973, com o título The Legend of Hell House (aqui no Brasil A Casa da Noite Eterna).
A leitura do original de Matheson era um desejo acalentado há bastante tempo, tanto que adquiri em um sebo virtual uma desgastada edição em espanhol, abandonada definitivamente pelo surpreendente lançamento da Novo Século., já devidamente devorado. O que me levou a recorrer á minha coleção de VHS e rever A Casa da Noite Eterna, dirigida por John Hough. O filme, ainda que competente – com roteiro do autor do livro – e bom elenco, sinto observar, envelheceu. E acaba servindo como um resumo bastante atenuado da narrativa original, sobre um milionário moribundo que contrata um parapsicólogo, o Dr. Barrett, para desvendar se existe ou não vida após a morte. E o local escolhido seria a mansão Belasco, conhecida como a casa infernal e o “Monte Everest” das casas assombradas. Ele teria o prazo de uma semana, acompanhado de sua mulher Edith e dos médiuns Florence Tanner e Benjamin Franklin – este o único sobrevivente de uma tentativa anterior de desvendar os mistérios da mal afamada propriedade. Nos poucos dias em que ficam confinados, são confrontados por forças sobrenaturais, deflagradas pelo maléfico espírito do antigo proprietário, um sádico violento, e por seus próprios tormentos. Estes últimos bastante atenuados no filme. Certamente porque em 1973 (e possivelmente ainda hoje, em se tratando de produções dos grandes estúdios)não seria viável reproduzir a forte carga sexual do romance de Matheson. O que é uma pena, já que Pamela Franklin está deliciosa como a médium Tanner (ela aparece rapidamente nua, de perfil) e Gayle Hunnicut incorpora bem a frustrada mulher do parapsicólogo. Dois personagens que tem sua complexidade psicológica reduzida. Clive Revill interpreta com dignidade o cientista, do qual também foi retirada a significativa deficiência física (no livro ele mancava como seqüela da poliomielite); e o emblemático Roddy McDowall empresta sua simpática canastrice ao contido Ben Franklin.
A Casa da Noite Eterna, apesar de datado, merece ser evisto. Ainda dá para sentir uma certa apreensão – sem recorrer para os sustos gratuitos ou efeitos cgi das produções atuais -, permitindo um rápido olhar de vez em quando pelo canto do olho para as sombras do quarto escuro. O inevitável apelo das histórias de fantasmas, que refletem nossa expectativa sobre o que vem depois. Mas aconselho a leitura do livro primeiro.
Aproveito para avisar que na próxima semana não farei postagens, pois estarei no congresso da Socine em São Paulo. Informações no link abaixo:

http://socine.org.br/encontro13/abertura.html

Viva El Santo!!!!

2009-09-27T15:24:00.000-07:00

Durante a primeira metade dos anos 1950 começam a despontar filmes e seriados estrelados pelos lutadores da lucha libre, popular modalidade esportiva-circense que encontrou no México terreno fértil. A partir de 1958 essa produção, que tem como representante maior O Santo, passou a incorporar em suas tramas temas oriundos da ficção-científica e do horror. O Santo (ou Rodolfo Guzmán Huerta) nasceu em 1917, começou sua carreira nos ringues nos anos 1940 e em meados da década seguinte consagrou-se o lutador mais popular do México. Santo contra Hombres Infernales e Santo contra Cerebro del Mal, ambos de 1958 e rodados em Cuba, marcam seu início nas telas, ainda que não apresentem seqüências de lutas. Somente em 1961, em Santo contra Los Zombies, vão aparecer todos os elementos constitutivos da fórmula: monstros clássicos do cinema (devidamente treinados em modalidades acrobáticas), horror, influência dos quadrinhos, melodrama, comédia, aventura, o registro de algumas lutas factuais e a inclusão de outras encenadas, relacionadas à trama. Mais importante: o protagonista é mostrado pela primeira vez tanto como lutador como combatente do crime. Ele possui um laboratório, é consultado pela polícia, e assim por diante, intercalando essas atividades investigativas com as lutas. A fórmula seria depurada e repetida a exaustão em toda uma produção que seguiria pelos anos 1960 e continuaria na década seguinte, consagrando o lutador mascarado como uma das maiores atrações de bilheteria latino-americanas do período e inspiração para produções imitadoras, dentre as quais as estreladas pelos colegas e posteriormente coadjuvantes Blue Demon e Mil Máscaras.
Pode-se dizer que Santo contra las Mujeres Vampiro, o maior sucesso comercial – inclusive mundial - da série e um dos melhores exemplares da fusão entre mascarados e monstros. O que se deve principalmente à habilidade em se criar situações que elevariam os paradigmas dessa linha de filmes a patamares nunca mais alcançados. O que pode ser conferido na passagem considerada uma das mais efetivas dessa linha: enquanto Santo se preparava para a luta, o oponente é assassinado, tomando seu lugar um dos capangas da rainha-vampira. Após encarniçada luta, em que o herói começa em desvantagem sendo quase posto fora de combate e desmascarado, ele finalmente vira o jogo. Ao imobilizar o adversário e retirar sua máscara revela, para horror da audiência, um horrível lobisomem. Confrontado pelo Santo e pela polícia, o homem-fera acaba voando para longe, transformado em morcego.
Os filmes de mascarados e monstros começaram a perder público ainda na primeira metade dos anos 1970, com algumas tentativas de adaptação para temas mais recentes, sendo Misterio em las Bermudas (1977) considerado o canto do cisne do gênero, que ainda renderia para o veterano Santo mais quatro produções até 1982, com La Furia de los Karatecas. O lutador morreria em fevereiro de 1984, poucos dias depois de finalmente descobrir seu rosto em um programa de tv. Foi enterrado com a máscara que o transformou em lenda, sendo essa a imagem que adorna a placa de sua cripta.

The Swinging Barmaids (1975).

2009-09-18T10:46:00.000-07:00

Na postagem da semana passada fiz referência ao filme The Swinging Barmaids, dirigido por Gus Trikonis (que depois seguiu carreira dirigindo telefilmes e episódios de séries de tv). Na verdade, a produção de 1975 seria o tópico da vez, adiado por conta do breve tributo a Katie Saylor.

Todos sabemos do apreço que o cinema norte-americano tem por assassinos em série, pirados e degenerados de todos os tipos. Afeição que vem de longa data, como podemos comprovar com o Norman Bates de Psicose (Psycho/1960), o Max Cady de Cape Fear (1962) ou mesmo a encarnação de Albert Salvo (o estrangulador de Boston) por Tony Curtis em O Homem que Odiava as Mulheres (The Boston Strangler/1968). Mas só ganhou status definitivo quando se estabeleceu no mainstream como uma vertente do thriller com o sucesso de O Silêncio dos Inocentes (The Silence of the Lambs), de Jonathan Demme (1991). Lembramos que o período que compreendeu final da década de 1960 e primeira metade da seguinte foi um dos mais violentos da história dos Estados Unidos. O público não via apenas seus filhos e maridos voltando para casa em caixões, mortos nas selvas vietnamitas. Mas testemunhava uma nova geração de assassinos que espreitava nas sombras esperando novas vítimas, como a família Manson, o franco-atirador Charles Whitman e o Zodíaco. O interessante é que desde o início dos sixties, a maior parte da produção de filmes sobre psicopatas derivava de pequenos estúdios, dentro do que se convencionou chamar de exploitation. Provavelmente por estarem mais à vontade do que as majors em mostrar cenas de sexo e violência (vale lembrar aqui o pioneiro Herschell Gordon Lewis com Banquete de Sádicos / Blood Feast, de 1963).

The Swinging Barmaids é um legítimo exemplar dessa leva. A trama de pouca duração gira em torno de quatro mulheres que serviam as mesas de um bar, circulando entre os fregueses em trajes sumários: Jenny (Laura Hippe), Susie (Katie Saylor – oba!), Renie Radich (Marie) e Boo Boo (a peituda Dyanne Thorne, que no mesmo ano ganharia notoriedade como a sádica nazista Ilsa, no clássico Ilsa, Guardiã Perversa da SS / Ilsa, She-Wolf of the SS). O inspirado Bruce Watson é Tom, o maníaco que fica obcecado com as moças e as persegue, matando uma a uma em seqüências violentas, surpreendentemente bem elaboradas e criativas para o tipo de produção. Isso sem contar que providencialmente as roupas das moças se rasgam durante os ataques, exibindo seus atributos mamários. Perseguido pelo tenente Harry (William Smith, figura fácil como coadjuvante na tv na época), raspa a barba e corta o cabelo, infiltrando-se no bar onde suas vítimas trabalhavam. Seu objetivo principal é Jenny, a “boa moça” que corteja, apesar dela ser comprometida com um jovem residente do hospital e não lhe dar a mínima. O filme termina com a polícia fechando o cerco e uma boa perseguição bem nos moles do que se fazia. Resumindo, para não me estender demais: uma boa pedida para quem não tem grandes pretensões – você pode até se surpreender -, belas mulheres seminuas e um ótimo sabor dos seventies.

Que fim levou a bela Katie?

2009-09-12T16:08:00.000-07:00

Uma das boas coisas que me recordo dos anos 1970, e quem passou da infância para a adolescência naquele período com certeza irá concordar, é da beleza das mulheres que povoavam as séries de tv. Não que atualmente elas deixem a desejar. Mas naqueles anos pré-silicone, quando Pamela Anderson ainda não sacudia seus atributos no famoso maiô vermelho de S.O.S. Malibu (Baywatch) e a visão de corpos nus ainda era algo não tão disponível, aquelas mulheres faziam a cabeça. E que mulheres: Lynda Carter, a recém-falecida Farrah Fawcett e suas colegas Panteras, Joanna Cameron (lembram dela? A Poderosa Ísis???), e por aí vai. Dentre elas uma me cativou especialmente e, apesar de sua curtíssima carreira, ficou em primeiro lugar na minha libido adolescente: Katie Saylor. Não vou estranhar se você, caro leitor, não sabe de quem se trata. Mas aqueles de boa memória vão recordar da loura baixinha, num vestidinho curto preto e corpo escultural que aparecia sempre carregando um gato na série de ficção científica Viagem Fantástica (Fantastic Journey). Com apenas 10 episódios, essa produção da tv norte-americana de 1977 pode ser considerada precursora de programas como Sliders e o cultuado Lost. Tratava de uma expedição científica que, envolvida em estranha névoa verde quando navegava na área conhecida como Triângulo das Bermudas, acaba numa misteriosa ilha, local onde várias zonas temporais existem simultaneamente. O grupo era composto pelo viajante do século XXIII Varian (Jared Martin), o cientista Fred (Carl Franklin), o menino Scott (Ike Eisenmann), o vilanesco Willoway (o emblemático Roddy McDowall) e Katie Saylor como a psíquica atlante Liana. Todos buscando o portal que os levaria de volta para casa.
Antes de Viagem Fantástica, entretanto, Katie já mostrava seus atributos com mais ousadia, tendo no currículo – fora o telefilme Men of the Dragon (1974), piloto de uma série de tv que aproveitava a onda do kung fu e não vingou – algumas produções exploitation: Invasion of the Bee Girls (1973), Dirty O’Neil (1974), The Swinging Barmaids (1975) e Supervan (1977). Aliás, foi assitindo o incrível The Swinging Barmaids (assunto de uma postagem futura) e topando com a musa bem menos vestida do que lembrava, que tive a inspiração para esse post.
O grande mistério, e que suscitou a pergunta-título, é que Katie sumiu do mapa sem deixar rastros ainda com Viagem Fantástica em andamento. Seu personagem já não aparece nos dois últimos episódios e não há disponíveis mais dados biográficos ou informações sobre trabalhos posteriores. Mesmo seus companheiros de trabalho, Jared Martin e Ike Eisenmann, ao que parece, são evasivos sobre o assunto, reforçando a mística que passou a envolver a atriz qe sumiu do mapa sem deixar traços. Reza a lenda que Katie Saylor ficou seriamente doente durante a produção de Viagem Fantástica e que morreu pouco tempo depois. Mesmo assim, não existe nada concreto que explique seu desaparecimento ou material que comprove a trágica notícia. Fica assim eternizada sua imagem, congelada no tempo e na nossa memória até que alguém (ou ela própria, quem sabe?) lance uma luz definitiva sobre o assunto.

O Renascimento do Horror Gótico, Parte 2: Corman e a AIP.

2009-09-04T10:44:00.000-07:00

Por outro lado, nos Estados Unidos, a A.I.P. (American International Pictures) iniciava os dias do drama de horror gótico, orquestrado pelo mais tarde conhecido “rei dos filmes B” Roger Corman.
Produtora especializada no filão exploitation, acompanhava as tendências do mercado, produzindo filmes baratos que exploravam os assuntos em voga, em geral destinados ao público jovem, como delinquência juvenil e conflitos de gangues. Portanto não é de estranhar o seu direcionamento para o horror, já na década de 50 com os citados filmes B de monstros e insetos. Isso somado à concorrência de outros produtores de filmes exploitation que cada vez mais disputavam fatias de seu mecado e a óbvia influência do sucesso dos filmes da Hammer.
Graças a Corman, os monstros deram lugar a indivíduos neuróticos e torturados, vagando melancólicos e amargurados por mansões lúgubres que guardavam aterrorizantes segredos. O horror deixa de ser palpável e previsível, tornando-se uma força ancestral de dimensões cósmicas. Rejeitando em parte o maniqueísmo presente na maioria dos filmes de horror, inclusive nos da concorrente britânica, ou seja, a eterna luta entre o bem e o mal, em que o primeiro invariavelmente vence, Corman buscou em Freud uma base psicológica para seus personagens. O bem e o mal não eram mais tão distintos assim, apesar dos filmes sempre caminharem para a redenção ou purgação. Não foi por acaso, portanto, que a base desse ciclo de oito filmes que dirigiu entre 1960 e 1964 e caracterizou o gótico americano nas telas foi adaptado da obra do escritor Edgar Allan Poe – e posteriormente H.P. Lovecraft, seu principal intérprete Vincent Price e as cores predominantes (em oposição aos vibrantes vermelhos da Hammer) os azuis e verdes Pathecolor, ressaltando o ambiente mórbido e decadente daquelas produções. O sexo se insinua, ganhando novos significados. Não mais o enlace fatal, em que a vítima sucumbe em um ritual de prazer ao seu algoz, mas ao sexo além da morte, do culto à necrofilia e da paixão eterna que corrói e volta como um espectro assustador.
Sendo assim não poderia ter sido mais coerente a escolha de Poe, com sua concepção de um horror que nos rodeia e também está dentro nós mesmos, carregado de perversão, morbidez e degenerescência. Concepção que está presente em Solar Maldito (House of Usher, 1960), o primeiro filme do ciclo, em que um irmão, sua irmã gêmea e o antigo casarão que habitam compartilham uma única alma e encontram uma dissolução comum na mesma hora.
A A.I.P. também foi responsável pela distribuição do filme que podemos considerar, mais do que um ponto alto do terror gótico dos anos 60, um marco do cinema de horror. Black Sunday (La Maschera del Demônio/1960) o melhor trabalho do diretor italiano Mario Bava e um dos mais atmosféricos e assustadores filmes já feitos.
Black Sunday, que já foi assunto de um post anterior (ver o arquivo), possui todos os elementos que, a grosso modo, caracterizam um filme como gótico: o castelo lúgubre com suas alas abandonadas ou em ruínas, corredores úmidos, catacumbas, lendas tenebrosas e maldições ancestrais. Além de vilões perversos, da jovem inocente vítima maior dos horrores e o herói – na verdade o representante do bem que vai lutar contra as forças do mal desencadeadas.

Continua...

O Renascimento do Horror Gótico, Parte 1: Hammer.

2009-08-29T11:34:00.000-07:00

No final dos anos 1950 e durante toda a década seguinte, o cinema de horror foi atraído para diversas direções, entre elas a evolução do novo cinema gótico, representado principalmente pela britânica Hammer Films e a americana A.I.P. (destacando-se o ciclo de filmes de Roger Corman adaptados da obra de Edgar Allan Poe).
Pequena companhia, a Hammer conheceu o sucesso comercial com algumas produções de ficção científica bem acima da média do que se fazia no período. Graças ao sucesso de Terror que Mata (The Quatermass Xperiment/19555) a Hammer direcionou a sua produção para os filmes de terror, revitalizando nas telas os velhos monstros da Universal, iniciando com A Maldição de Frankenstein (The Curse of Frankenstein/1957) e O Vampiro da Noite (Dracula/1958). A diferença, porém, é que o horror antes sugerido ficou maise explícito, com a abundância do vermelho technicolor do sangue.
É interessante perceber em como, em tão pouco tempo, o gênero se modificou – resultado claro de uma nova forma de abordagem por parte de novos diretores, assim como de segmentos da indústria e as novas tendências do público.. O fato é que após sua estréia triunfal no final dos anos 1950, inaugurando o filão do horror britânico nas telas, a Hammer atravessou as décadas seguintes em processo de morte lenta.
A Hammer fez escola à partir de sua revisão dos monstros da Universal. Sua Maldição de Frankenstein possui todos os elementos já conhecidos da história. O problema é que até hoje, nenhum filme sobre a criatura conseguiu se aproximar da obra de James Whale, com sua fotografia em branco e preto, cenografia de influência expressionista e um monstro que passou a fazer parte do imaginário coletivo. A Maldição de Frankenstein, sucesso de público na Inglaterra e EUA, após ser distribuído pela Warner, já mostrava as sementes do que se tornaria uma estética: mais dinamismo, violência explícita, mulheres insinuantes e erotismo, além de sets reproduzindo com material barato as aldeias e vilas da Europa Central do século XIX, com castelos, carruagens e tavernas. A diferença mais marcante no Frankenstein da Hammer foi a inversão de enfoque, priorizando o cientista e deixando a criatura em segundo plano.
O Vampiro da Noite, feito em seguida, é superior ao Drácula de Tod Browning. E Christopher Lee, seu intérprete, mais aterrador e sensual do que poderia sugerir a inexpressiva figura de Bela Lugosi, com seus gestos teatrais. O Vampiro da Noite foi a consolidação financeira e de público da Hammer. Diferente do filme de Browning, o enfoque é carregado de sexualidade. O Drácula de Lee encarna a própria maldade e perversão, ostentando lascivo grandes presas pontudas. Suas vítimas femininas, vestidas em corpetes decotados que deixavam os seios quase a mostra, morrem ofegantes, com erótico entusiasmo durante a mordida fatal, numa personificação de eros e thanatos: o orgasmo na hora da morte, tema que se tornaria recorrente nos filmes de horror.

Continua...

Um filme muito estranho: O Dia em que Marte Invadiu a Terra (1963).

2009-08-21T06:49:00.000-07:00

Nos anos 1950, em plena guerra fria e sob a ameaça do átomo, os medos e paranóias da sociedade norte-americana foram traduzidas pelos estúdios de cinema principalmente através dos filmes de ficção científica. Monstros gerados pela radiação, discos voadores e invasores alienígenas estavam na ordem do dia. Todos dispostos a escravizar ou aniquilar os habitantes do planeta, aterrorizando com suas formas monstruosas e poderes devastadores. Filmes como A Guerra dos Mundos (War of the Worlds / 1953), O Monstro do Mar Revolto (It Came from Beneath the Sea / 1955), A Invasão dos Discos Voadores (Earth vs. The Flying Saucers / 1956), 20 Milhões de Milhas da Terra (20 Million Miles to Earth / 1957) e A Bolha Assassina (The Blob / 1958) são apenas alguns exemplares das ameaças que nosso pobre planeta enfrentou naqueles “anos dourados”.
Na década seguinte uma injeção de seriedade deu novo direcionamento para essa vertente do cinema fantástico, sendo que em 1963, uma das mais atípicas e estranhas produções de ficção científica do período foi rodada, com direção de Maury Dexter: O Dia em que Marte Invadiu a Terra (The Day Mars Invaded Earth). Recentemente exibido no canal a cabo Telecine Cult, o filme conta a história do Dr. David Fielding (o mal sucedido galã Kent Taylor), um chato responsável pelo envio de uma sonda-robô à Marte. Aproveitando uma folga no projeto, após receber os registros enviados pela máquina na superfície do planeta, o cientista vai passar uns dias com a família numa mansão isolada, para tentar salvar o casamento. O que ele não sabe é que seria acompanhado por invasores marcianos. Vindos em forma de energia através das transmissões da sonda, tinham o poder de se materializarem como simulacros de Fielding, de sua mulher e filhos para substituí-los (tal qual os alienígenas de Vampiros de Almas – Invasion of the Body Snatchers / 1956) e iniciar a invasão da Terra.
A narrativa é desenvolvida de forma lenta, realçada pelos cenários labirínticos da propriedade e enquadramentos que sugerem uma atmosfera onírica, certamente influenciada pelo enigmático O Ano Passado em Marienbad (L’Année Dernière à Marienbad /1961), de Alain Resnais (seguramente o maior filme-cabeça de todos os tempos). Partindo de uma premissa científica, O Dia em que Marte Invadiu a Terra aproxima-se do cinema de horror pelo modo como alguns paradigmas do gênero são utilizados na construção de uma trama que se furta a explicar alguns acontecimentos e por vezes parece confusa. Tanto que um espectador desavisado poderia supor tratar-se de mais um filme de casa mal assombrada, sendo os alienígenas os espíritos inquietos (ou duplos fantasmagóricos dos protagonistas) que vagam pela mansão da propriedade e por seus sinistros jardins. Para o que contribui a fotografia em preto e branco, que intensifica o suspense até o final pessimista e contrário às regras que regiam essas produções. Antecipando os novos ares que sopravam para o cinema em uma década de profundas mudanças nos corações e mentes.

O dia em que Chapeuzinho Vermelho encontrou Zé do Caixão.

2009-08-14T10:52:00.000-07:00

Uma surpresa atrás da outra. É o que espera quem, como eu, se lança na tarefa árdua – mas também bastante divertida - de pesquisar pérolas da cinematografia que pouco (ou nada) condizem com o que se convencionou chamar bom gosto ou mesmo consideradas relevantes aos estudos de cinema. É o caso desse Chapeuzinho Vermelho (também conhecido como A Gula Sexual), comédia erótica com elementos fantásticos de 1981 escrita e dirigida por Marcelo Motta.
Sério candidato ao posto de “pior filme de todos os tempos” e rodado na transição da pornochanchada para o sexo explícito, não tem nada a ver com o conto-de-fadas homônimo.
Trata da história do jovem Hércules (Oásis Minitti, um dos mais assíduos e incansáveis atores do pornô brasileiro dos anos 1980), um voyeur contumaz que não consegue ir para a cama com nenhuma mulher. Apenas se satisfaz observando, através de buracos que faz nas paredes da casa, a intimidade da prima casada e da irmã. O que preocupa seus pais, um casal de velhos italianos, e faz dele motivo de chacota dos amigos, do primo mulherengo Gavião e das garotas. Até o dia em que o pai, com medo de que o filho se tornasse (nas próprias palavras) “ou tarado ou bicha”, arruma uma prostituta para curá-lo. Fazendo-se passar por empregada, ela ataca Hércules que, sem fugir à regra, nada consegue. É quando surge, sem nenhuma explicação, um boné vermelho com poderes mágicos. Ao colocá-lo, o impotente rapaz ganha inesperada virilidade, fazendo com que se torne o garanhão do pedaço, causando inveja no primo.
Dizer que Chapeuzinho Vermelho é um filme tosco é pouco. Elenco feio, diálogos ridículos, trilha inacreditável e personagens caricatos são apenas alguns atributos que, se recorrentes em boa parte da produção da Boca do Lixo do período, são exacerbados nessa obra paupérrima, mas muito engraçada.
Destaque para a presença de José Mojica Marins numa inusitada aparição como Zé do Caixão. Ele surge num sonho em que o personagem principal estava cercado de mulheres nuas. Com seu olhar penetrante e poderes sobrenaturais, o coveiro faz desaparecer todas elas. Deixa uma mensagem, na linha das filosofias mojicanas, que dá novo sentido à vida do apavorado Hércules e prenuncia o final moralista:
- “O homem só é homem no dia em que ele provar que veio nessa dimensão terrena para ser homem!”.
Só vendo para crer!

Bruxaria no Cinema - Parte 3

2009-08-10T13:46:00.000-07:00

Nesse cenário vem à luz o mais importante filme sobre o tema já feito: O Bebê de Rosemary (Rosemary’s Baby, 1968), de Roman Polanski. Nenhum filme capturou tão bem o que podemos chamar de “atmosfera satânica”quanto essa produção que tratava de temas importantes como sexo e feminilidade, integrados a momentos de horror e tensão psicológica. Anton Szandor La Vey, criador da Igreja do Diabo, foi um dos consultores (não creditado) do filme. Ambientado na Nova York de então, conta a história de uma típica garota americana que é entregue pelo marido (que conspira com uma sociedade de bruxos) ao Coisa-Ruim, para que nela coloque a sua semente durante uma cerimônia. Seqüência que é, por sinal, a mais memorável entre todas as já feitas envolvendo missas negras, copiada descaradamente em O Anticristo (L'anticristo / 1974), de Alberto de Martino. O coven de bruxos se reúne ao redor de Rosemary. Todos estão despidos e dois participantes amarram as pernas da jovem abertas, para facilitar o trabalho da criatura que surge e da qual só vemos as mãos em garras agarrando-se a Rosemary, enquanto copula com ela. Polanski, agnóstico confesso, não tinha nenhum pendor pelo religioso ou oculto. Muito menos acreditava no poder do Diabo ou de Deus como encarnações do Bem e do Mal. E é esse diferencial que empresta ao filme a sua ambigüidade prevalecente: será mesmo que Rosemary passou por todas aquelas experiências sobrenaturais, ou tudo não passava de fantasias de uma mente perturbada, filtradas para nós através de sua subjetividade?
Poucos anos depois, em 1973, George Romero, diretor do cultuado A Noite dos Mortos Vivos (The Night of the Living Dead, 1968), dá uma boa visão das práticas da Wicca em Temporada das Bruxas (Season of the Witch). Denso psicologicamente e um tanto quanto lento, é um competente trabalho do diretor e seu manifesto feminista. Conta a história de Jan White, uma mulher de meia idade oprimida pelo casamento e frustrada pelos sinais dos anos, fator realçado pela jovialidade da filha, que inveja tanto quanto o despojamento e naturalidade com que a nova geração se entrega ao sexo. Jan vai reafirmar a sua feminilidade através da Wicca, aprendendo os seus rituais – pela primeira vez descritos de modo mais próximo à realidade – e assumindo-se bruxa. Os wiccans reclamaram do filme, na época, por referências feitas ao Diabo, já que nesta religião ele não é cultuado. Apesar desse início promissor, os anos 70 e 80 trouxeram com eles ares conservadores e pouca coisa pode ser destacada entre as produções que reproduziam os velhos embates entre satanistas “do mal” e as forças do bem. Foram as décadas em que chegaram às telas O Exorcista (The Exorcist, 1973) e A Profecia (The Omen, 1976), que transitavam entre propaganda da Igreja e a narrativa tradicional do filme de horror, típica dos grandes estúdios. Tanto em um sentido, como em outro, ambos os filmes se saíram muito bem.
A bruxaria só iria recuperar alguma credibilidade no final do século XX, talvez pelo novo boom de interesse que o oculto vem despertando e o crescente número de novos adeptos às práticas mágicas e religiões pagãs. E com duas obras que seguem em direções completamente opostas, como o horror-teen Jovens Bruxas (The Craft, 1996) e a volta do diretor Roman Polanski ao gênero que o consagrou com o intrincado O Último Portal (The Ninth Gate, 1999). O primeiro, que pode servir como metáfora para a busca de auto-afirmação de quatro adolescentes, de certo modo se aproxima do filme de Romero, mas com bem menos brilhantismo e uma boa dose de maniqueísmo. Vale mais pela descrição de alguma ritualística do que pela narrativa, de encaminhamento conservador. Apesar de certamente ter ajudado a Wicaa a se popularizar entre os jovens. Já O Último Portal é um filme bem mais complexo e rebuscado. Trata de um livreiro (Johnny Depp), contratado por um milionário de Nova York (o sempre bem vindo Frank Langella) para encontrar um velho grimório. Este, segundo a lenda, teria em suas gravuras a chave para invocar o Diabo e abrir os portais que dariam acesso ao inferno. O filme peca pelos excessos do diretor, que poderia ter sido mais econômico em termos narrativos. Mas ganha força quando analisamos com boa vontade os elementos místicos que traz à tona. E é na construção dessa atmosfera sobrenatural que se encontra a força de um filme incompreendido e que precisa ser visto mais de uma vez.
Como podemos ver, bruxas e demônios estão presentes nas telas desde os tempos do “primeiro cinema” e, certamente, ainda continuarão nos dando arrepios e seduzindo. Afinal, eles estão ligados aos aspectos “noturnos” de nossa personalidade e aos nossos instintos básicos; à aspiração pela liberdade individual, ao conhecimento interior e rompimento das amarras que nos foram impostas. Nada mais transgressor do que isso. Nos despedimos lembrando de Raul Seixas no “Rock do Diabo”: Enquanto Freud explica as coisas, o Diabo fica dando os toques.

Bruxaria no Cinema - Parte 2.

2009-07-28T06:27:00.000-07:00

Os anos 50 trazem duas obras importantes, bem distintas uma da outra, abordando novamente Crowley. A primeira, realizada pelo diretor underground Kenneth Anger em 1954, The Inauguration of the Pleasure Dome, é uma recriação dos rituais do ocultista, à luz da cultura beatnik do período. Já prenunciava outras imersões do diretor na “magia thelêmica”, que se materializariam nos curtas The Invocation of My Demon Brother (1969) e Lucifer Rising, feito entre 1970 e 1980. Anger deu outra dimensão à bruxaria cinematográfica ao transpor para a película rituais mágicos, superando o suporte (película e tela) em concreta invocação.
O segundo filme do período, e de grande importância, por ser o que consideramos a conquista da maturidade dessa vertente do horror é A Noite do Demônio (Curse of the Demon, 1957), de Jacques Tourneur, baseado no romance Casting the Runes, de Montague R. James. Crowley serve de inspiração para o ocultista Dr. Julian Karswell, líder de um culto satânico que se torna alvo das investigações de um cético psicanalista, interpretado pelo ator Dana Andrews. Niall McGinnis dá grande dimensão ao personagem Karswell, revestindo-o de periculosidade e uma certa imaturidade para convocar as forças das trevas. Uma forma velada de corroborar a idéia de Crowley como “o pior homem de todos os tempos” e os relatos sensacionalistas que o pintavam como um satanista desregrado viciado em drogas. Na verdade Aleister Crowley nunca foi satanista, se formos fiéis à concepção da palavra. Ele desenvolveu um sistema próprio de ritualística e tinha concepções bastante originais sobre magia (a que se referia como magick), o que não o isenta de alguns excessos que certamente contribuíram para a imagem que lhe impuseram. A Noite do Demônio é sutil no que se refere às práticas mágicas de Karswell, o que não diminui o impacto de sua atmosfera mística. Isso apesar da gigantesca figura do Diabo que o produtor Hal E. Chester incluiu à revelia do diretor.
Os anos 60 foram particularmente propícios para a bruxaria nas telas. A American International Pictures (AIP), responsável pelo renascimento do horror gótico nas telas americanas com o ciclo de filmes inspirados no escritor Edgar Allan Poe. Roger Corman, usa a bruxaria como tempero para dois grandes filmes: O Castelo Assombrado (The Haunted Palace, 1963) e Orgia da Morte (The Masque of the Red Death, 1964). O primeiro, pouco tem de Poe, sendo mais uma adaptação da obra de outro autor, o também norte-americano Howard Phillip Lovecraft, intitulada The Case of Charles Dexter Ward. Vincent Price é Ward, que retorna à mansão de seus ancestrais para ser possuído pelo espírito do tataravô, o bruxo Joseph Curwen. Atmosférico, culmina com um ritual de magia negra, celebrado nas masmorras do castelo. Já Orgia da Morte é o retorno ao universo de Poe e um dos melhores do ciclo. Seria também bastante fiel ao conto original, não tivesse Corman incluído doses de satanismo. Vincent Price, memorável protagonista de todos os filmes da série, interpreta o Príncipe Próspero, um devotado adorador do Diabo. Auxiliado por uma adepta, Juliana (a diabolicamente adorável Hazel Court), tenta converter às artes negras uma jovem aldeã que aprisionara em seu castelo. As sugestivas cenas de adoração ao Demônio, impregnadas de contexto sexual, foram censuradas na Inglaterra.
A Hammer Films também não ficou de fora da onda satânica da época com um dos melhores filmes sobre o assunto: As Bodas de Satã (The Devil Rides Out, 1968), dirigido por Terence Fisher e baseado em história do autor especializado em romances ocultistas, Dennis Wheatley, inspirado em Aleister Crowley. Christopher Lee é um expert em demonologia que descobre uma conspiração satânica liderada por Mocata, o sumo sacerdote de uma sociedade secreta. O filme é bastante rico em referências, ainda que estas se perdem para os não familiarizados com ocultismo, já que estão relacionadas ao universo das várias vertentes do que se convencionou chamar de Tradição Mágica Ocidental. O grande destaque, além das encenações dos rituais, vai para a aparição do Demônio, caracterização bastante fiel à figura do “Bode de Mendes”, desenhada no século XIX pelo mago Eliphas Levi, uma adaptação do Baphomet dos templários.
É importante termos em mente que, na turbulenta virada que foi a transição dos anos 60 para 70, o oculto estava em alta. Reflexo da insatisfação com as estruturas vigentes e do ressurgimento, por um lado, das práticas pagãs com a Wicca - reabilitada a partir do trabalho de Gerald Gardner e levada para os Estados Unidos pelo casal Buckland - , e por outro, da ascensão do satanismo. Este último tendo como arauto o ex-artista de circo Anton La Vey, fundador da igreja de Satã em São Francisco.O Diabo vai perdendo o seu caráter alegórico original, transformando-se em um ícone da contracultura, da insatisfação contra os modelos sociais e liberação sexual. As bruxas, do mesmo modo, passavam a fazer seus sortilégios à luz do dia, deixando para trás o estereótipo da velha feia e enrugada, cheia de verrugas, tradicional das narrativas populares e contos-de-fadas.

Continua...

Bruxaria no Cinema - Parte 1

2009-07-21T09:46:00.000-07:00

Aproveitando as férias, e para não ficar sem postar, resolvi re-publicar uma matéria que escrevi há alguns anos para uma revista que acompanhava um DVD desses de banca. Divirtam-se.

O caráter mais espetacular do cinema, desde os tempos dos primeiros realizadores, foi a capacidade de levar às telas o fantástico, configurado então - e de modo surpreendente, se nos deslocarmos para o final do século XIX e início do XX – pela exibição e manipulação de imagens em movimento. Os nascentes truques, hoje simples, conferiam uma aura mágica e passaram a ser explorados pelos pioneiros de então, revestindo essas técnicas de significado. Não demorou para que as criaturas sobrenaturais, habitantes do imaginário coletivo, fossem incorporadas e exploradas, pela compreensível adequação ao novo meio. E para que a principal dentre as entidades que sempre atemorizaram o homem ganhasse corpo nas telas: Satã. Figura controversa pela própria capacidade de causar terror enquanto cativa, ganha corpo em filme através da genialidade de Georges Méliès em Le Manoir du Diable (1896).
As primeiras representações do Diabo no cinema, como não poderiam deixar de ser, estavam impregnadas do imaginário cristão, eternizadas a partir da Idade Média através da iconografia, tanto em seu aspecto mais aterrador como uma mistura de bode e homem – apropriação do Pan das florestas pagãs – como na forma sinistra e por vezes debochada de um homem alto, de bigodes pontudos, algumas vezes ostentando chifres, como nos velhos espetáculos itinerantes ao estilo da Commedia dell’ Arte. E se Satã, em seu sentido mais senso comum, passou a freqüentar as telas, o que dizer então de seus principais agentes - também bastante arraigados na cultura popular e narrativas ficcionais: as bruxas e feiticeiros?
É bom lembrarmos que a bruxaria é tão antiga quanto a humanidade e só passou a ser vinculada ao Diabo por obra e graça do Cristianismo. S. Paulo já identificava os deuses pagãos greco-romanos com demônios, alertando contra associações com esses seres. O que foi aceito como verdade incontestável pela nascente religião e acabou, séculos mais tarde, culminando nas perseguições, torturas e assassinatos perpetrados pela Santa Inquisição. Isso deu margem a todo um manancial de lendas e crendices sobre as praticantes dos antigos cultos, que ganharam corpo devido à fértil imaginação dos relatores e clérigos do período. Essa alegoria personificada por bruxas e demônios pode ser vista já em 1921 na obra prima do dinamarquês Benjamin Christensen, Häxan (1). O diretor recria, através de episódios entrelaçados e estilo semi-documental, o que seria a história da feitiçaria. Através de poderosas e arquetípicas imagens, Christensen retrata todo um universo folclórico de diabos chifrudos, bruxas voando em vassouras, preparando sortilégios ou reunidas em sabbaths. O alto teor de sexualidade inerente a estas fantasias está presente – um positivo libelo de rebeldia contra a repressão sexual da Igreja -, assim como um retrato nada abonador do clero, com seus padres obtusos e freiras facilmente desencaminhadas, todos alvo fácil para as artimanhas do Demo. Não é para menos que o caráter anti-clerical de Häxan tenha escandalizado a platéia na época de seu lançamento e fosse reabilitado durante a contracultura dos anos 60, principalmente por seu conteúdo contestador e pelas mais significativas representações de bruxaria nas telas, ainda hoje insuperáveis. Infelizmente, a maior parte das produções que se seguiram nas décadas posteriores, se rendeu ao senso comum e ao maniqueísmo da luta das forças do bem (representando o lado mais conservador da sociedade) contra o mal (aspectos desagregadores, e por que não, contra o status quo dominante). Como o nosso espaço é limitado, vamos nos deter em alguns filmes que consideramos significativos para uma visão geral do tema.
A primeira cerimônia satânica filmada vêm à luz ainda nos anos 30, na produção da Universal O Gato Preto (The Black Cat/1934), dirigida por Edgar Ulmer e repleta de referências ao cinema alemão, que já flertara com o satanismo com as duas versões de O Estudante de Praga (Der Student von Prag, 1913, 1926) e Fausto (Faust, 1926), de F.W.Murnau. Ulmer dirige Boris Karloff e Bela Lugosi no auge de suas carreiras. O primeiro interpreta um veterano da Primeira Guerra, Hjalmar Poelzig, que vive em um palacete (nítida influência expressionista), onde dá abrigo a um casal americano de férias e a um antigo desafeto e ex-comandado, o Dr. Vitus Werdegast (Lugosi). Na verdade, Poelzig é o sumo sacerdote de uma seita diabólica e seus planos incluíam sacrificar a jovem americana durante um ritual. A estilizada missa negra se realiza nos porões da mansão, onde o personagem de Karloff entoa cânticos e balbucia expressões em latim, entre acólitos vestidos cerimonialmente. O Gato Preto também foi em parte inspirado no polêmico ocultista inglês Aleister Crowley (1875-1947), que antes já servira de molde para The Magician (1926), de Rex Ingram, adaptado da obra de Somerset Maugham.

Continua...

(1) Sobre Häxan, recomendo a leitura de meu artigo na publicação "Cadernos da Pós-Graduação" do Instituto de Artes da Unicamp, ano 8, vol. 3, n. 3 - 2006.

Trecho de Häxan:

http://www.youtube.com/watch?v=eq2_jVmJ6wA

O novo formato do horror.

2009-07-14T07:42:00.000-07:00

Não é novidade o cinema de horror ser o meio por excelência para novos cineastas desenvolverem projetos ousados de forma independente. Conseqüentemente, é pelas mãos desses intrépidos diretores que o gênero se desenvolve e se renova. Foi assim nos anos 1960 e 1970, com Corman e Lewis, seguidos por Romero, Hooper e Craven; na década de 1980 (e seguinte), com John MacNaughton (do assustador Henry: Retrato de um Assassino / Henry: Portrait of a Serial Killer), os delírios de Charles Band (Full Moon), Stuart Gordon, Sam Raimi e Brian Yuzna; etc... Essa turma influenciou de maneira decisiva a nova geração, que cresceu com o videocassete e adentrou no milênio dando novo fôlego ao horror cinematográfico com uma estética que não só refletia os avanços no aparato técnico – edição, iluminação, fotografia (graças aos recursos das tecnologias mais recentes) -, como elevava os níveis de picardia e violência dos antecessores. A popularização dessa tecnologia, com a redução dos custos, tornou possível a produção de uma obra audiovisual com acabamento bastante profissional, bem distante das pioneiras e toscas experimentações pioneiras em VHS. Mais do que a evolução das câmeras, é importante ressaltar, o uso do computador e softwares de edição, (alguns com recursos bem avançados) foram elementos decisivos. Nesse universo, um meio de divulgação também interferiu no modo de produção: a Internet, que não só alavancou a publicidade dos títulos através dos websites e comunidades de aficionados, mas também permitiu a exibição dos mesmos, desprezando os tradicionais intermediários: distribuidores e salas de exibição comprometidos com as grandes produções. É o caso dos sites que permitem que usuários disponibilizem, compartilhem e assistam vídeos em formato digital e atualmente hospedam milhares de produções de todos os tipos, dos quais o grande destaque é o You Tube. Vale a pena, portanto, perdermos algum tempo garimpando por títulos que, de outro modo, dificilmente teríamos acesso. Em nosso caso específico, recomendo a série da Hammer (isso mesmo, a velha companhia inglesa renascendo das cinzas através da web) Beyond the Rave (2008), uma história de vampiros em vinte episódios. Conta a história de Ed, um soldado prestes a embarcar para o Iraque que passa a sua última noite em busca da namorada desaparecida, vista pela última vez em uma rave muito estranha. Bastante interessante (para quem curte um trash) é When Evil Calls (2006), divulgado como a primeira série de horror feita para celular. Se passa em um internato, onde simples mensagens de texto tornam realidade os desejos de quem as recebe, desencadeando uma seqüência de acontecimentos bizarros. A tranqueira lembra aquelas produções dos anos 1980, com muitas cenas de nudez e sangueira.

Beyond the Rave – Trailler: http://www.youtube.com/watch?v=V3y1cpsQbrQ
Beyond the Rave – Episódio 1: http://www.youtube.com/watch?v=epQytGiyRGo
When Evil Calls – Trailler: http://www.youtube.com/watch?v=ebCCo0i2s44

Outros que assisti recentemente e devem ser conferidos são:

Morsure

http://www.youtube.com/watch?v=qvFAy_NSncg&feature=fvst - produção francesa de 2007 dirigida por David Morlet, sobre uma praga que transforma as pessoas em uma espécie de zumbis mutantes.

Skeletons in the Closet / Skeletti i Garderoben

http://www.youtube.com/watch?v=gEdwi7XfdMk&feature=featured - do sueco Ulrik Friberg (2008), onde um casal acorda no chão de um apartamento decadente sem nenhuma lembrança de quem são ou do que estão fazendo ali.

Spider

http://www.youtube.com/watch?v=Zdj9vMH4BfQ&feature=channel - horrível e divertido curta de Nash Edgerton (2007).

Boas férias!!!!

She Freak (1967) - Um clássico do exploitation.

2009-07-03T09:26:00.000-07:00

She Freak, de 1967, marcou a volta do produtor de filmes exploitation David Friedman ao horror, após o rompimento de sua parceria com o diretor Herschell Gordon Lewis (que rendeu a trilogia Banquete de Sádicos, Maníacos e Color Me Blood Red). Na produção, faz homenagem ao clássico de Tod Browning, Monstros (Freaks /1932), filme que marcou a sua infância. Também serve de oportunidade para retornar a uma antiga paixão: os espetáculos itinerantes, que percorriam os Estados Unidos levando excitação e divertimento, intrinsecamente ligados ao desenvolvimento do exploitation. She Freak conta a história da ambiciosa Jade Cochran (Claire Brennan), garçonete sem perspectivas em uma lanchonete de estrada interiorana. Ela consegue emprego em um parque de diversões de passagem pela cidade, seduzindo o próspero dono do show de aberrações humanas. Após casar-se com ele, entediada, passa a traí-lo com o operador da roda gigante. Descoberta a traição, o marido é morto a facadas pelo amante, e Jade toma o seu lugar no gerenciamento do show. Vingativas, as aberrações que ela hostilizava – especialmente um dos anões -, acabam transformando a bela jovem em hedionda deformidade e por consequência, na mais nova atração do espetáculo.

Podemos considerar She Freak um momento singular na filmografia de Friedman como produtor e certamente um de seus melhores momentos. Dirigido por Byron Mabe, não apresenta cena alguma de nudez ou violência mais explícita. Apesar disso e das evidentes limitações orçamentárias, consegue passar a atmosfera circense desses espetáculos. As maquiagens das aberrações (ao contrário do filme de Browning não são exploradas deformidades humanas verdadeiras) são bem convincentes e durante todo o tempo está presente, por trás das luzes, música e animação do parque de diversões, uma atmosfera de sordidez e perdição. A própria aparição final da protagonista, se arrastando no chão retorcida, com uma serpente na mão e riso demente, causa impacto ainda hoje.

A Máscara do Demônio (1960), obra-prima do horror gótico.

2009-06-27T15:23:00.000-07:00

Aproveitando o gancho da última postagem, quando tratei de O Caçador de Bruxas de Michael Reeves, volto com outro clássico. Para tanto, devemos lembrar que os temas que caracterizam o horror gótico ganharam impulso naquele início dos anos 1960 em filmes importantes como o I Vampiri (1956) de Riccardo Freda, ou mesmo no bem sucedido Horror de Drácula (Horror of Dracula/1958) da Hammer. Considero o ponto alto deste ciclo e um de seus momentos mais memoráveis A Máscara do Demônio (La Maschera del Demonio/1960), obra-prima do diretor Mario Bava, produção que sintetizou todos os paradigmas do cinema de horror gótico e tornou-se, conseqüentemente, um dos mais atmosféricos e assustadores filmes sobre feitiçaria e vampirismo. A Máscara do Demônio é um compêndio da temática gótica: o castelo lúgubre com suas alas abandonadas ou em ruínas, corredores úmidos, catacumbas, lendas tenebrosas e maldições ancestrais. Além de vilões perversos, da jovem inocente vítima maior dos horrores e o herói – na verdade o representante do bem que vai lutar contra as forças do mal desencadeadas.
Distribuído nos Estados Unidos pela AIP como Black Sunday, foi anunciado com o oportunismo habitual. Os distribuidores diziam se sentir com a “obrigação moral” de advertir que A Máscara do Demônio só deveria ser assistido por “pessoas com mentes amadurecidas”. Além disso foi mais um round na luta contra a censura, que tinha olhos especiais para os filmes de horror. Banido em vários países, levou oito anos para ser exibido na Inglaterra.
Filmado em preto e branco, com fotografia que acentua os contrastes de luz e sombras, além de enquadramentos que realçam a atmosfera de delírio e desolação, já na introdução mostra seu inovador e impactante visual. O filme começa com a execução, em algum ponto da Moldávia do século XVII, de uma sacerdotisa de Satã, a princesa Asa Vajda. Personagem que tornaria sua intérprete, Barbara Steele um ícone do gênero. Condenada à morte por seu próprio irmão, ela jura retornar da sepultura em busca de vingança. Asa é morta pelo objeto que dá título ao filme, uma máscara metálica, com grandes cravos pontudos, martelada em seu rosto. Conforme o prometido, ela volta dois séculos depois, quando seu túmulo é descoberto por um médico viajante e seu assistente. Este desastradamente se fere, deixando cair gotas de sangue sobre o cadáver de Asa. A influência da feiticeira não demora a se manifestar contra os novos membros de sua linhagem, principalmente sobre a jovem Kátia, que tem os mesmos traços da ancestral (Barbara Steele também, lógico).
Talvez Bruce Lanier Wright em seu livro Nightwalker:: Gothic Horror Movies (1995) não tenha exagerado ao considerá-lo o melhor filme de horror já feito em termos visuais, sendo praticamente único, entre os filmes de sua época, a empregar o visual de influência expressionista e a sensibilidade dos filmes de horror da Universal. E é nesse ponto que encontramos em A Máscara do Demônio um importante divisor de águas, representando, como nos sugere o autor, uma transição entre duas eras diferentes para a história do cinema. Sugestão com a qual concordo, já que o filme de Bava, se por um lado remete às tradições clássicas do horror, também introduz, como novos elementos, sadismo e imagens explícitas de cadáveres em decomposição ou mutilados. O rosto pálido, ainda marcado com os buracos feitos pela máscara e os olhos expressivos de Barbara Steele em destaque, dificilmente saem de nossa memória. Imperdível!!!

O Caçador de Bruxas (1968), de Michael Reeves.

2009-06-19T05:37:00.000-07:00

Como sabemos, a década de 1960 foi determinante para uma mudança de rumos que iria se cristalizar nos anos 70 em todos os setores da sociedade. Que refletiu no cinema, com maior explicitação nas cenas de sexo e violência e abordagem mais crua de temas adultos e controversos. Temas até então tratados com cuidado e de forma velada, graças inclusive à política interna dos próprios estúdios. Nesse sentido, foi no âmbito das produções de horror que as experiências mais radicais ganharam corpo, sendo o emblemático o ano de 1968 o momento crucial para a redefinição do gênero através de filmes que ditariam novos paradigmas e serviriam de guia para as décadas seguintes, como A Noite dos Mortos Vivos (The Night of the Living Dead), de George Romero e O Bebê de Rosemary (Rosemary’s Baby), de Roman Polanski.
Bastante significativo foi um filme realizado e exibido modestamente: O Caçador de Bruxas (The Witchfinder General), de Michael Reeves, lançado nos Estados Unidos como The Conqueror Worm. Vincent Price interpreta com singular recolhimento – irreconhecível até, se compararmos com os personagens que encarnou nos filmes de Roger Corman (a famosa série baseada em Edgar Allan Poe) - Matthew Hopkins, um histórico e implacável caçador de bruxas que viaja através da Inglaterra medieval executando supostas bruxas e enriquecendo às custas disso. Reeves, na verdade, não queria Price no papel principal. Achava a sua atuação por demais caricata, considerando que o consagrado ator sempre se mostrava exagerado por detrás dos personagens, o que muitas vezes os tornava histriônicos. O diretor preferia em seu lugar o ator britânico Donald Pleasence. Sendo assim desenvolveu-se uma relação bastante conflituosa entre Reeves e Vincent Price, impedido de usar seus maneirismos. Contudo, O Caçador de Bruxas acabou tornando-se o veículo para a melhor atuação do ator, que nunca esteve tão contido, sério e assustador.
O interessante é que essa produção de baixo orçamento co-produzida na Inglaterra pela Tigon, uma companhia de filmes baratos, e a AIP, que vendeu o filme como mais um do ciclo Poe (daí o título americano The Conqueror Worm), não era, na verdade, um filme que utilizasse elementos fantásticos. Não dá nenhuma evidência de que as bruxas, perseguidas sem trégua, realmente tivessem poderes sobrenaturais. Mas as mostra como vítimas de um destino controlado pela autoridade constituída, perdidas e sem defesa ante o inevitável sofrimento. Empenhado em retratar o sadismo de Hopkins (metáfora para a corrupção do poder) o diretor foi mais longe do que outros antes dele ao mostrar vários tipos de brutalidade na tela. Afinal, Hopkins enforca, afoga, queima e enfia agulhas em suas vítimas, reforçado pela interpretação impassível e fria de Price. Sem o sangue-e-tripas que já dava sinais nas telas, ele valoriza a dor real em seu aspecto mais cru e violento, retratando sombriamente a corrupção e a degradação da alma humana.

O Signo de Escorpião (1974) - o inferno astral de um diretor.

2009-06-11T08:03:00.000-07:00

Em 1974, o cineasta Carlos Coimbra – o mesmo do embaraçoso Independência ou Morte (1972) – produziu (com verba da Embrafilme) e dirigiu O Signo de Escorpião, filme de suspense na linha das histórias de Agatha Christie e tema recorrente no cinema: pessoas isoladas em um lugar sinistro são mortas por assassino misterioso. Segundo o diretor, na biografia escrita por Luiz Carlos Merten (Coleção Aplauso - Imprensa Oficial), a idéia de vincular os crimes aos signos zodiacais partiu de seu irmão, Sérgio. Vale uma lembrança: em 1974 ainda estavam em voga os assassinatos em série cometidos nos Estados Unidos pelo Zodíaco. Coincidência?
A trama é simples e batida: doze pessoas são convidadas pelo Professor Alex, astrólogo endinheirado, para passar o fim de semana na sua mansão,em ilha particular. Lá pretende experimentar uma máquina que faria a previsão astrológica de forma científica. No melhor estilo "Agatha Christie encontra Jason", os convidados vão sendo abatidos um por um, ficando os sobreviventes envolvidos em todos os clichês do gênero: desconfianças, desentendimentos, etc.
A trama, assessorada pelo astrólogo Omar Cardoso, famoso nos anos 1970, começa no iate que leva o grupo à ilha. Conhecemos então os personagens, entre eles a repórter Gilda (Maria Della Costa), a loura burra Ângela (Kate Lyra, lindíssima) e o galã de novelas interpretado de forma constrangedora pelo compositor Carlos Lyra (que deveria ter continuado com seu banquinho e violão ao invés de se aventurar no cinema).
Eles são recepcionados pelos empregados do anfitrião, Samuel (Sandro Polonio) e Marta (a sempre sinistra Wanda Kosmo - a bruxa de Exorcismo Negro, do Mojica, do mesmo ano). É dela a pérola, quando chocada com os modos dos integrantes do grupo: “Os convidados do patrão trazem pecado e podridão”. Logo em seguida, eles encontram o Professor Alex (Rodolfo Mayer), que explica porque os reuniu, cada um representando um signo do Zodíaco. Ele apresenta sua invenção, o cérebro-eletrônico – engenhoca desenvolvida pelo próprio diretor com a colaboração de Miro Reis – que daria ao filme um toque de ficção científica, já que em 1974 computadores não eram tão comuns. A máquina daria as previsões astrológicas definitivas, já que estava programado com todo o conhecimento astrológico reunido por seu inventor.
A primeira a morrer é Sônia (Maria Viana), secretária do astrólogo. Enquanto os outros convidados caem na farra após o jantar, com direito à bebida, rock’n’roll e um strip-tease da japonesa Satiko (Elza Tsugawa), Sônia resolve nadar pelada. Pouco depois aparece estrangulada, iniciando assim a seqüência de mortes. A partir daí as coisas vão se complicando. Eles descobrem que o rádio estava danificado, assim como o iate, e que estavam prisioneiros com um assassino entre eles. As cenas de violência são discretas. Porém, há alguma ousadia gráfica que merece destaque, como o personagem encontrado morto com uma âncora fincada no corpo.
Esse Caso dos Dez Negrinhos tupiniquim também é contido nas cenas de sexo. Na verdade, ficamos todo o tempo esperando um pouco mais da Kate Lyra. Mas não podemos esquecer que a produção é de 1974 e o sexo, assim como outras coisas boas da vida, não era muito apreciado pelos nossos governantes, muito menos pelo órgão responsável pela moral e bons costumes: a Censura. Destaco com louvor um trecho do filme: a macumba protagonizada pela empregada Marta, com direito a círculo de pólvora, ivocação a Satã e imagens do nosso sicretismo religioso, com seus santos e pomba-giras.
Apesar de todo o empenho e entusiasmo, o tiro de Carlos Coimbra saiu pela culatra (assim como os bons augúrios do astrólogo Cardoso). Fracasso retumbante, O Signo de Escorpião quebrou Coimbra, que teve que devolver aos cofres da Embrafilme a antecipação da verba de produção (mais tarde com a renda de Iracema, a Virgem dos Lábio de Mel – 1978 ).
O filme, inegavelmente, envelheceu bastante nesses mais de trinta anos. Principalmente pela história em si. É como comer comida requentada de véspera. Mesmo assim, vale embarcar na estética do cinema brasileiro da época, principalmente daquele visual feio e sujo imposto pela falta de grana, das roupas, dos cabelos, da cafonice, da vulgaridade e da sensacional cafajestice.